Результаты поиска

В книге «Тайная сила музыки» британский писатель Дэвид Тейм (род. в 1953) утверждает, что нет ни одной функции в человеческом теле, на которую не оказывала бы влияния музыка. Исследования показывают, что музыка воздействует на пищеварение, внутреннюю секрецию, кровообращение, питание и дыхание, деятельность сердечно-сосудистой, эндокринной и нервной систем, а также мозга. Подобранные музыкальными терапевтами мелодии могут не только улучшать настроение и самочувствие, но и повышать внимание, работоспособность, стимулировать мыслительную и физическую деятельность... Музыка действует на тело двумя различными путями: прямое воздействие, то есть влияние звука на клетки и органы; и косвенное – через воздействие на эмоции, желания и чувства, которые, в свою очередь, влияют на множество процессов в теле. Человек является в основе своей ритмическим существом. Дыхание, сердцебиение, речь, походка и тому подобное - все создают некоторую часть объединенного ряда ритмов, больших и малых, каким и является человек. Даже полушария мозга находятся в состоянии постоянной ритмической активности. «Звук и ритм - фундаментальные понятия и основа мироздания. Они представляют собой универсальную могущественную невидимую силу, способную вызывать как благоприятные (радость, вдохновение, исцеление, расслабление, умиротворение ...), так и разрушительные (раздражение, дезориентация, угнетение, опустошение, заболевание и даже гибель) изменения». Когда звуковые волны проникают в тело человека, в его клетках возникают симпатические колебания. Высокое содержание в тканях воды помогает передавать звук. Общий механический эффект при этом можно сравнить с глубоким массажем на атомном и молекулярном уровнях. Классические ритмы 4/4, 2/4, 3/4, 6/8 ... соответствуют этим формулам. Музыкальные стили, использующие эти ритмы, содействуют жизненным процессам, восстановлению порядка, развитию. Произведения музыки, которые искажают звук или не сохраняют эти ритмы (искаженная музыка), постепенно разрушают «настройку» тонкого и сложного «инструмента», которым является человек, приближая его к смерти духовной (деградации) и физической. Влияние музыки не ограничивается психоэмоциональным воздействием. В результате многочисленных экспериментов удалось установить, что музыка способна проникать в организм не только через орган слуха, но и через кожу! Ведь музыка имеет волновую природу, а в коже находятся виброрецепторы, воспринимающие звуковые волны в широком диапазоне. При воздействии на виброрецепторы звуковых волн определенной частоты « запускается», в частности, противоболевая система, благодаря чему у слушающего музыку человека исчезают или ослабевают болевые ощущения. Громкие звуки, наоборот, убивают в ушах волосковые клетки, которые передают информацию о звуковых колебаниях в головной мозг. Кстати, у людей 70% неврозов возникают именно из-за шума. Длительное звуковое давление ведет к нарушению логики и неуравновешенности. Те, кто живут рядом с оживленными автомагистралями, часто страдают заболеваниями сердечно-сосудистой системы, гипертонией, расстройствами пищеварения. Порог звуковой опасности составляет 80 дБ, звук работающего пылесоса - 85 дБ, уровень боли - 120, рев взлетающего самолета - 150, смертельный уровень - 180 дБ. Ученые провели недавно исследование наиболее агрессивных образцов рок- и поп-музыки: семиклассники после 10-минутного прослушивания рок-композиций временно забывали таблицу умножения. Находящиеся в концертных залах слушатели не смогли ответить на вопросы: «Как вас зовут?», «Где вы находитесь?», «Какой теперь год?». Томас Верни (род. в 1936), выдающийся американский пренатальный психолог, доктор медицинских наук и писатель, отмечает в своей книге « Скрытая жизнь нерожденного ребенка», что, как исследование показало, агрессивная рок-музыка побуждает ребенка неистово толкаться в чреве матери. Было открыто, что рок-музыка создает некоторый тип статического электричества, которое изменяет сердечный ритм матери. «Эта музыка не является синхронной с человеческим сердцебиением». Он также отметил, что 3/4-ной размер музыки вальсов наиболее близок сердцебиению людей, и поэтому создает чувство гармонии внутри человеческого существа. Доктор Верни также сказал: когда звучит музыка Моцарта или Вивальди, матери утверждают, что их дети внутри успокаиваются, меньше ударяют ножками, и их сердечный ритм становится ровнее, чем обычно. Таким образом, гармоничная музыка восстанавливает слаженность всех процессов, возвращая душевное равновесие. Как показали эксперименты, особенно сильное оздоровительное воздействие на психическое и физическое состояние больных оказывает звучание струнных инструментов (прежде всего скрипка, на последнем месте - гитара) и фортепиано. Такая музыка способствует нормализации артериального давления, уменьшает болевые ощущения, укрепляет волю больного, регулирует работу сердца...

Восприятие музыки можно назвать считыванием рисунка слышимой информации. И хотя музыка известна как «язык эмоций», источники воздействия музыки на психологическое состояние слушателей все еще неясны. У музыки есть удивительная способность кодировать чувственную жизнь людей в самых тончайших деталях. Но науке не известно, что именно дает этому искусству власть над нашим психологическим состоянием. Ведь в музыке все абстрактно: в ней нет строго определенных единиц информации, присущих словам и видимым образам. Именно отсутствие определенности (символической репрезентации) усложняет исследование восприятия эмоций в музыке. Психология музыкальных предпочтений пытается по-своему ответить на этот вопрос. Под психологией музыкальных предпочтений понимаются «психологические факторы, которые определяют различные музыкальные предпочтения». Большинство людей в том или ином виде слушают музыку каждый день, и музыка влияет на людей разными способами, начиная с управления эмоциями и до когнитивного развития (то есть развития всех видов мыслительных процессов - восприятия, памяти, формирования понятий, решения задач, воображения и логики). Музыка также обеспечивает возможность самовыражения. Одной из самых популярных ныне моделей психологических черт человека считается «Большая пятерка» , которая утверждает, что существуют пять основных черт, определяющих характер человека: экстраверсия, доброжелательность, сознательность, невротизм и открытость опыту. Такую модель часто используют для предсказания развития определенных жизненных показателей (от риска психических расстройств до величины дохода). И многочисленные исследования, использовавшие модель «Большой пятерки», показывают, что черты характера действительно влияют на музыкальные предпочтения. Открытость опыту Из всех черт характера открытость опыту, как показали исследования, оказывает самый большой эффект на жанровые предпочтения. Люди, имеющие высокий показатель по открытости опыту, в большинстве своем предпочитают более сложную и разнообразную музыку, такую как классическая музыка, джаз, эклектика . Одной из граней открытости опыту является эстетичность, поэтому исследователи обычно предполагают, что будет высокая положительная корреляция (или взаимосвязь) между открытостью и предпочтением сложной музыки. Люди, имеющие высокие показатели по открытости, также обычно высоко оценивают собственные умственные способности. Это могло бы также объяснить, почему эта группа людей любит сложную классическую музыку и джаз. Одно из исследований, изучающее как черты характера влияют на эмоции, вызываемые музыкой, заключает, что из всех черт «Большой пятерки», открытость опыту больше всего предполагает сильные эмоциональные реакции на грустную и медленную музыку. Самые частые эмоции, вызываемые грустной музыкой, — это ностальгия, умиротворенность и восхищение. Открытость опыту положительно коррелировала со всеми этими эмоциями. Также важным качеством для открытых опыту людей оказалась новизна в музыке. Экстраверсия Экстраверсия — другой хороший показатель жанровых предпочтений в музыке. Она также предсказывает, как люди будут использовать музыку. Люди, имеющие высокий показатель экстравертности, обычно предпочитают счастливую «социальную» музыку, такую как поп, хип-хоп, рэп, и электронную музыку . Кроме того, экстраверты слушают музыку чаще интровертов и чаще используют музыку как фон. Доброжелательность Хотя доброжелательность мало влияет на жанровые предпочтения, она хорошо предсказывает интенсивность музыкальных эмоций, как положительных, так и отрицательных. Те, кто имеет высокий показатель по доброжелательности, обычно испытывают более сильные эмоции от музыки. Нейротизм Нейротизм (или эмоциональная неустойчивость, тревожность) плохо предсказывает жанровые предпочтения, но он может предсказать, как люди используют музыку. Люди с высоким нейротизмом часто используют музыку для эмоциональной регуляции, и что, возможно, связано с предыдущим, они испытывают более сильные эмоции от грустной музыки. Популярным стереотипом является связь музыкального вкуса с уровнем интеллектуального развития . Многие считают, что умные люди слушают только классику, а попса и рэп — любимая музыка людей простых и менее образованных. Но так ли это, и есть ли у этого стереотипа научная основа? Мы знаем, что музыка — часть нашей идентичности, и многие считают, что любимая музыка может многое сказать об их характере. В Университете Техаса провели исследование, в рамках которого попытались найти корреляцию между любимыми музыкальными жанрами и чертами характера респондентов. Студенты прошли несколько тестов — на музыкальные предпочтения, тип личности и уровень IQ . Потом психологи сравнили результаты тестов и нашли некоторые взаимосвязи между результатами. Всего они выделили четыре группы (в более поздних версиях теста появилась и пятая группа): 1. Блюз, классическая музыка, фолк, джаз 2. Альтернатива, хеви-метал, рок 3. Кантри, поп, религиозная музыка, саундтреки 4. Электроника, хип-хоп, рэп, соул Музыку из первой группы любят «сложные» люди, которые склонны к рефлексии: либералы, интеллигенты, не очень спортивные, но открытые новому опыту. Вторую группу предпочитают «напористые и бунтующие» натуры — у них много общего с предыдущей группой, но они более спортивны и не любят казаться умнее всех. В третьей группе — оптимисты и экстраверты, более добросовестные и склонные соглашаться с другими. Они видят себя спортивными, богатыми, красивыми и политически консервативными. Эта группа менее всего склонна к депрессии, но и результаты теста IQ у нее ниже, чем у всех остальных. Музыку из четвертой группы предпочитают энергичные и ритмичные люди, которые разделяют многие представления респондентов из третьей группы, отличаются отсутствием консерватизма, более высоким уровнем дохода и IQ. Интересно, что представители последней группы менее всего склонны к эмоциональным порывам и предпочитают не прислушиваться к своим чувствам. Похожее исследование провели в Университете Хериот-Ватт, Эдинбург. Ученые попросили 36 тысяч человек оценить множество музыкальных стилей и пройти личностный тест. Оказалось, что поп-музыку любят «честные и не очень креативные», у фанатов рэпа высокая самооценка, а любители хэви-метал — нежные, но недостаточно уверенные в себе люди. Инди предпочитают «не очень трудолюбивые интроверты», а джаз и классическую музыку — люди с высоким интеллектом и самооценкой. Личностные тесты — не единственная метрика. Есть другая группа исследований, где используются когнитивные тесты — они позволяют оценить стиль мышления человека по шкале от чисто эмпатического до чисто систематического. Когнитивный стиль — это психологический термин, обозначающий устойчивые характеристики мышления, восприятия и запоминания информации людьми, а также предпочитаемый способ решения проблем. Теория «эмпатии — систематизации» кембриджского психолога Саймона Барона-Коэна утверждает, что главными переменными в формировании когнитивного стиля и прочих личностных особенностей являются такие черты, как склонность к эмпатии (способность определять и понимать чувства, настроение и мысли других людей, и реагировать в соответствии с ними) и систематизации (способность находить закономерности, причинно-следственные связи, классифицировать и так далее). Другими словами, первые хотят и умеют понимать чувства и эмоции других людей. Вторые склонны искать паттерны (шаблоны) поведения и анализировать системы отношений. Люди с преобладанием эмпатии скорее выбирают профессии, связанные с общением с людьми, а «систематики» становятся программистами, аналитиками данных, бухгалтерами, учеными. Таким образом, психологи из Кембриджского университета обнаружили, что музыкальные вкусы людей также определяются их когнитивным стилем. С помощью приложения myPersonality Facebook app ученые привлекли для исследования более 4 тысяч добровольцев. Каждый из них прошел онлайн несколько психологических опросников, включая Empathy Quotient (EQ) and Systemizing Quotient (SQ), разработанные Бароном-Коэном, и узнали свой тип мышления. На основании данных психологического тестирования испытуемых разбили на три группы: люди с преобладанием эмпатии, люди с преобладанием систематизации и смешанный (сбалансированный) тип. На втором этапе каждому испытуемому дали прослушать и ранжировать по шкале «очень нравится - совсем не нравится» 50 музыкальных фрагментов. Они были взяты из специальной библиотеки музыкальных образцов и представляли 26 музыкальных жанров и субжанров так, чтобы исключить у испытуемых какие-либо личные или культурные ассоциации с мелодиями. Выяснилось, что люди с преобладанием эмпатии, (то есть те, кто уделяет много внимания эмоциональному фону общения, а не только его сути) предпочитают мягкую, непритязательную, плавную, эмоционально насыщенную музыку (в большей степени с печальными и грустными мотивами) таких жанров, как софт-рок, R&B, авторская песня, романсы, кантри, фолк, электронику, латино-американскую музыку, эйсид-джаз и евро-поп, классический джаз. Однако очень не любят тяжелый металл, хард-рок, панк-рок и другую интенсивную и возбуждающую музыку. Напротив, людям с преобладанием систематизации (то есть склонным к анализу и поиску закономерностей) не нравится плавная и мягкая музыка, они отдают предпочтение мощным, интенсивным, возбуждающим жанрам, как вышеперечисленные разновидности рока . Помимо этого, они любят сложную музыку, типа различного рода авангарда, в том числе авангардный джаз . Таким образом, сформировались два полюса музыкальных пристрастий: Эмпатический (низкая энергетика, чувственность и мягкость музыки, негативные эмоции) и систематизирующий (высокая энергетика, мощная и захватывающая музыка, позитивные сильные эмоции). Например, в плейлисте «эмпатика» будет «Crazy Little Thing Called Love» группы Queen или «All of Me» Билли Холлидей, а у «систематика» Enter Sandman группы Metallica или концерт Антонио Вивальди. Сбалансированный тип, как и ожидалось, в равной степени мог предпочесть как те, так и другие жанры. Работа опубликована в журнале PLoS ONE . Это интересная статистика — люди действительно слушают музыку по-разному: кто-то воспринимает ее исключительно на уровне эмоций, другие же, например, живо интересуются ее композиционным устройством. Отсюда