Результаты поиска

Блюз – самая аполитичная музыка, какую только можно себе представить. Потому что в блюзе совершенно отсутствует такое понятие, как "мы". Неспроста в сталинские времена блюз, как и джаз, были запрещены как музыка "анархистов". Образы блюза взывают к индивидууму, к его "я", Душе – в противовес популярной массовой музыке, истинное назначение которой - обезличивание масс. Ведь в таком случае нерассуждающей толпой проще манипулировать. Когда вы слушаете блюзового музыканта, все будет без подделок и фальши – на сцене только он сам и его импровизация. Возможно, именно поэтому блюз - это искусство неординарных ярких одиночек. Существует известное и достаточно содержательное выражение американского блюзового певца и гитариста Джона Кэмпбелла о том, что блюз - это путь, на котором человек решается предстать один на один перед миром, выводя, сквозь пульсирующий ритм и тревожные диссонансы, тропой из темноты на свет свое вдохновение, свою собственную боль, размышления и ощущения. Наверное, именно поэтому блюз играют тогда, когда, как говорят, не могут не играть, поражая нас своей неповторимой самобытностью и рассказывая о том, что, вопреки всевозможным испытаниям, главное - это оставаться самим собой. В принципе, блюз – это и есть Жизнь. Сколько бы раз не исполнялась музыка - каждое ее исполнение есть первый - и единственный - вариант. Жизнь – так же, как и блюз – это нескончаемая личная импровизация, происходящая в режиме он-лайн… Боз Скэггс "Loan Me a Dime"

Стоял рояль на сцене и дрожал, И бились в нем безумные аккорды. И вдохновенно зал рукоплескал Его величью и осанке гордой. И звуки клавиш улетали вдаль И разлетались по большому залу. И замер зал, когда играл рояль, А руки музыканта вверх взлетали... Б. Пастернак Рояль по праву называют королем музыкальных инструментов. И не только потому, что само его название переводится с французского как "королевский". Мы любим его за богатство и насыщенность тембра, за широкий диапазон звуковых градаций и чувствительную, пластичную клавиатуру, за виртуозность игровых качеств, за выразительность и щедрость в воплощении человеческих эмоций… Своим рождением рояль обязан беспокойному уму итальянца Бартоломео Кристофори (1655–1731), который служил придворным клавесинным мастером у герцога Фердинандо Медичи. Его занимали мысли как бы разнообразить звучание клавесина, и он додумался до новой системы звукоизвлечения. Смысл ее в том, чтобы не щипать струны, без возможности передачи динамических оттенков звука (тише-громче), а бить по ним мягкими молоточками, что дает возможность варьировать громкость звука. Наблюдая за игрой уличных цимбалистов, Кристофори заметил, что, ударяя колотушками по струнам, эти музыканты добиваются особой выразительности звука. И тогда мастер переделал конструкцию клавесина таким образом, что стало возможным при игре изменять силу звучания. В 1709 году Бартоломео Кристофори на приеме во дворце Палаццо Питти во Флоренции впервые представил рояль крыловидной формы. Новый инструмент мастер назвал Gravicembalo con piano e forte - "Большой клавесин с тихим и громким звучанием". Первый инструмент Кристофори не сохранился, однако несколько его более поздних сородичей 1720-х годов хранятся в музеях Италии и США. До конца XVIII века фортепиано подвергалось постоянным усовершенствованиям, что к началу XIX века поставило его вне конкуренции с клавесином и клавикордом. С 1850-х годов начинается фабричное производство в Европе (особенно бурно в Германии), Америке и России. Рояль становится "властелином" музыкальных инструментов. К началу XX века он приобретает современную форму: деревянный корпус, цельнолитую панцирную чугунную раму, механизм двойной репетиции. По качеству, совершенству конструкции, красоте звука, игровым свойствам и надежности рояли подразделяются на различные классы. Одним из самых известных и популярных современных производителей фортепиано, выпускающих элитные инструменты премиум-класса, является компания Steinway & Sons (с 1853 года - Нью-Йорк, США; с 1880 года - Гамбург, Германия). Рояли Steinway & Sons называют легендой и верхом совершенства в мире музыкальных инструментов. С 1853 года они считаются символом высочайшего ручного искусства, бескомпромиссного качества, эстетики и выразительности. Их ни с чем не сравнимое звучание и ощущение единения с роялем во время игры – это основные причины, почему 9 из 10-ти выступающих на концертах пианистов предпочитают выбирать Steinway & Sons, и почему этот рояль считается во всем мире алтарем музыкальной культуры в любом доме. Что значит рояль премиум-класса? Такой инструмент является совершенным по конструкции и изготавливается штучно в соответствии с технологией, эволюционировавшей несколько столетий. Также определяющим критерием является достаточно солидный объем производства на протяжении более века. Разница в ценах различных брендов класса премиум объясняется разной степенью агрессивности рыночного маркетинга и глобальной рекламы в течение многих десятилетий. Рояли других классов имеют упрощения конструкций и производятся по более быстрым и упрощенным технологиям — в целях удешевления и получения прибыли в различных сегментах рынка. У рояля Steinway & Sons немецкие музыкальные корни и богатая родословная. Его производитель пережил три кризиса, борьбу со своим конкурентом Yamaha и "позорную" продажу бизнеса. Компания, которой в 2023 году исполняется 170 лет, за свою историю получила больше 120-ти патентов (например, патент на чугунную раму рояля получен еще в 1885 году) и продала самый дорогой музыкальный инструмент в мире. В