может проистекать и связь между типом мышления и жанровыми предпочтениями. По мнению авторов, новое исследование поможет интернет-компаниям определять психологический профиль пользователей социальных сетей и других сервисов по их музыкальным предпочтениям, а также оптимизировать алгоритмы, предлагающие пользователям прослушать или приобрести те или иные композиции и альбомы. Какой ответ дает социология? Группа ученых из Университета Британской Колумбии провели большое исследование, в рамках которого они искали еще одну связь — на этот раз между социальными категориями и музыкальными предпочтениями. В телефонных интервью приняли участие 1600 респондентов. Оказалось, что любители кантри, диско, хэви-метала и рэпа беднее и хуже образованы. Более богатые и образованные предпочитают классическую музыку, блюз, джаз, оперу, поп, рэгги, рок и мюзиклы . Это исследование — важная часть общего дискурса, актуального для социологии культуры: социальному классу просто «приписаны» определенные культурные вкусы, или же разные предпочтения — это реальный инструмент разграничения социальных элит? Социологические школы предлагают различные ответы — единого мнения на этот счет нет. Научные же исследования обнаруживают некоторые корреляции между разными культурными, личностными или социологическими сущностями и музыкальным вкусом, но результаты не так однозначны. Не все исследования показывают и наличие причинно-следственных связей между явлениями, а неоднозначность результатов — явный повод к тому, чтобы оставить «жанровые войны» в прошлом. Есть также интересные исследования связей между культурной подвижностью и эволюционной предопределенностью. Что это значит? Принято считать, что человек на биологическом уровне предпочитает гармоническое звучание. Но есть исследования, которые говорят об обратном, — правда, они используют при этом довольно необычные данные. Джош МакДермотт (Josh McDermott) из Массачусетского технологического института и его коллеги отправились к племени Чимани (Tsimane) в леса Амазонки. Это одно из последних человеческих поселений, практически никак не связанных с внешним миром. Эти люди незнакомы с западной музыкой, которая основана на мелодии, гармонии и полифонии. Им нравятся многие звуки, которые наш слух сочтет неприятными, расстроенными и некрасивыми. Ученые попросили 64 местных жителя оценить, насколько приятными им кажутся звуки из обширной выборки консонантных и диссонантных звуков. Аналогичное испытание ученые провели среди тех, кто был знаком с западной музыкой: американских музыкантов, американских не-музыкантов и жителей столицы Боливии, Ла-Пас. Представители племени Чимани не выказали очевидных предпочтений — и консонантные, и диссонантные звуки им казались одинаково приятными (ученые предварительно убедились, что жители племени понимают разницу между консонантными и диссонантными звуками и имеют определенные музыкальные предпочтения). Те же, кто был знаком с западной музыкой, отдали предпочтение консонантным звукосочетаниям. Поэтому исследователи предположили, что музыкальный вкус — все же не биологическая категория, а культурная. Мы слушаем музыку, устроенную по определенным принципам, всю свою жизнь. Гармоническая музыка чаще всего звучит в кино и рекламе на счастливых, радостных и вдохновляющих моментах. Вполне вероятно, что музыкальные предпочтения — это результат «воспитания, а не природы». ___________________ При подготовке статьи использованы работы: 1. Как связаны интеллект и музыкальные предпочтения: теории и исследования [Электронный ресурс] //Аудиомания. - 2018. - 23 апреля. - Режим доступа: https://habr.com/ru/company/audiomania/blog/374443/ 2. Особенности личности связали с музыкальными предпочтениями [Электронный ресурс] //N+1. - 2015. - 24 июля. - Режим доступа: https://nplus1.ru/news/2015/07/24/music

Мы знаем, что музыка способна вызвать в человеке самые разнообразные переживания. Ученые до сих пор не могут разгадать секреты уникального воздействия музыкальных произведений на наше эмоциональное состояние. Почему определенные ритмические рисунки, мелодии и гармонии вызывают соответствующие им определенные чувства? Есть ли законы, описывающие этот процесс? Можно ли их описать математически? И если да, то как скоро искусственный интеллект начнет писать музыку, неотличимую от человеческой?.. См. также: Музыка выражает наши эмоции на глубинном уровне гораздо мощнее, чем способны выразить слова. Мы можем прийти в состояние эйфории от драйвовой музыки в каком-нибудь рок-клубе, а слушая романтичную балладу, пережить тоску неразделенной любви... Загадка антропологии Еще отец эволюционной теории англичанин Чарльз Дарвин был озадачен способностью человека воспринимать музыку и способность эту назвал « самой загадочной из тех, коими одарено человечество » . Некоторые ученые-мыслители - такие, как канадско-американский когнитивист Стивен Пинкер - даже усомнились в том, есть ли вообще в музыке какая-то особая ценность. На взгляд Пинкера, музыка нравится нам только потому, что стимулирует другие, более важные наши способности - способность распознавать паттерны (шаблоны), например. Сама же по себе она, по мнению Пинкера, ценности не представляет и выступает лишь как раздражитель для слуха. Когда б дело обстояло именно так, разве стали бы люди по всему миру тратить столько своего жизненного времени и денег на музицирование и прослушивание музыки? Если вы считаете себя музыкальным фанатом, сопоставьте свою одержимость с отношением к музыке в пигмейском племени бабинга. Эта центральноафриканская народность известна тем, что песней и танцем сопровождает любое занятие - от сбора меда до охоты на слонов. Французский антрополог и этномузыковед Жильбер Руже, живший среди представителей бабинга в 1946 году, обнаружил, что неучастие в ритуале совместного музицирования считается у них ужаснейшим из преступлений. « Яснее, пожалуй, и не выразишь то, что песня и пища одинаково необходимы человеку для жизни, - заметил ученый. - По этой причине многие люди (включая меня самого) с трудом могут поверить в то, что музыка - это всего лишь фоновый саундтрек к истории человеческой эволюции » . По счастью, относительно назначения музыки существуют и альтернативные теории. Согласно одной особенно популярной гипотезе, музыка возникла в ответ на сексуальную конкуренцию среди людей - как яркий хвост у павлинов. Действительно, развитые музыкальные способности делают человека сексуально более привлекательным. Однако доказательств у этой теории пока немного: недавнее исследование 10 тыс. двойняшек не показало, что музыкантам как-то уж особенно везет в делах «любовных» (Мик Джаггер и многие другие рокеры, впрочем, могут с этим поспорить) 🙂... Высказывается также предположение, что музыка явилась ранней формой коммуникации людей. И действительно, некоторые музыкальные мотивы несут в себе эмоциональные коды наших предков. Вот, например, восходящее стаккато нас эмоционально заводит, а длительные нисходящие секвенции действуют успокаивающе. По-видимому, определенные звуковые построения содержат универсальные смыслы, одинаково считываемые взрослыми разных возрастов и культур, маленькими детьми и даже животными. Так что можно с большой долей уверенности утверждать, что музыка возникла на фундаменте из ассоциаций с криками птиц и зверей как средство, с помощью которого древний человек, еще не имевший языка, мог выражать свои чувства. Очевидно, что рычание тигра, рев медведя, грохот грома, шипение змеи — то есть низкие, отрывистые, глубокие звуки — ассоциируются с опасностью, напряжением, выбросом адреналина. В то же время журчание ручья, треск пламени и пение птиц, детский голос, смех ассоциируются с жизнью и теплом, что также оставило глубокий след в ассоциативном ряду, который передается и закрепляется из поколения в поколение уже много тысяч лет. Это значит, что, копируя знакомые звуки, человек мог выражать свои эмоции и делиться этой информацией с другими. Таким образом, звуки и их сочетания можно считать не только первой музыкой, но и протоязыком , фундаментом возникновения речи. Кроме того, на определенном историческом этапе музыка, возможно, помогла объединению людей в сообщества. Групповой танец и пение хором сделали людей более альтруистичными и более склонными отождествлять себя с коллективом, в котором они существуют. Согласно результатам новейших исследований нейробиологии, двигаясь синхронно с другим человеком, мы - благодаря сигналам, посылаемым мозгом, - перестаем осознавать себя как нечто отдельное. Все мы прекрасно знаем по собственным телесным реакциям - чтобы людям начать двигаться в едином порыве, нет лучшего средства, чем музыка. Эмоциональный контакт с миром Если мелодия вызывает в теле приятные вибрации, достаточно обычного ее прослушивания для того, чтобы наше эго уменьшилось. Группа, в которой больше солидарности и меньше внутренних раздоров, имеет более высокий шанс выжить и достичь процветания. Наиболее широко это было проиллюстрировано примером племени бабинга с его обязательным ежедневным музицированием. Антрополог Руже писал о бабинга: « При включении в процесс происходит до некоторой степени стирание собственной личности, так что каждый из участников начинает ощущать себя одним целым с группой поющих » . Пример пигмейского «йодля» (фрагмент фильма британского Королевского антропологического института) Роль музыки в качестве клея для социума можно проследить и на примере песен, которые пели рабы за работой, а также хоровых солдатских песен и песен матросов. Похоже, что музыка действительно сплачивает людей. Музыка, по-видимому, заложена в самой основе наших отношений с миром, и есть глубокий смысл в том, чтобы, перебирая наши сердечные струны, она помогала нам устанавливать эмоциональный контакт с другими людьми и вообще со всем сущим. Каждая культура может надстраивать этот рудиментарный инстинкт по-своему, создавая собственный лексикон музыкальных аккордов и мотивов, которые станут ассоциироваться с определенными переживаниями. Каковы бы ни были генезис и исконное назначение музыки, современные люди уже не могут не связывать ее с важными событиями собственной жизни. Нынешнее наше существование на Земле - от зачатия, вынашивания, рождения и до погребения, со всем, что может случиться с человеком в промежутке - сопровождается определенным музыкальным рядом. Сегодняшний мир нельзя представить без музыки. Она плотно сплелась с нашим эмоциональным интеллектом, с пониманием себя и других людей. Имея универсальный источник в виде природных звуков, музыка сегодня также универсальна, а ее чувственный окрас понятен каждому, независимо от национальности, расы и культуры. И неудивительно поэтому, что звуки любимых мелодий способны напоить нас таким пьянящим коктейлем из эмоций и воспоминаний... The Rolling Stones. Angie

«Не знали - на небе или на земле мы: ибо нет на земле такого зрелища и красоты такой, и не знаем, как и рассказать об этом, - знаем мы только, что пребывает там Бог с людьми...» Так, согласно «Повести временных лет», послы князя Владимира, вернувшись из Константинополя (987), описывают впечатления от византийского церковного пения... Древний византийский распев ведет свою историю с IV века. Из самых почитаемых композиторов византийской музыки часто особо выделяют следующих: преподобных Романа Сладкопевца (VI в.), Иоанна Дамаскина (VII в.) и Иоанна Кукузеля (XIV в.), а также Петра Пелопоннесского (XVIII в.) - выдающегося пост-византийского композитора, чьи оригинальные музыкальные произведения и переложения более древних сочинений на «новый метод» византийской нотации легли в основу современного обихода византийского церковного пения. Византийская музыка относится к жанру так называемой «модальной» музыки, то есть, в отличие от академической европейской, основанной на мажоро-минорной системе, она использует 8 различных ладов. Звуковые интервалы ладов византийской музыки не имеют равномерного (темперированного) строя - они содержат микротона (например, 1/4 тона). Иначе говоря, подавляющую часть византийской музыки невозможно исполнить, к примеру, на фортепиано. Музыкальное сочинение в византийском певческом искусстве создается с помощью невменной системы нотации, которая по происхождению предшествует европейской, и состоит из знаков, обозначающих ход голоса (вверх или вниз), ритм и так далее. Невменная нотация не фиксирует абсолютную высоту звука, а отражает его относительную высоту по сравнению с предыдущим. Наконец, важнейшая особенность заключается в том, как сочиняются новые композиции. Композитору необходимо использовать мелодические формулы - «фесисы», которых существует несколько тысяч. Иными словами, он не может сочинить новую мелодию «с нуля», но должен опираться на существующие звуковые формулы, сохраняя, таким образом, музыкальное предание путем подражания стилю более древних, классических сочинений. Византийский распев «Христос Воскресе» Хор Александро-Свирского монастыря

Ритмические колебания активности мозга слушателей на «живом» концерте синхронизируются друг с другом и с ритмом музыки. Каждый меломан знает, что переживания «живого» концерта — это нечто особенное, чего никак не могут передать даже самые лучшие наушники и колонки. Знает об этом и мозг: Джессика Гран (Jessica Grahn) и ее коллеги обнаружили, что ритмические колебания мозговой активности у посетителей концерта синхронизируются, стимулируя позитивные переживания. Об этом ученые рассказали на ежегодной встрече Общества когнитивных нейронаук (Cognitive Neuroscience Society), прошедшей в американском Бостоне. Электроэнцефалография (ЭЭГ) позволяет измерить ритмические групповые колебания активности нейронов в разных отделах мозга. Их частота, амплитуда и форма меняются от стабильных альфа-волн в спокойном бодрствующем состоянии до быстрых бета- и гамма-волн при интенсивной работе мозга, долгих тета- и дельта-волн — в период восстановления и сна. Их нарушения могут быть связаны с такими состояниями, как болезнь Паркинсона и дислексия. В ходе своих экспериментов исследователи использовали электроды ЭЭГ для наблюдения за мозговыми волнами у добровольцев, разделенных на группы по 20 человек. Все они слушали одну и ту же песню, специально написанную для этого опыта, с сильно выраженной ритмической основой. Но одни подопытные услышали ее в «живом» исполнении перед большой аудиторией, вторые — в записи на экране телевизора, третьи же смотрели видео выступления перед немногочисленной группой зрителей. И действительно: у участников первой группы отмечалась намного более высокая синхронизация мозговых волн как друг с другом, так и с ритмом самой музыки. Более того, заполненные после исполнения опросники показали, что люди именно из этой группы переживали опыт как более позитивный, чем те, которые смотрели исполнение в записи. Ученые считают этот эффект еще одним напоминанием о высокой социальной природе нашего вида. Сегодня большинство из нас привыкли выступать лишь в роли слушателя, но некогда музыка и танец были частью культовых ритуалов и соответствующих групповых действий, ведущих к созданию тесных социальных связей. Такое поведение вознаграждается мозгом — и мы до сих пор переживаем на концертах «нечто особенное».

Если вы спрашиваете, что такое джаз, – то вам этого никогда не понять. Луи Армстронг «Музыка не для всех», «музыка для умных» – как только ни называют джаз. Его принято считать элитарной музыкой наравне с академической. У джаза много поклонников, но немало и тех, кто просто не понимает этот жанр, так как считает слишком непростым для восприятия. Что такое джаз? Это волнующие ритмы, приятная живая музыка, которая непрерывно развивается и движется. С этим направлением, пожалуй, не сравнится ни одно другое, и перепутать его с каким-либо иным жанром невозможно даже новичку. Изобретательность, а также страсть, которой наполнены джазовые композиции, не имеет границ. И вот в чем парадокс - услышать и узнать эту неординарную музыку, способную выразить всю гамму человеческих чувств, можно легко, а вот описать словами не так просто. Многоликая и многообразная, она непрерывно совершенствуется, а потому понятия и характеристики, применяемые сегодня, через год или два уже устаревают. Джаз – это направление в музыке, которое возникло в США в самом начале XX века. В нем тесно переплетаются ритмы, обрядовые песнопения и рабочие песни афроамериканцев, а также гармоническая составляющая, присущая музыке белых переселенцев. Другими словами, это импровизационный жанр, появившийся в результате смешивания западноевропейской и западноафриканской музыки. В чем особенности джазовой музыки? Первая и самая важная особенность – это импровизация. Музыканты должны уметь импровизировать как в оркестре, так и соло. Еще одна не менее значимая черта – полиритмия. Ритмическая свобода, пожалуй, это главнейший признак джазовой музыки. Именно такая независимость вызывает у музыкантов ощущение невесомости и непрерывного движения вперед. Вспомните любую джазовую композицию. Кажется, что исполнители непринужденно наигрывают какую-то чудесную и приятную на слух мелодию, никаких строгих рамок, как в классической музыке, только удивительная легкость и расслабленность. Конечно, в джазовых произведениях, как и в классических, есть свои правила, однако, благодаря синкопированному мелодизму и особому ритму, который называется свинг (от англ. «качание»), и возникает такое необычайное ощущение свободы. Что еще важно для этого направления? Конечно же бит, то есть регулярная пульсация. Популярные джазовые композиции «What’d I Say». Эта замечательная композиция американского исполнителя Рэя Чарльза, записанная в 1959 году, покорила миллионы людей. Песня появилась случайно во время концертного выступления как импровизация, которой нужно было заполнить неожиданно образовавшуюся паузу, а в результате стала родоначальницей нового стиля джазовой музыки, получившего название соул: Рэй Чарльз «What’d I Say» «Hello, Dolly!». Песня создана в 1963 году композитором Джерри Херманом для мюзикла с одноименным названием, а мировую известность получила после ее исполнения знаменитым джазменом Луи Армстронгом. Композиция была удостоена премии «Грэмми» и признана джазовым стандартом: «Hello, Dolly!» Исп. Луи Армстронг «New York, New York». Данная композиция является визитной карточкой выдающегося американского певца Фрэнка Синатры. Песня, написанная композитором Джоном Кандером и поэтом Фредом Эббом, впервые была исполнена Лайзой Миннелли в 1977 году в одноименном фильме. Через два года композиция с небольшими изменениями была записана Фрэнком Синатрой и стала по-настоящему культовой: «New York, New York» Исп. Фрэнк Синатра «Chattanooga Choo Choo». Песня, сочиненная поэтом Маком Гордоном и композитором Гарри Уорреном, впервые была записана джаз-оркестром Гленна Миллера в мае 1941 года. Прозвучавшая в том же году в фильме «Серенада Солнечной долины», она сразу заняла высшую строчку хит-парадов США, а вскоре пластинка с композицией стала первым «золотым диском» в истории грамзаписи, так как ее продажи значительно превысили миллион экземпляров: «Chattanooga Choo Choo» Исп. джаз-оркестр Гленна Миллера «Caravan». Одна из самых известных композиций, написанная Дюком Эллингтоном в творческом тандеме с Хуаном Тизолом в 1936 году, признана джазовым стандартом. Популярность пьесы среди музыкантов настолько велика, что в нынешнее время сложно перечислить все кавер-версии и аранжировки, сделанные неравнодушными к ней джазменами: «Caravan» Исп. Дюк Эллингтон История джаза Я считаю, что джаз - это один из величайших музыкальных языков. Возможно, это самое лучшее, что изобрела Америка. Вангелис, греческий композитор Хорошо известно, что зарождение джаза, как музыкального течения, произошло в Соединенных Штатах в конце XIX века, однако необходимо отметить, что его истоки следует искать далеко от Америки - на африканском континенте. А началось все с открытия Колумбом нового материка, на который в начале XVII века британцы стали завозить чернокожих невольников. Привезенные рабы, будучи выходцами из разных племенных сообществ, поначалу не понимали друг друга. Чтобы выжить в совершенно новых условиях, им приходилось не только находить пути общения, но и создавать единую культуру, в том числе и музыкальную, которая основывалась на ритмах и мотивах родной Африки. Изможденные тяжкой работой и терпящие жестокое обращение белых господ, невольники в часы отдыха изначально утешали себя этническими ритуальными песнями, с характерными для них сложными ритмами. Поскольку у афроамериканцев не было музыкальных инструментов, их пение всегда сопровождалось своеобразными танцевальными прихлопываниями и притоптываниями. Со временем подневольные переселенцы стали приспосабливаться к новым условиям. В их жизни появились другие напевы, которые формировались под влиянием культуры белых хозяев, например, такие, как спиричуэлс: наполненные импровизацией, весьма эмоциональные духовные песнопения, или филд-холлер: песни-переклички, напеваемые рабами во время работ на плантациях. После гражданской войны 1861–1865 годов в США отменили рабство, но такие перемены не облегчили жизнь темнокожего населения страны. Афроамериканцам в поисках заработка приходилось слоняться из города в город. По дорогам страны стали колесить минстрел-шоу с чернокожими музыкантами, которые веселили случайно собравшуюся публику песнями и танцами, например, такими, как кейкуок, впоследствии явившимся предшественником регтайма, одного из важнейших источников джаза. Примерно в то же время, как отражение горестной жизни темнокожих граждан Америки, зародился блюз – песни одиночества и отчаяния, явившиеся еще одной первостепенной составляющей джазовой музыки. Так длительное взаимодействие африканской музыкальной культуры, которая отличалась импровизационностью, пластикой и ритмичностью, а также американской народной музыки белых переселенцев с присущей ей гармонией и мелодичностью, привело к возникновению в самом конце XIX столетия совершенно нового музыкального направления, в дальнейшем получившего название «джаз». Колыбелью джазовой музыки принято считать Новый Орлеан. Именно в этом южноамериканском городе в самом начале двадцатого столетия диковинный околоэтнический стиль стал значительно преобразовываться. Основоположниками новоорлеанского джаза, который впоследствии получил название «традиционный», а также «диксиленд», были Джелли Ролл Мортон, Бадди Болден и Кид Ори. Благодаря творчеству этих музыкантов «синкопированная музыка» стала стремительно набирать популярность и активно распространяться по стране. Небольшие ансамбли темнокожих музыкантов - первые джаз-бэнды, поначалу выступавшие в ресторанах Нового Орлеана, в поисках лучшего заработка начали гастролировать по разным городам. Так 1917 год ознаменовался началом нового этапа развития джаза, но уже в Чикаго. Там стали деятельно создаваться джазовые оркестры, которые исполняли композиции, отличавшиеся не только усложненными аранжировками, но и особыми исполнительскими приемами. Яркими представителями «чикагского джаза» являются Джо Кинг Оливер, Кэррол Диккерсон и несравненный Луи Армстронг. «Есть два вида музыки: хорошая и плохая. Я играю хорошую». Луи Армстронг, американский джазовый трубач, вокалист и руководитель ансамбля В это же время, в 20-х годах XX века, с появлением блюзовых ансамблей завершилось формирование классического блюза. В этом виде музыки утвердились характерные особенности, унаследованные от музыкальной культуры афроамериканцев, и четко определилась 12-тактовая форма и гармоническое сопровождение. В этот период блюз постепенно выходит из африканских гетто и переходит в форму шоу-бизнеса. В 1920 году произошло знаковое событие - Мэми Смит записала на грампластинку свой «Crazy Blues» и, ко всеобщему удивлению, пластинка получила небывалый коммерческий успех. Фирмы грамзаписи, почуяв прибыль, набросились на новую музыку. Начался блюзовый бум: «Crazy Blues» Исп. Мэми Смит Развитие джаза Процесс развития и видоизменения джазовой музыки с каждым годом проходил все интенсивнее. Например, в Нью-Йорке джазовый скрипач Пол Уайтмен в 1920 году сформировал большой оркестр и к джазовой музыке подошел по-особенному. Он явился зачинателем нового стиля, который сам же назвал «симфоджазом». Именно Уайтмен заказал Джорджу Гершвину знаменитую «Рапсодию в стиле блюз» - произведение, совершившее революцию в музыкальном мире. Следующий этап развития джаза связан с появлением больших джаз-оркестров - биг-бэндов, которые могли исполнять различные танцевальные мелодии. Они практиковали совершенно новый стиль, в котором явно чувствовались отклонения от ритмического рисунка, а яркая сольная импровизация накладывалась на замысловатый аккомпанемент. Такая разновидность оркестровой джазовой музыки получила название «свинг». Наибольшей популярностью в середине двадцатых, а также в тридцатых годах пользовались джаз-оркестры под управлением Дюка Эллингтона, Флетчера Хендерсона, Гленна Миллера, Бенни Гудмена, Каунта Бэйси. Конечно же, такой отход свинга от черт, присущих раннему джазу, от национальных мелодий, вызвал недовольство у некоторых знатоков джазовой музыки. Именно поэтому биг-бэндам и исполнителям свинга начинает противопоставляться игра небольших ансамблей, в которые входили только чернокожие музыканты. Таким образом, в 1940-е возникает новый стиль бибоп, ярко выделяющийся среди других направлений джазовой музыки. Ему были присущи невероятно быстрые мелодии, долгая импровизация, сложнейшие ритмические рисунки. Среди исполнителей этого стиля выделяются фигуры Чарли Паркера и Диззи Гиллеспи: «Бибоп» Исп. Диззи Гиллеспи Начиная с 1950 года джаз развивается по двум разным направлениям. С одной стороны, приверженцы классического джаза решили вернуться к традиционной музыке и, отодвинув в сторону бибоп, создали кул-джаз, который отличался эмоциональной сдержанностью. С другой стороны, вторая линия продолжила развивать бибоп. На этой основе возник хард-боп, возвращающий традиционные фольклорные интонации, четкий ритмический рисунок и импровизацию. Этот стиль развивался совместно с такими направлениями, как соул-джаз и модальный джаз. Они плотнее всего приблизили музыку к блюзу. В 1960-е проводятся различные эксперименты и поиск новых форм. В результате появляется джаз-рок и джаз-поп, совмещающие два разных направления, а также фри-джаз, в котором исполнители вовсе отказываются от регуляции ритмического рисунка и тона. Среди музыкантов этого времени прославились Орнетт Коулман, Уэйн Шортер, Пат Метэни. В последующие годы джаз продолжал свое интенсивное развитие. Возникли новые стили, среди которых смуз-джаз, эйсид-джаз, джаз-фанк, ню-джаз, дарк-джаз. В результате на сегодняшний день в джазе насчитывается более сорока самых разнообразных стилевых ответвлений... Джаз в молодом Советском государстве Первое знакомство с джазовой музыкой в Советской России произошло 1 октября 1922 года, когда театральный деятель Валентин Парнах, вернувшись из Парижа, организовал выступление сформированного им «Первого в РСФСР эксцентрического джаз-банда». Этот день называют «днем рождения отечественного джаза». В. Парнах — это знаменитый российский поэт и переводчик, музыкант, танцор, хореограф. Основатель парижской литературной группы «Палата поэтов», которого заслуженно называют «пионером советского джаза». Его коллектив просуществовал недолго, но на смену ему пришли большие оркестры Александра Цфасмана и Леопольда Теплицкого. Исполняемые ими концертные программы в основном состояли из модных танцев, таких как фокстрот и чарльстон, а также джазовых переложений произведений композиторов-классиков и эстрадных композиций современных зарубежных авторов. Поскольку популярность таких коллективов в СССР быстро набирала обороты, то в следующие годы были созданы еще несколько больших джазовых оркестров, среди которых «ТЕА-джаз» Леонида Утесова, «Ленинградская джаз-капелла» Георгия Ландсберга и Бориса Крупышева. Немного позднее сформированы оркестры Якова Скоморовского, Александра Варламова, а в 1938 году Государственный джаз-оркестр СССР под руководством Матвея Блантера и Виктора Кнушевицкого. Начало украинского джаза также можно датировать довольно точно. Первый джазовый бэнд в Украине собрал харьковчанин Юлий Мейтус, в дальнейшем известный композитор, а первый его концерт состоялся в Харькове 29 октября 1925 года. В 30-х годах многие джазовые оркестры появляются почти во всех крупных городах Украины: Киеве, Львове, Одессе, Харькове, Днепропетровске. Они играли в кино и драматических театрах, домах культуры, гостиницах, ресторанах. История сохранила немало имен, но, к сожалению, немного записей. Счастливое исключение составляют «Ябцьо-джаз» - популярная джазовая капелла Леонида Яблонского, и «Теа-джаз» польского композитора Генрика Варса. Солисткой обоих этих львовских коллективов была блистательная джаз-дива Ирена Яросевич. Ирена Рената Андерс (урожденная Яросевич) - это известная украинская и польская эстрадная артистка, певица ревю, киноактриса. Ее сценический псевдоним — Рената Богданська. Певица была дочерью капеллана украинской галицкой армии Н. Яросевича и Елены Нижанковской, сестры известного украинского композитора Остапа Нижанковского. Ирена могла бы стать Первой леди украинского джаза, однако судьба распорядилась иначе и сделала ее одним из символов послевоенной Польши и королевой польского джаза. «Первый знак» (муз. Г. Варс) Исп. Львовский Теа-джаз и Рената Богданська Следует отметить, что также были родом из Украины выдающиеся джазовые музыканты Л. Утесов, А. Цфасман, Л. Теплицкий, Я. Скоморовский, переехавшие в Россию, где и сложилась их музыкальная карьера... Джаз-оркестр СССР В СССР джаз то запрещали, то разрешали. Максим Горький назвал его в 1928 году «музыкой толстых», «оркестром безумных, которые сошли с ума на сексуальной почве, а дирижирует ими какой-то человек-жеребец, размахивая огромным фаллосом». В конце сороковых годов, в эпоху борьбы с космополитизмом, джазовая музыка также подверглась гонениям: джазовые оркестры были переименованы в эстрадно-симфонические, а настоящие джазмены ушли «в подполье». В Советском Союзе восьмилетний период, начавшийся в 1948 году, вошел в отечественную историю под названием «эпоха разгибания саксофонов». В результате постановления ВКПб от 10 февраля саксофон и джаз как враждебные элементы попали в опалу. Весьма расхожими стали фразы: «От саксофона до ножа – один шаг», «Сегодня он играет джаз, а завтра Родину продаст!». Тех, кто слушал джаз, приравнивали к диверсантам, подрывающим культуру. Но все это не мешало появляться в стране джаз-оркестрам. К тому же в СССР нередко наведывались джаз-банды из дружественных стран - например, польский джаз-банд Владислава Даниловского. С наступлением «хрущевской оттепели» гонения на музыкантов были ослаблены, и лишь Московский фестиваль молодежи и студентов (1957) дал старт возрождению настоящей джазовой музыки в СССР, которая затем с успехом вышла на международную арену в лице таких выдающихся музыкантов, как Игорь Бриль, Леонид Чижик, Виктор Фридман, Алексей Козлов, Николай Левиновский, Геннадий Гольштейн, Давид Голощекин... В послевоенные годы, до начала 1960-х, в украинском джазе продолжается период свинга. В 1962 году был создан джаз-оркестр «Днепр» под управлением Игоря Петренко (позже - Гиви Гачечиладзе). В 1965 году он выпустил пластинку, на которой было записано три композиции: «Фантазия» на темы песен И. Шамо и два произведения американских джазменов Джулиана Эдерле и Куинси Джонса. Этот миньон фактически можно считать первой пластинкой украинских джазовых музыкантов: Джаз-оркестр «Днепр» под упр. Г. Гачечиладзе (1965) В том же 1962 году произошло еще одно важное событие - основание Киевского джазового клуба, первого в Украине. Главная заслуга в этом принадлежала композитору и музыковеду, джазовому пианисту Владимиру Симоненко, автору первой книги о джазе в Украине. В течение следующих десятилетий джазовые клубы появились во многих других городах. Знаменательным событием в истории украинского джаза стал первый джазовый фестиваль «Джем-сешн», который состоялся в Киеве в 1967 году. Фестивальную эстафету Киева также подхватили другие украинские города... Занимательная деталь. В 1983 году на экраны страны вышел советский комедийный музыкальный художественный фильм «Мы из джаза», поставленный на киностудии «Мосфильм» режиссером Кареном Шахназаровым. Действие происходит в 1926 году в Одессе. Фильм повествует о нелегком пути становления советского джаза: Фрагмент фильма «Мы из джаза» Интересные факты о джазе 🎷 Первая запись с джазовой музыкой была сделана в Нью-Йорке в 1917 году, однако не афроамериканскими, а белыми музыкантами. Пластинка «Original Dixieland Jazz Band» с композициями новоорлеанского джаза стремительно набрала большую популярность. 🎷 Происхождение термина «джаз» до сих пор не установлено, но вариантов очень много. По одной из версий, он происходит от французского слова, которое переводится как болтовня, по другой - от английского слова, обозначающего преследование. На одном из африканских наречий похожим словом называли звучание барабанов, однако существуют предположения, что чернокожие невольники применяли его, как одобрительный выкрик. Еще, согласно одной из версий, слово «jazz» имело самостоятельную природу и произошло от сленга белых американцев, которые имели в виду «духовный подъем» и «энергичность». 🎷 Джаз был настолько популярен в двадцатых годах прошлого столетия, что историки часто называют этот период эпохой джаза, а ее королем Пола Уайтмена. Пол Уайтмен - это американский бэнд-лидер, джазовый скрипач. Во время Первой мировой войны в 1917—18 годах руководил большим военно-морским оркестром. В 1918 году Уайтмен, всегда интересовавшийся популярной музыкой, собрал в Калифорнии свой первый танцевальный оркестр. 🎷 Типичными джазовыми инструментами являются барабаны, гитара, фортепиано, саксофон, труба, кларнет, тромбон и контрабас: Почему слушатели называют джаз сложным для восприятия? Говоря о «сложном» джазе, люди чаще всего имеют в виду виртуозные импровизации, где звуки словно наслаиваются друг на друга и звучат хаотично. Такая музыка может вызвать непонимание у неподготовленного человека. Поклонники джаза говорят, что его нужно учиться слушать, как нужно учиться понимать картины Кандинского или Пикассо. Джаз – это не набор звуков, он имеет собственную мелодику и ритм. Но они не похожи на то, что мы привыкли слышать. Мозг человека устроен так, что лучше воспринимает привычную, шаблонную информацию. Поэтому ему сложно приспособиться к незнакомому и непонятному звучанию джазовой импровизации. Большинство современной музыки создается по одному и тому же стандарту. Например: · четыре основные ноты, используемые в различных комбинациях; · ритм 120 bpm, соответствующий биению человеческого сердца под легкой нагрузкой; · четкий ритм (звук ударных на каждую долю); · продолжительность 3–4 минуты; · отсутствие долгих проигрышей или импровизаций. Джазовая музыка нарушает эти неписаные правила. Импровизации на первых джазовых концертах могли длиться часами, при этом музыкант использовал все богатство доступного ему звучания. Кроме того, не все джазовые стили сложны. Например, свинг, популярный в середине XX века, – это танцевальная музыка. Ее не нужно осмысливать, под нее нужно двигаться: Каунт Бэйси «One O'clock Jump» Современный контемпорари-джаз тоже ближе к танцевальной и поп-музыке. Это сочетание мягкого smooth jazz, изысканного jazz-funk, ритмичного R&B и привычной нам попсы. Он становится ближе к популярным жанрам, подчиняется стандартам и рассчитан на широкий круг слушателей. Контемпорари-джаз часто используется в магазинах, торговых центрах, ресторанах как музыкальный фон: Однако и «сложный» джаз не теряет своей популярности. Возможно, в первый раз он покажется непонятным, однако немного терпения – и он станет простым и близким. Джаз – это чистая экспрессия, чувства, выраженные музыкой, которые найдут отклик в душе каждого... «Если джаз открыл тебе свою душу - ты король; если нет, то будь добр, закрой дверь с другой стороны». Автор неизвестен Джазовая импровизация Исп. Паскаль Винц ________________________ При подготовке статьи использованы следующие работы: 1. Что такое джаз, история джаза [Электронный ресурс] //Soundtimes.ru. - Режим доступа: https://soundtimes.ru/o-dzhaze/chto-takoe-dzhaz 2. О. Юдін. Джазові виконавці України: історія ХХ століття [Электронный ресурс] //«OFR.FM». - 2018. - 19 октября. - Режим доступа: https://ofr.fm/dzhazovi-vikonavtsi-ukrayini-istoriya-hh-stolittya/ 3. Почему люди не любят джаз [Электронный ресурс] //StP: звук и тишина. - 2019. - 10 сентября. - Режим доступа: https://zen.yandex.ru/media/id/5d3ed3f944742600aeefd918/pochemu-liudi-ne-liubiat-djaz-5d778d3297b5d400ae75d7d6

Во второй половине ХХ века технический прогресс позволил качественно изучить воздействие рекламы на потенциального клиента. Психологи и маркетологи обнаружили, что именно звук оказывается одним из самых эффективных инструментов для манипулирования нашим покупательским настроением: на слух мы запоминаем 70% информации, и человека гораздо легче убедить в преимуществах товара, рассказав о них устно. Создатели рекламы, зная о субъективности восприятия, разделили общество на целевые группы, подбирая звуковой фон для каждой из них. Например, по законам аудиорекламы, мелодии, звучащие в торговых центрах в разное время суток, отличаются по характеру: в первой половине дня магазин чаще посещают пенсионеры и домохозяйки, на которых лучше воздействует спокойная музыка, ближе к вечеру залы наполняют рабочий класс, студенты и офисные работники, для которых современная и ритмичная музыка оказывается более эффективной. Наша эмоциональная память является наиболее долгосрочной, и поэтому маркетологи манипулируют нашим настроением. Например, в начале телевизионных роликов могут звучать тревожные и угнетающие звуки, постепенно переходящие в радостные и легкие. Такой прием часто используют при рекламе лекарств, создавая в нашем подсознании ассоциативный ряд «данный товар - спасение от мучений». Иногда создатели рекламы используют инфразвуки (колебательные процессы с частотами ниже 20 Гц). Несмотря на то что мы не способны их услышать, они оказывают существенное влияние на психологическое состояние человека: вызывают чувство тревоги, паники, ужаса и подсознательно ассоциируются с трагедиями, так как все природные катастрофы сопровождаются инфразвуковыми волнами... Безусловно, сферы, эксплуатирующие музыку, не ограничиваются рекламой. В древности различными мелодиями лечили психические заболевания, а сегодня их нередко используют для достижения гипнотического эффекта. Маркетологи, работающие с транзитной рекламой, способны контролировать контингент и поведение пользователей общественного транспорта. Так, было замечено, что в Лондонском метро использование музыки Баха помогло избавиться от всевозможных асоциальных личностей (хулиганов и наркоманов), которые до этого частенько портили оборудование и делали метро опасным местом для нормальных пассажиров. Также интересный психологический эксперимент был проведен в 2018 году учеными из Швеции и США в одном из кафе Стокгольма. Они выяснили, что громкая музыка заставляет посетителей выбирать более вредную пищу. Чем громче было звуковое сопровождение, тем больше людей выбирали высококалорийные и относительно вредные блюда — сладости и красное мясо. Работа была опубликована в журнале Journal of the Academy of Marketing Science. Ученые опросили работников кафе о том, какой уровень громкости фоновой музыки они считают наиболее приемлемым. Выяснилось, что комфортный диапазон находится между громкостью в 50 и 75 дБ: первый показатель примерно равен громкости разговорной речи, второй — максимальному шуму стиральной машины. В течение недели ученые провели два опыта: в среду в кафе проигрывали фоновую музыку на громкости в 55 дБ, в пятницу — 70 дБ. При этом работники кафе включали один и тот же плейлист из поп-песен, джаза и блюза. Все блюда меню ученые разделили на полезные (салаты и сэндвичи с курицей), вредные (сэндвичи с красным мясом и пирожные) и нейтральные (чай и кофе без добавок). В «тихий» день полезные блюда выбрали 32% посетителей, а вредные — 42%, нейтральные напитки заказали 26%. На протяжении «громкого» дня полезную еду заказывали 25% людей, вредную выбрали 52%, а напитками ограничились 23%. Затем ученые провели лабораторный психологический эксперимент, перед которым двум группам участников включали классическую музыку на громкости 50 и 70 дБ, а третья (контрольная) группа ожидала начала опыта в тишине. Добровольцы прошли «отвлекающий» опрос о своей учебе, затем их спросили, какое блюдо они бы хотели съесть прямо сейчас — фруктовый салат или кусок шоколадного торта. В группе, которая слушала тихую музыку, фрукты выбрали 86%, а в «громкой» группе — лишь 56%. Интересно, что люди, которые ждали эксперимента в тишине, разделились примерно поровну. Авторы работы считают, что тихая фоновая музыка воздействует расслабляюще, помогая выбирать более здоровую пищу... Таким образом, зная о намеренной эксплуатации звуков и музыки, мы можем повысить осознанность и сопротивляемость маркетинговым уловкам, защитив себя от импульсивного потребления. Bossa Nova. Легкий джаз для кафе и ресторанов ___________________ При подготовке статьи использованы следующие работы: Бернадская Ю. С. Звук в рекламе. Учебное пособие для студентов вузов, обучающихся по специальности 032401 (350700) «Реклама». - М.: Юнити-Дана, 2007. - 135 с. - (Азбука рекламы).

Немного об архаичной модели музыкального восприятия. Итак, что же это такое? В ходе научных исследований выяснилось, что для слушателей музыки переход в дальнюю тональность чувствуется как более холодный и темный по сравнению с путешествиями в близкие тональности. Самое же главное, мимолетные ощущения тепла и света оказались неразделимыми с ощущением напряжения - главного признака тонального силового поля. Результаты опыта свидетельствуют о том, что, слушая музыку, мы подсознательно подчиняемся диктату тональной гравитации, и чем дальше конечный тональный центр от начального, тем больше воспринимаемое напряжение и тем темнее и холоднее наши ощущения от перехода в далекую тональность. Чтобы понимать иностранную речь или восхищаться изящным доказательством математической теоремы, необходимо обладать специальными знаниями. Для понимания музыки дело обстоит по-другому. Ее щедрая доступность определяется самой природой тональной материи, в интуитивном характере ее восприятия. На сегодняшний день научные знания о том, что же делает музыку языком эмоций, довольно ограничены. Но одно совершенно ясно - игра с музыкальными звуками создает особого рода послания, использующие древние, примитивные дорожки передачи информации, и эти послания способны пробуждать сложные чувства. Найденная опытным путем чуткость "немузыкантов" к тонким деталям тональных отношений и к музыкальным стилям говорит о высоком уровне врожденной, "природной", музыкальной экспертизы у слушателей без музыкального образования. Признание важности интуиции в восприятии музыки и результаты теоретических и эмпирических исследований стали основанием для архаичной модели эмоционального восприятия музыки. Архаичная модель предполагает, что воспринимаемое напряжение имитирует самые простые и обычные реакции живых организмов на окружающую среду: эти простейшие реакции являют собой напряжение (диссонанс) и расслабление (консонанс). Ощущение воспринимаемого напряжения в музыке воздействует напрямую на "древние" слои нашей нейробиологии, а именно на "прото-сам", расположенный в среднем мозге, где происходит интеграция наших первичных реакций на внешнюю и внутреннюю среду. Художественная игра с этими простейшими ощущениями посредством музыкальных звуков, расположенных вдоль стрелы времени, ведет к изменению психологического состояния. Музыка сплетается из мелодического и гармонического движения по разным участкам тонального поля, из мимолетных ощущений напряжения и спада, тепла и холода, яркости и сумрачности. Исследователям предстоит долгий путь, чтобы понять, каким образом музыка способна дать слушателям богатство эстетического и эмоционального переживания. Вполне вероятно, что изучение музыкального восприятия поможет понять процессы человеческого сознания...

Звуковые волны могут делать невероятные вещи, имеющие практическое применение в науке, искусстве и медицине. В этой подборке вы найдете список из десяти таких вещей. 1. Уничтожить звук Компания «Орфилд Лэбс» в Миннеаполисе построила самую тихую комнату в мире, ее используют для тестирования низких шумов (гула лампочки, например). Стены полностью звукопоглощающие, а уровень звука составляет 9 децибел - это настолько тихо, что вы можете услышать звуки работы собственных внутренних органов. Такая сенсорная депривация обостряет все чувства, вызывая тем самым странные ощущения в теле и мозгу. Пробыв долгое время в такой комнате вы рискуете обзавестись шизофренией или такими странными способностями, как возможность ощутить цвет на вкус. Человек сможет выдержать там не более 45-ти минут, после этого начинаются галлюцинации. 2. Спрятаться от звука Вы замечали, что гуляя по лесу в разное время, например, днем и вечером, вы слышите звук немного по-разному? Если днем все шумы словно сливаются воедино, то посреди ночи каждый шорох звучит будто выстрел. Это явление имеет место, когда звуковые волны меняют направление (преломляются) из-за колебаний температуры во время суточного цикла. В течение дня они уходят вверх, где температура воздуха ниже и, в основном, распространяются над вашей головой, что создает зону «акустической тени». Эффект активно используются моряками в океане - чтобы скрыться от звуковых колебаний, они прячутся в зоне акустической тени от сонаров врага. 3. Вооружиться звуком Люди способны превратить в оружие практически все, даже звук. «The Long Range Acoustic Device» - устройство, которое используется именно для этих целей. Оно выглядит, как затемненный прожектор, который выстреливает «лучом» звука громкостью около 150 децибел на расстояние в десятки метров. Звуковое оружие можно использовать для подавления бунтов и беспорядков: устройство может вызывать сильную боль и наносить ущерб здоровью. Звуковые пушки уже используются на европейских суднах для отпугивания сомалийских пиратов. 4. Звук как искусство Звуковые волны можно сделать видимыми, это явление носит название «киматика». Допустим, если бы вы увидели воздействие звука на емкость с песком, песок бы шевелился и создавал различные фигуры. Первым, кто обнаружил это, стал Галилей в 1632-м году. Он заметил, что если провести по тарелке с частичками мелкого вещества резаком, они приобретут форму параллельных линий из-за скрежета. 5. Звук-убийца Теоретически, человека можно убить звуковым давлением, но выглядит это не так, как вы себе представляете. То, что обычно следует за сильным взрывом, называется сверхдавление - это громадное повышение атмосферного давления. Некоторые взрывы могут вызывать невероятно сильный шум, который, однако, нельзя услышать, потому что барабанные перепонки лопнут на отметке в 160 децибел. А вот 200 децибел будет достаточно, чтобы разорвать легкие и вызвать внутренние повреждения. Во времена Первой мировой войны такая смерть вызывала множество вопросов: из-за отсутствия на теле человека видимых повреждений никто не мог понять, от чего он погиб. Поэтому, когда вы видите в фильме сцену того, как герой, отброшенный взрывом, легко поднимается и идет по своим делам - это полная ерунда. В реальной жизни он был бы мертв и глух. 6. Звук помогает бороться с преступностью Бизнесмены и представители властей некоторых городов США решили включать классическую музыку в метро в районах с высоким уровнем преступности. Оказывается, классикой можно разогнать агрессивных тинейджеров и хулиганов из общественных мест - ее звуки кажутся им неприятными, вызывают дискомфорт и заставляют уйти в поисках места потише. Например, в Лондоне с 2003-го года в течение полутора лет в метро включали классическую музыку. За это время случаи вандализма и грабежей снизились на треть. 7. Превратить звук в лазер Лазер выпускает очень узкий луч света, способный перемещаться даже в вакууме, в отличие от звуковых волн, требующих среду-посредника. Использование такой методики на первый взгляд может показаться неэффективным. Тем не менее, японцы в 2010-м году создали звуковое устройство, способное излучать звуковой луч, под названием «фазер». Его частота составила 170 килогерц, а это в восемь раз превосходит порог человеческого восприятия. Лазер применяется в медицинских целях. 8. Звук лечит Устройство «HIFU Transducer» сосредоточивает акустическую энергию и выделяет огромное количество тепла, это явление можно сравнить с увеличительным стеклом, пропускающим солнечный свет. Профессор хирургии университета Вашингтон заявил: «С помощью этого устройства вы можете делать все то же самое, что и с помощью ультразвука». Например, устройство способно «запечатать» проколотое свиное легкое за две минуты. Это огромный шаг в неинвазивной хирургии. 9. Возвратить в звуковое прошлое Одной из самых интересных областей науки является археоакустика - использование звука в археологии. Например, каждая комната вашего дома имеет собственное звучание, зависящее от наличия аксессуаров, мебели и других предметов. Ученые университета Салфолд из Великобритании решили узнать, как звучит Стоунхэндж. Записав отраженные от Стоунхенджа звуковые волны, а потом построив компьютерную модель, исследователи выяснили, что каменные статуи являются отражающим пространством, похожим на лекционный зал. 10. Звук как компас Известно, что летучие мыши и птицы ориентируются в пространстве посредством звуковых волн, но до недавнего прошлого ученые не могли выяснить, как именно птицы на огромном расстоянии находят путь домой. В 1997-м году геофизик Джонатан Хастрам обнаружил, что около 60-ти тысяч голубей заблудились во время миграции в Англию из Франции - путь им пересек низкочастотный звук от самолета. Неслышимый для человеческого уха, он сильно нарушил работу внутреннего компаса птиц. Хастрам понял, что птицы создают своеобразные «звуковые карты» для навигации, однако, объекты, возведенные человеком, или изменение им ландшафта могут сильно запутать птиц. Источник

Блюз – самая аполитичная музыка, какую только можно себе представить. Потому что в блюзе совершенно отсутствует такое понятие, как "мы". Неспроста в сталинские времена блюз, как и джаз, были запрещены как музыка "анархистов". Образы блюза взывают к индивидууму, к его "я", Душе – в противовес популярной массовой музыке, истинное назначение которой - обезличивание масс. Ведь в таком случае нерассуждающей толпой проще манипулировать. Когда вы слушаете блюзового музыканта, все будет без подделок и фальши – на сцене только он сам и его импровизация. Возможно, именно поэтому блюз - это искусство неординарных ярких одиночек. Существует известное и достаточно содержательное выражение американского блюзового певца и гитариста Джона Кэмпбелла о том, что блюз - это путь, на котором человек решается предстать один на один перед миром, выводя, сквозь пульсирующий ритм и тревожные диссонансы, тропой из темноты на свет свое вдохновение, свою собственную боль, размышления и ощущения. Наверное, именно поэтому блюз играют тогда, когда, как говорят, не могут не играть, поражая нас своей неповторимой самобытностью и рассказывая о том, что, вопреки всевозможным испытаниям, главное - это оставаться самим собой. В принципе, блюз – это и есть Жизнь. Сколько бы раз не исполнялась музыка - каждое ее исполнение есть первый - и единственный - вариант. Жизнь – так же, как и блюз – это нескончаемая личная импровизация, происходящая в режиме он-лайн… Боз Скэггс "Loan Me a Dime"

Стоял рояль на сцене и дрожал, И бились в нем безумные аккорды. И вдохновенно зал рукоплескал Его величью и осанке гордой. И звуки клавиш улетали вдаль И разлетались по большому залу. И замер зал, когда играл рояль, А руки музыканта вверх взлетали... Б. Пастернак Рояль по праву называют королем музыкальных инструментов. И не только потому, что само его название переводится с французского как "королевский". Мы любим его за богатство и насыщенность тембра, за широкий диапазон звуковых градаций и чувствительную, пластичную клавиатуру, за виртуозность игровых качеств, за выразительность и щедрость в воплощении человеческих эмоций… Своим рождением рояль обязан беспокойному уму итальянца Бартоломео Кристофори (1655–1731), который служил придворным клавесинным мастером у герцога Фердинандо Медичи. Его занимали мысли как бы разнообразить звучание клавесина, и он додумался до новой системы звукоизвлечения. Смысл ее в том, чтобы не щипать струны, без возможности передачи динамических оттенков звука (тише-громче), а бить по ним мягкими молоточками, что дает возможность варьировать громкость звука. Наблюдая за игрой уличных цимбалистов, Кристофори заметил, что, ударяя колотушками по струнам, эти музыканты добиваются особой выразительности звука. И тогда мастер переделал конструкцию клавесина таким образом, что стало возможным при игре изменять силу звучания. В 1709 году Бартоломео Кристофори на приеме во дворце Палаццо Питти во Флоренции впервые представил рояль крыловидной формы. Новый инструмент мастер назвал Gravicembalo con piano e forte - "Большой клавесин с тихим и громким звучанием". Первый инструмент Кристофори не сохранился, однако несколько его более поздних сородичей 1720-х годов хранятся в музеях Италии и США. До конца XVIII века фортепиано подвергалось постоянным усовершенствованиям, что к началу XIX века поставило его вне конкуренции с клавесином и клавикордом. С 1850-х годов начинается фабричное производство в Европе (особенно бурно в Германии), Америке и России. Рояль становится "властелином" музыкальных инструментов. К началу XX века он приобретает современную форму: деревянный корпус, цельнолитую панцирную чугунную раму, механизм двойной репетиции. По качеству, совершенству конструкции, красоте звука, игровым свойствам и надежности рояли подразделяются на различные классы. Одним из самых известных и популярных современных производителей фортепиано, выпускающих элитные инструменты премиум-класса, является компания Steinway & Sons (с 1853 года - Нью-Йорк, США; с 1880 года - Гамбург, Германия). Рояли Steinway & Sons называют легендой и верхом совершенства в мире музыкальных инструментов. С 1853 года они считаются символом высочайшего ручного искусства, бескомпромиссного качества, эстетики и выразительности. Их ни с чем не сравнимое звучание и ощущение единения с роялем во время игры – это основные причины, почему 9 из 10-ти выступающих на концертах пианистов предпочитают выбирать Steinway & Sons, и почему этот рояль считается во всем мире алтарем музыкальной культуры в любом доме. Что значит рояль премиум-класса? Такой инструмент является совершенным по конструкции и изготавливается штучно в соответствии с технологией, эволюционировавшей несколько столетий. Также определяющим критерием является достаточно солидный объем производства на протяжении более века. Разница в ценах различных брендов класса премиум объясняется разной степенью агрессивности рыночного маркетинга и глобальной рекламы в течение многих десятилетий. Рояли других классов имеют упрощения конструкций и производятся по более быстрым и упрощенным технологиям — в целях удешевления и получения прибыли в различных сегментах рынка. У рояля Steinway & Sons немецкие музыкальные корни и богатая родословная. Его производитель пережил три кризиса, борьбу со своим конкурентом Yamaha и "позорную" продажу бизнеса. Компания, которой в 2023 году исполняется 170 лет, за свою историю получила больше 120-ти патентов (например, патент на чугунную раму рояля получен еще в 1885 году) и продала самый дорогой музыкальный инструмент в мире. В 1890 году компании удалось стать поставщиком двора английской королевы Виктории, а затем ее инструменты "пришлись ко двору" правящих семей Италии, Норвегии, Персии, Португалии, Румынии, Испании, Швеции и России. Итак, как все начиналось, по порядку… Генрих Энгельгард Штайнвег (1797–1871), краснодеревщик из города Зезен в Германии, еще в молодом возрасте заинтересовался музыкальными инструментами. Несмотря на отсутствие формального образования, в армии Штайнвег сделал цимбалы — старинный струнный инструмент, по форме похожий на гусли. После возвращения с фронта благодаря своему таланту он устроился в мастерскую по производству органов. История инструментов Steinway началась в 1836 году, когда Штайнвег на кухне собрал свое первое фортепиано. В том же году он основал фирму H. Steinweg Instrumentenmacher и начал небольшое производство инструментов. Эта фирма выпустила 482 рояля и пианино. В 1848 году в Германии произошла революция, а старшего сына Генриха, Карла, задержали за участие в беспорядках. Вскоре его отпустили, но родители, боясь преследования, посоветовали сыну уехать в Швейцарию, позже он переехал в Париж, а затем в Нью-Йорк. В 1850 году вслед за ним в США переехали остальные Штайнвеги. Звучит фортепиано H. Steinweg, изготовленное Г. Штайнвегом в г. Зезен в 1836 г. Спустя три года, в 1853-м, Генрих Штайнвег со своими сыновьями Карлом и Генрихом-младшим основал в Нью-Йорке компанию по производству роялей и фортепиано Steinway & Sons, инвестировав в нее $6000. Откуда у семьи эмигрантов появилась такая сумма, неизвестно: с продажи имущества в Германии они получили $780, а работая на местных производителей роялей Штайнвеги получали $6–7 в неделю. По словам биографа семьи, Штайнвеги скорее всего собрали деньги, неофициально продавая инструменты вскоре после прибытия в США. В то же время Генрих решил американизировать свое имя: так Штайнвеги стали Стейнвеями, а Генрих стал Генри. Через пару месяцев после регистрации бренда Steinway & Sons фирма продала свой первый рояль, а через год они производили уже по два инструмента в неделю. В 1855 году несколько инструментов Steinway & Sons выставили на Ярмарке Американского института. Фирма получила золотую медаль, которую Генрих активно использовал в рекламе, благодаря чему продажи удваивались ежегодно на протяжении трех лет. К концу 1857 года активы Steinway & Sons оценивались в $75 тысяч, 80 сотрудников компании собирали более 400 инструментов в год. В 1860 году бизнес Стейнвеев оценивался в $360 тысяч, производство инструментов за четыре года выросло почти на 700% — всего этого семья добилась без внешних инвестиций или ссуд. Генри Стейнвей был уверен, что общественное признание столь же важно для успеха, как и мастерство производителей. Для продвижения своих инструментов он использовал отзывы музыкантов и богатых меценатов. Как талантливый предприниматель, Стейнвей понимал, что для успешной продажи ему нужно создавать определенный образ и репутацию, и в 1866 году вложил $90 786 в концертный зал и, по совместительству, шоурум: Стейнвей-Холл. Он стал одним из самых престижных мест Нью-Йорка. В нем могли поместиться 2500 зрителей и симфонический оркестр из 100 музыкантов. В дни, когда в Стейнвей-Холле не проводились концерты, в зале выставлялись на продажу более 100 роялей. Строительство Стейнвей-Холла стало успешным маркетинговым ходом, и конкурирующие производители начали строить собственные концертные залы. У Генри Стейнвея было пятеро сыновей, которые в дальнейшем продолжили дело отца, продвигая марку Steinway & Sons по всему миру. Успехам бизнеса способствовал фортепианный "бум" в США после гражданской войны и отмены рабства. Американские буржуа-нувориши стремились приобрести статусные «немецкие» фортепиано. Цены на рояли в США за 1850—1860-е годы увеличились в несколько раз: c 300 до 2000 долларов. В 1867 году фирма первой из американских компаний была награждена Большой золотой медалью чести («За совершенство в создании»). Стейнвеи постоянно экспериментировали с новыми технологиями. При этом больше половины патентов фирма получила за первые 50 лет существования. Гор­достью ком­па­нии ста­ла и оста­ет­ся до сих пор мо­дель боль­шо­го концертного рояля: С 1875 го­да, ког­да Теодор Стейнвей (старший сын Генриха Стейнвея) по­лу­чил на не­го па­тент, тех­ни­ческие х­арак­те­ри­сти­ки это­го инст­ру­мен­та оста­лись неиз­мен­ны­ми. Он обя­за­тель­но име­ет 274 см в дли­ну и 157 см в ши­ри­ну. При раз­ра­бот­ке этой и ря­да дру­гих мо­де­лей исполь­зо­ва­лись но­вей­шие по тем вре­ме­нам ис­сле­до­ва­ния в об­ла­сти аку­сти­ки, ко­то­рые про­во­дил зна­ме­ни­тый фи­зик, врач и акустик Гер­ман Гельм­гольц. В 1880 году Стейнвеи открыли вторую фабрику — в Гамбурге. Во главе встал сын Теодор, оставшийся в Германии. Семья выбрала Гамбург не просто так: через местный порт отправляли грузы по всей Европе, а местные власти не брали комиссию за импорт материалов. Обе фабрики Steinway & Sons в Гамбурге и Нью-Йорке регулярно обменивались опытом и продолжают делать это по сей день. Четвертый сын Генриха — Уильям Стейнвей — изобрел ловкий маркетинговый ход: фирма финансировала гастроли и концерты известных пианистов; единственным условием было использование рояля Steinway & Sons. В 1870-х годах Уильям рекламировал рояли на концертах известных пианистов по всему миру. Компания сформировала свой "список артистов", которым давала на выбор любой инструмент для концерта, а те выступали как лицо бренда и получали $100. Одним из первых в список вошел пианист, композитор и основатель Санкт-Петербургской Консерватории Антон Рубинштейн в 1872 году. Таким образом, чтобы привлечь покупателей, Стейнвеи запустили программу "Steinway Artists". Кроме А. Рубинштейна в числе "бессмертных" - Игорь Стравинский, Сергей Рахманинов, Сергей Прокофьев, Владимир Горовиц. Ныне концертирующие пианисты – Владимир Ашкенази, Григорий Соколов, Евгений Кисин и многие другие. Среди украинских исполнителей – харьковский пианист Станислав Христенко, ныне проживающий в США. Число пианистов, титулованных престижным званием "Steinway Artists", с каждым годом растет за счет молодых талантов, успешно участвующих в конкурсах, фестивалях и концертах и желающих войти в столь почетный круг заслуженных исполнителей. Так как подобная стратегия привлечения выступающих музыкантов существует уже более 100 лет, это привело к господству Стейнвеев в концертных залах мира. На сегодняшний день в состав артистов Steinway входит более 2000 пианистов и композиторов со всего мира. Без них, как говорится, Steinway молчит. А вместе они творят ту восхитительную музыку, которая может звучать лишь на инструментах Steinway... Итак, на начало ХХ века в программе Steinway Artists участвовало 600 пианистов, а компания заняла место в нише дорогих инструментов для профессионалов. Дела шли хорошо: в 1911 году компания в Нью-Йорке продала 2444 инструмента, в Гамбурге — 2338, почти на 150% больше, чем в 1899 году. Через год фирма представила новую модель рояля — Model M. И уже в первый год продали 900 инструментов по цене $750 за штуку. Эта модель оставалась бестселлером Steinway & Sons на протяжении всего ХХ века. Первый кризис: 1910–1940-е годы В 1913 году прибыль фирмы составила около $500 тысяч. Но в Европе началась Первая мировая война. В 1914 году прибыль всей компании упала до $240 тысяч, фабрика в Гамбурге особенно пострадала, торговые связи между США и Германией были полностью разорваны. Несмотря на это, американская фабрика продолжала развиваться: в 1916 году прибыль выросла до $1,1 млн, за год компания произвела 6561 инструмент, самое большое количество за историю своего существования. Однако успех длился недолго. В 1917 году США тоже вступили в конфликт, объявив войну Германии. Среди американцев распространялись страх и недоверие к немцам, что сильно ударило по бизнесу Стейнвеев, прибыль упала больше, чем в два раза. Через год война закончилась, но в мире началась пандемия Испанской лихорадки, которая продлилась до 1920 года. Прибыль Steinway & Sons продолжила падать, в 1918 году компания заработала всего $128 тысяч чистой прибыли. В попытке реабилитироваться после кризиса в 1919 году компания запустила рекламную кампанию, в которой рояль позиционировался как "социальный символ", "инструмент для бессмертных". Реклама сработала: по словам казначея компании, она стала одной из самых удачных за 20 лет. Сами Стейнвеи тоже остались довольны: "Без сомнения, это была самая эффективная из всех рекламных кампаний, которые мы запускали, так как она не только сделала известными фортепиано и его создателей, но и помогла заложить фундамент широкой национальной культуры", — сказал Чарльз Стейнвей. Главная идея новой кампании заключалась в том, что рояль Steinway & Sons не покупали, в него инвестировали. Он позиционировался не как инструмент для музыкантов, а как символ статуса и предмет гордости. Интерес к компании снова начал расти, но в США наступила Великая Депрессия. Продажи роялей в 1930 году упали на 50% по сравнению с 1929 — Стейнвеи продали всего 2423 инструмента. Тогда Теодор Стейнвей принял рискованное решение: инвестировать почти $417 тысяч в новую рекламную кампанию. На постерах был изображен ребенок, играющий на рояле, а слоган обещал, что игра на инструменте вырабатывает характер, развивает лучшие качества и способствует популярности: Несмотря на амбициозный маркетинговый проект, Steinway & Sons не только не увеличила продажи, но и понесла убытки в размере $128 тысяч — впервые в своей истории. Продажи падали и из-за стоимости инструментов. В то время самое дешевое фортепиано Steinway & Sons стоило $875, а автомобиль Ford — $435, при этом машина лучше демонстрировала социальный статус, чем музыкальный инструмент. В 1931 году фабрику в Нью-Йорке пришлось закрыть и уволить больше тысячи рабочих. В том году компания теряла в среднем по $2000 в день, общие убытки составили $484 355. Через два года президент США Франклин Рузвельт объявил о начале программы восстановления экономики, и спустя несколько месяцев фабрика Steinway & Sons снова открылась, рабочие начали постепенно возвращаться к производству. В 1934 году компания, чтобы повысить продажи инструментов, снизила цены на продукцию, например, рояля Model D с $1700 до $1300, и урезала бюджет на рекламу. В 1935 году в попытке выбраться из кризиса Steinway начала работать над новой моделью рояля Model S. Она была меньше по размеру, чем концертный инструмент, но благодаря новой клавиатуре и средней цене в $885 в следующие годы стала бестселлером. В 1936 году Стейнвеи продали 3620 инструментов, впервые за пять лет компания вышла на прибыль — она составила $68,7 тысячи. Великая Депрессия частично сыграла на руку Стейнвеям. Их конкуренты, Chickering & Sons, Mason & Hamlin и Weber Piano Company, закрывались или объединялись между собой, а Стейнвеи смогли сохранить семейный бизнес. С началом Второй мировой войны американское производство роялей почти прекратилось, так как при изготовлении инструмента использовались сталь, медь, бронза, необходимые для военных нужд. Но Стейнвеи поддержали американскую армию: компания разработала военную модель фортепиано Victory Vertical. Благодаря водостойкому клею, обработке против насекомых и железным, а не медным струнам, инструмент был крепче обычных роялей Steinway & Sons, их использовали на фронте. В годы войны филиал Steinway & Sons в Германии использовал свой запас дерева для производства роялей по приказу нацистов, из этого материала также делали "самолеты"-обманки и кровати для бомбоубежищ. Компания получила особое разрешение на производство ограниченного количества инструментов — немецкое правительство обменивало их на железо со Швецией и Норвегией. Второй кризис: успех Yamaha В послевоенные годы Steinway & Sons лидировала на рынке роялей. Несмотря на рост цен на 10–16%, объем продаж не падал. В 1956 году общая сумма продаж Steinway составила $4,5 млн, а инструменты фирмы использовались на 905 концертах в Нью-Йорке. В 60-х у компании появился сильный конкурент — японская Yamaha, которая в 1966 году уже стала самым крупным производителем роялей и фортепиано в мире и выпускала 100 тысяч клавишных в год. Для сравнения, Стейнвеи выпускали около 6000. В Yamaha по-другому подходили к производству инструментов: фабрики автоматизировались, а размер фортепиано соответствовал требованиям небольших японских домов. К концу 1960-х годов половина всех проданных в США роялей была японского производства. Прибыль Стейнвеев в 1969 году составила $314 тысяч, почти на $584 тысячи меньше, чем в 1968-м. Инструменты продавались лучше, но увеличились расходы — рабочая сила и материалы подорожали на 50%. Чтобы адаптироваться, компания впервые за 116 лет своего существования перестала бесплатно давать инструменты музыкантам. Спустя 69 лет сотрудничества рекламное агентство N.W. Ayer & Son расторгло контракт с Steinway & Son ради нового клиента — Yamaha. В 1971 году прибыль составила $691 тысячу, но к прежним показателям компании вернуться так и не удалось. Дела шли настолько плохо, что в 1972 году Steinway за $26,7 млн купила американская телерадиосеть Columbia Broadcasting System. "Компания дошла до того, что семья стала слишком большой, было задействовано слишком много родственников", — сказал тогда президент компании Генри Стейнвей, правнук основателя. Несмотря на продажу, он оставался в компании — сначала президентом, а потом председателем — до ухода на пенсию. Семье Стейнвеев решение далось непросто. "Сам я по поводу приобретения CBS думаю, что это кровавый позор, но очевидно неизбежный. Некоторые больше заинтересованы в быстром заработке, чем в сохранении традиций четырех поколений. Я чувствую себя невольным директором похорон. Такова, боюсь, жизнь". - Джон Стейнвей, брат Генри, в письме своему племяннику CBS решила влить деньги в новое предприятие, что позволило Steinway & Sons увеличить ежегодные расходы со $100 тысяч до $1–2 млн. В 1974 году компания сконцентрировала производство на больших дорогих роялях и остановила выпуск меньших по размеру моделей. Но цены сильно отличались от Yamaha. В 1974 году в среднем рояли от Steinway & Sons стоили $5453, а от японской фирмы почти втрое дешевле — $1730. К 1980-му году Yamaha становилась все успешнее, а Steinway & Sons все убыточнее: в год японская компания продала более 20 тысяч фортепиано и роялей, а Steinway & Sons — чуть больше 3000. В 1985 году Columbia продала Steinway & Sons группе инвесторов во главе с братьями Джоном и Робертом Бирмингем. По данным NYT, сумма сделки превысила $50 млн. Спустя десять лет Бирмингемы перепродали компанию международному производителю музыкальных инструментов Selmer за $100 млн. В попытке выйти из кризиса в 1991 году Steinway & Sons объявила, что начнет разрабатывать линейку инструментов средней стоимости вместе с японским производителем Kawai, чтобы стать более конкурентоспособными на рынке. Через год инструменты под названием Boston Pianos представили покупателям. Новая модель стала успешной: за первые десять лет компания продала почти 40 тысяч инструментов. Помимо относительно низкой цены и гарантии качества Steinway & Sons Boston делала привлекательной программа "trade-in": при покупке более дорогой модели компания принимала подержанные Boston и делала скидку в размере их стоимости. В 1996-м Steinway Musical Instruments стала публичной компанией, вышла на Нью-Йоркскую биржу и привлекла $67 млн при цене $19 за акцию. В очередной попытке конкурировать с Yamaha в 1997 году Steinway & Sons открыла дочернюю компанию в Токио. Через три года фирма запустила еще одну линейку недорогих инструментов в стиле ар-деко — Essex, созданную совместно с дизайнером мебели Уильямом Фабером. Essex производили в Корее, и из-за банковского кризиса в стране 1998-го года, а также общей экономической обстановки в начале 2000-х модель продавалась не так хорошо, как Boston. Несмотря на это, к 2005 году дела у компании шли успешно: общие продажи инструментов достигли $203 млн, а спрос на рояли превзошел объемы производства. Третий кризис: финансовый кризис 2008 года и адаптация к цифровому миру В 2008 году с экономическим кризисом продажи компании снова упали. В попытках привлечь новых покупателей фирма начала производство эксклюзивных роялей. В 2008 году Steinway продала инструмент "Звук гармонии" стоимостью $1,5 млн китайскому коллекционеру Гуо Чиньцяню: для сравнения, концертный рояль Стейнвей в 2009 году стоил $118 тысяч. На создание рояля "Звук гармонии" ушло четыре года и 40 разных типов дерева (среди различных пород - эбеновое черное дерево, ясень и розовое дерево). Крышка украшена копией картины китайского художника Ши Ци (Shi Qi). Этот рояль считается на сегодняшний день самым дорогим в истории. А вот одним из самых дорогих пианино Steinway & Sons стал инструмент, за которым музыкант Джон Леннон сочинил песню "Imagine", ставшую "визитной карточкой" постбитловского Леннона. В 2000 году это знаменитое пианино было выставлено британским коллекционером на аукцион, и его приобрел Джордж Майкл, предложив 1,67 млн британских фунтов ($2,1 млн). В 2010 году по случаю 70-го дня рождения Дж. Леннона Steinway & Sons представила лимитированную серию роялей "Imagine", имитирующих белый рояль, который участник The Beatles подарил на день рождения своей жене Йоко Оно в 1971 году: Джон Леннон "Imagine" В 2013-м у компании снова сменился владелец, она стала частной и ушла с биржи: ее купил хедж-фонд Paulson & Co за $512 млн. На момент продажи спрос на рояли и фортепиано в США падал уже несколько лет: в 2005 году в стране продали 95 518 инструментов, а в 2015 — всего 33 818. В 2010-х годах компания вышла в цифровую сферу: в 2011 году Steinway & Sons представила приложение Etude для iPad, в котором можно изучать, читать и покупать ноты. В последние годы узнаваемость бренда упала, особенно среди молодого поколения. Чтобы привлечь новую аудиторию, компания начала работать с инфлюенсерами. Например, бренд пригласил известную Instagram-блогерку, австралийку китайского происхождения Джессику Ванг на свою фабрику в Нью-Йорке. В 2020 году, несмотря на пандемию, закрытие магазинов и отмену концертов, Steinway не столкнулась с четвертым кризисом. Энтони Гилрой, представитель компании, заявил, что продажи упали, но не так сильно, как ожидалось. Когда магазины закрыли из-за локдауна, компания впервые за время существования открыла онлайн-магазин и продала в том числе рояли из лимитированных коллекций стоимостью от $250 тысяч. Картинки с выставки Как уже было отмечено, с конца XIX века в компании существует отдел искусства: здесь создаются инструменты ограниченных серий совместно с художниками, дизайнерами или даже компаниями. В 2003 году в честь 150-летия компании Steinway создала рояль с дизайнером Карлом Лагерфельдом, уроженцем Гамбурга. Этот инструмент был выполнен в драматическом сочетании красного и черного цветов: он изготовлен из темно-красного лакированного и матового черного дерева, а ножки выполнены в виде полых прямоугольных рам: В 2011 году музыкант The Beatles Пол Маккартни поучаствовал в реставрации рояля Steinway & Sons 1877 года. Через два года известный американский дизайнер мебели Дакота Джексон создал пианино "Arabesque" из индонезийского макассарового дерева, и оно в 2014 году получило престижную премию в сфере дизайна - Red Dot Awards. Интереснейший рояль в 2017 году был посвящен великому русскому композитору Модесту Мусоргскому и его циклу фортепианных пьес "Картинки с выставки". Идея оформления принадлежала пианисту с титулом Steinway Artist Полу Уайзу. Интересно, что Пол Уайз - не только пианист, но и известный североамериканский художник-портретист (его работы представлены в Национальной Портретной Галерее, в Смитсоновском Институте и в Палате общин Канады). Рояль, посвященный циклу М. Мусоргского "Картинки с выставки". Оформлен пианистом и художником Полом Уайзом Над этим роялем компания работала более 4-х лет, и это первый инструмент Steinway & Sons, посвященный музыкальному произведению. С помощью звучания рояля Steinway и своих картин на нем Уайз приглашает зрителей в многомерное путешествие. Корпус и крышка рояля расписаны маслом, на них изображены образы русской музыкальной истории и фольклора. Уникальные ножки выполнены в виде избушки Бабы Яги. "У этого рояля своя собственная жизнь, - подчеркивает Уайз. - Для меня это попытка понять загадочную русскую душу и все ее грани: сказки, были, историю и увлекательную политику, которые соединяются удивительным и вместе с тем драматическим образом воедино". Черный бриллиант В апреле 2019 года компания Steinway & Sons представила рояль Lang Lang Black Diamond ("Черный бриллиант Лан Лана"). Инструмент был специально создан для американского пианиста-виртуоза китайского происхождения Лан Лана. Работать над дизайном пригласили давнего друга компании - Дакоту Джексона. "Черный бриллиант" получил название за блеск и отражения поверхностей, а также игру бесконечных звуковых возможностей, перекликающуюся с манерой исполнения Лан Лана. Дизайн Black Diamond Lang Lang совмещает в себе элегантность классического черного эбенового дерева и дерева макассар с его насыщенной глубиной. Три тонких силуэта в форме бриллианта - на ножках, крышке и обратной стороне корпуса. Небольшой силуэт бриллианта выгравирован в серебре над клавиатурой. Специальный выпуск Black Diamond ограничен 88 роялями (по числу клавиш) модели B и дополнительными 8 концертными роялями модели D с отделкой из эбенового дерева мaкассар. Все модели оснащены новейшей технологией Spirio R. Lang Lang Black Diamond, Limited Edition, модель B. Модель оснащена новейшей технологией Spirio R Технология Steinway Spirio Что же такое технология Spirio, одним из первых почитателей которой оказался Лан Лан? Не случайно ею оснащена модель его имени. Это инновационная система воспроизведения музыки на фортепиано в высоком разрешении, которая позволяет записывать свою собственную игру и затем воспроизводить ее на том же самом фортепиано. Принципиальное изобретение Spirio состоялось 70 лет назад, но с тех пор эта система постоянно совершенствовалась компанией в соответствии с техническим прогрессом. Деликатный акцент громкости звука, тонкая фразировка, мягкие перепады и громоподобные фортиссимо не представляют никакого труда для Steinway Spirio. Скрытые от глаз детали устройства воспроизведения (это несколько сотен "ключей" к каждой клавише) незаметны при прикосновении или во внешнем облике фортепиано. Это подтверждается тем, что фортепиано с системой Spirio используется, помимо записи, так же, как и любое другое обычное фортепиано - просто для игры на нем. Сегодня система, контролируемая через iPad, создает новые способы взаимодействия с инструментом и наслаждения музыкой. Например, Spirio обладает собственным музыкальным каталогом выступлений великих музыкантов разных жанров, от классики до джаза, в высоком качестве. Причем эта система совмещена с видеозаписью того или иного выступления (такая кропотливая работа по "переводу" видео- и звукозаписи в Spirio занимает несколько месяцев). В итоге во время воспроизведения складывается ощущение - магическое, но вместе с тем даже чуть пугающее, - что специально для владельца "стейнвея" в этом пространстве играют Владимир Горовиц или Телониус Монк. Для управления системой Spirio рояль снабжен iPad, который подключается к нему при помощи беспроводной технологии: Полный каталог выступлений Steinway предоставляется покупателям в комплекте к покупке Steinway Spirio без дополнительных взносов и (впервые в индустрии воспроизведения игры фортепиано) обновляется каждый месяц. Увлекательное и простое в использовании приложение для Steinway Spirio обеспечивает доступ к библиотеке выступлений музыкантов мирового уровня. Редкие виды "Драгоценности короны Steinway" - это серия инструментов с использованием виниров из редких сортов древесины. Фортепиано этой серии уходят от традиций полировки черного эбенового дерева в пользу использования необычных, визуально запоминающихся виниров. Используется палитра ярких цветов и драматических оттенков на тщательно отобранных редких сортах древесины. Компания демонстрирует мастерство специалистов, а клиенты понимают, каким уникальным инструментом они обладают. Древесина для виниров - это индонезийское макассаровое дерево, восточно-индийское розовое дерево, кевазинга бубинга, янтарное дерево, красное дерево, индийское яблоневое дерево. В каждом отдельном случае древесина отбирается и приобретается специалистами Steinway по дереву из надежных источников и обрабатывается экспертами для подготовки производства фортепиано. Тонкость каждого отдельного винира составляет всего лишь 0,5 мм: он на ощупь как тонкая бумага. Перед нанесением винира мастера обеспечивают идеальную стыковку пластин от одного края к другому, включая скошенный угол крышки инструмента. В шоуруме фабрики в Гамбурге выставлены рояли и пианино разных размеров, из разных пород дерева, разной стоимости. Но всех их объединяет прекрасное качество, великолепный звук и то, что сделаны они людьми, искренне любящими свое дело. Чтобы убедиться в этом, можно съездить в гости к Steinway & Sons - там проводят экскурсионные туры. Экскурсия на фабрику Одним из основных принципов Стейнвеев всегда оставалось мастерство. Каждый инструмент собирается вручную из более 12 тысяч элементов. На производство Стейнвеи традиционно брали только профессионалов с опытом, а автоматизировать процессы отказывались, так как считали, что предадут основателя — Генри Стейнвея. Фабрика Steinway & Sons в Гамбурге выглядит так же, как множество других небольших европейских заводов: аккуратные современные здания, автоматические двери, чистота во дворе. Первое, что сообщают гостям предприятия, — что практически все операции по изготовлению роялей и пианино по сей день осуществляются вручную, в основном на традиционном оборудовании. Второе — что все священнодействие вокруг создания инструмента отвечает строгим современным стандартам. Например, в 2009 году компания установила сложную систему кондиционирования и осушения воздуха, работающую от солнечного коллектора стоимостью под миллион долларов. Это не просто "экологический жест", какие в моде сейчас у многих производителей. В производстве музыкальных инструментов баланс влажности воздуха критически важен: цикл изготовления одного рояля занимает около трех лет, и большая часть этого времени уходит на подготовку древесины. Твердый кленовый брус, распиленный вдоль древесных волокон (из него делают собственно корпус инструмента), и брус деревьев редких пород — например, макассара (он идет на отделку), привозится на завод и месяцами выдерживается на складах. В итоге после нескольких проверок в дело идет около 40 процентов клена и около 20 процентов отделочного дерева — остальное бракуется и (чтобы не пропадало зря) идет на отопление завода. Столь же критично относились к сырью и 140 лет назад, когда фабрика только открылась. Специфических условий требуют и остальные этапы превращения древесины в рояль. Брус распиливают на тонкие длинные пластины (составление их из нескольких фрагментов недопустимо — звук от этого "умирает"), которые потом склеиваются натуральным костным клеем в многослойную (до 19 слоев) заготовку. Она, в свою очередь, изгибается в специальном станке с вертикальными тисками. Таких станков на заводе несколько, они практически ровесники самой фабрики. Создание корпуса — важнейший момент процесса: только очень опытный мастер точно знает, сколько положить клея между слоями дерева, чтобы он не чрезмерно пропитал древесину и в то же время распределился равномерно. Излишки клея удаляются ручной шлифовкой, а чтобы мельчайшая пыль не вредила рабочим и инструментам, в цеху работает современное вентиляционное оборудование. Внешний слой корпуса (если рояль не предполагается покрывать черной, белой, красной или иной, по выбору заказчика, эмалью) выполняется из шпона ценных пород дерева: макассара, палисандра, махагони, тиса, светлого дуба, вишни, клена, корня ореха. После нескольких циклов шлифовки поверхность рояля покрывается несколькими слоями лака и тщательно полируется — и с помощью специальных аппаратов, и вручную. В отдельных случаях заказчики желают получить пианино с корпусом, декорированным в технике маркетри (мозаики из деревянных пластин) — стоимость такого уникального инструмента превышает два миллиона долларов. Параллельно в других цехах завода идет обработка металлических рам, на которые натягиваются струны. Их отливают из чугуна (по старинному способу — в песочные формы) в США и морем доставляют в Гамбург. Как и корпусы, рамы изготавливаются шести разных форм — от огромных для концертных роялей, до сравнительно небольших — для кабинетных. Рамы шлифуются, чтобы сровнять рельеф, оставшийся от песочной формы, затем на них наносят антикоррозийное покрытие и промывают. После просушки рамы красят золотой или серебряной краской. Отдельный важный момент — нанесение черной эмали на выпуклый логотип марки. Это делает вручную тонкой кистью специальный мастер. Важнейшая часть рояля — резонансная дека. Конструкция цельного штега резонансной деки стала одним из первых инновационных прорывов Штайнвега, еще в бытность его немецким кустарем, а не американским фабрикантом. Позже конструкцию усовершенствовали и в 1936 году запатентовали. Для деки закупается древесина ситхинской ели (Sitka) из Канады, определенного возраста, с однородными волокнами. Дека — пластина переменной толщины, сужающаяся к краям, позволяющая достичь оптимизации колебаний и максимальной гибкости. Особенность "роялестроения" Стейнвея в том, что ни деку не подгоняют под корпус, ни корпус не строят вокруг деки: тщательно выверенные размеры деталей позволяют идеально, как детали пазла, совмещать их на стадии сборки. Важный момент — установка и отладка клавиш и молоточков. Мастера устанавливают клавиши и проверяют каждую, отлаживая мягкое и в то же время полное соприкосновение молоточка со струной. При необходимости войлочная поверхность молоточка обрабатывается (ворс прижигается на открытом пламени), чтобы ход клавиш был равномерным. Клавиши — одни из немногих деталей, которые поставляются на фабрику сторонним производителем — Kluge Klaviaturen, с которым, впрочем, Steinway & Sons сотрудничает много лет. Ранее клавиши покрывались пластинками слоновой кости, сейчас компания поддерживает кампанию по защите слонов и использует искусственное покрытие. В общей сложности над одним инструментом работает две сотни мастеров разной специализации. Некоторые из них отдали работе в компании 30, 40 и даже 50 лет — их имена выписаны каллиграфическим почерком на табличках в холле фабричного здания. На лестнице, ведущей с нижнего этажа, где строят корпуса и обрабатывают рамы, на второй, где отлаживают молоточки, развешаны фотографии уникальных роялей, созданных Steinway & Sons к определенным датам или в сотрудничестве с известными дизайнерами и компаниями. В их числе — рояль с золоченым корпусом и росписью, подаренный от имени американского народа президенту Рузвельту в 1903 году, в год пятидесятилетия компании. Инструмент долго стоял в Восточном зале Белого дома, ныне выставлен в Музее искусств в Вашингтоне. Рояль Steinway D-274, подаренный американским народом Теодору Рузвельту, 1903 г. Завершающая стадия — настройка инструмента. Звук проверяет специалистка с безупречным музыкальным слухом, работающая в компании много лет. Рояли, одобренные ею, попадают в святая святых фабрики — зал выбора. Равно безупречные инструменты разных предназначений и размеров стоят здесь сверкающими рядами, и только музыкант высочайшего уровня способен оценить едва различимые даже профессиональным ухом нюансы звука и выбрать тот, что подходит именно ему. Steinway & Sons в цифрах: 12 000 - число деталей инструмента; 1 год - средний срок производства рояля; 100 дней - столько рояль "расслабляется" после изготовления (при 29,5 градусов Цельсия и 45% влажности). Компанию Steinway & Sons без преувеличения можно назвать самым знаменитым в мире производителем роялей. На инструментах этой компании играли такие выдающиеся музыканты и композиторы, как Ференц Лист, Сергей Рахманинов, Артур Рубинштейн, Игнаций Падеревский, Джордж Гершвин, Владимир Горовиц, Дюк Эллингтон, Гленн Гульд, Ван Клиберн, Элвис Пресли, Джон Леннон и многие другие. А недавно такой рояль появился у Роберта Паттинсона, самого знаменитого "вампира" современности. Рояли Steinway & Sons с середины XX века фактически стали эталоном в музыкальной индустрии: они участвуют в большинстве крупных фортепианных концертов и студийных звукозаписей. Причиной тому яркость и мощность звучания, рассчитанного на большие залы. Впрочем, любители относятся к "стейнвеям" не менее трепетно, чем профессионалы. А кроме того, свыше 160 консерваторий, колледжей и музыкальных школ в мире укомплектованы инструментами исключительно этой марки. Стоимость их довольно высока: самый обычный серийный рояль стоит около 100 000 евро. Помимо этого, выпускаются специальные лимитированные серии… Страстная увлеченность и преданность своему делу, опыт – вот лишь некоторые из характеристик мастеров Steinway & Sons. Они создают рояли и пианино с большой любовью к деталям, тщательностью исполнения и высочайшим профессионализмом, потому что знают, что эти инструменты призваны наполнять радостью сердца людей во всем мире. Каждый инструмент содержит частичку души каждого мастера. Больше 2000 тысяч музыкантов - это члены большой семьи Steinway & Sons. Концерты лауреатов премии Steinway & Sons предоставляют сцену для талантливых молодых пианистов. И многие фортепианные конкурсы проводятся исключительно на роялях этой компании. Внешний облик, тактильность, благородное звучание, стабильность и многие другие аспекты, которые делают Steinway & Sons настоящим брендом, постоянно совершенствуются. С давних лет используемые технологии изготовления всегда были гарантией бескомпромиссного соблюдения стандартов качества. Следуя богатым традициям и совершенствуя проверенное временем мастерство, специалисты Steinway & Sons постоянно оптимизируют инструменты и внедряют новые технологии. Поскольку только так сегодня и в будущем поддерживается кредо основателя компании Генри Э. Стейнвея: "to build the best piano possible" - "создавать наилучшие фортепиано из возможных". Для клиентов Steinway & Sons это означает, что они всегда получат лучший инструмент, изготовленный в соответствии с новейшими технологическими стандартами, с огромным вниманием к деталям и высочайшим уровнем ноу-хау. По сей день этот чудесный, с многогранными возможностями, инструмент, несмотря на свою молодость, оказывает на все общество огромное воздействие. Почти все великие композиторы творили для фортепиано. И, надо полагать, что с годами его слава только возрастет, и оно все больше и больше будет радовать нас своим волшебным звучанием. РОЯЛИ STEINWAY & SONS ПРЕВРАТЯТ ВАШ ДОМ В КОНЦЕРТНЫЙ ЗАЛ. От автора. Музыка - самый искренний и красноречивый рассказчик. Кто, как не она, наиболее полно и емко расскажет о короле музыкальных инструментов и о непревзойденном мастерстве его создателей. Как говорится, лучше один раз услышать, чем сто раз прочитать... Steinway Artist Лан Лан исполняет "К Элизе" Л. ван Бетховена на рояле "Lang Lang Steinway Black Diamond Limited Edition" ___________________ При подготовке статьи использованы следующие работы: 1. Alexandra Tyan. Steinway & Sons: как производитель роялей пережил три кризиса, борьбу с Yamaha и «позорную» продажу бизнеса [Электронный ресурс] //Vc.ru. - 2021. - 8 марта. - Режим доступа: https://vc.ru/story/216891-steinway-sons-kak-proizvoditel-royaley-perezhil-tri-krizisa-borbu-s-yamaha-i-pozornuyu-prodazhu-biznesa 2. В. Гудкова. Элегантный как рояль: Где и как создаются самые дорогие клавишные инструменты в мире [Электронный ресурс] //«Лента.ру». - 2015. - 05 декабря. - Режим доступа: https://lenta.ru/articles/2015/12/05/steinways/ 3. О. Бугрименко. 88 магических клавиш: внутренние секреты роялей Steinway & Sons [Электронный ресурс] //Стиль жизни. - 2019. - 25 октября. - Режим доступа: https://rg.ru/2019/10/25/88-klavish-sekrety-roialej-steinway-sons.html 4. Официальный сайт Steinway & Sons: https://eu.steinway.com/ru/ 5. Richard K. Lieberman. Steinway and Sons //Yale University Press. - 1997. - 23 сентября. - 384 с.

Психоакустика изучает субъективное восприятие звуков человеком. Согласно исследованиям ученых, правое ухо отвечает за семантику звука, то есть информацию, а левое - за эстетическое наслаждение. Например, в любой качественной композиции скрипки зачастую звучат левее. Для звукоинженеров и профессиональных музыкантов психоакустика - что-то вроде азбуки, и они точно знают: две колонки, поставленные слева и справа от человека, должны давать звук посередине. Образовывать равнобедренный треугольник. Так, при прослушивании любимой песни, можно ощутить, что вокалист стоит прямо перед нами. Согласно международным стандартам, в своем страстном порыве к громкой музыке объективно мы можем воспринимать звук от 85 до 90 дБ. И то не более 4-х часов. В ночных клубах, к примеру, показатели громкости составляют от 101 до 110 дБ. Находиться при таком звуке дольше 15 минут не рекомендуется. Не удивительно, что человечество использует звук не только в мирно-созидательных целях, но и как мощное оружие. Для разгона демонстрантов в некоторых странах применяют звуковые пушки. Также музыкальные экзекуции помнят стены тюрем Абу-Грейб и Гуантанамо... Наука психоакустика также объясняет так называемый "эффект коктейльных вечеринок". Он заключается в том, что даже в шумной толпе люди, которые живут вместе на протяжении долгих лет, способны распознать голос друг друга. Именно поэтому и стоит беречь свой слух от плохого звука, чтобы слушать лучшую музыку и слова самых любимых. Источник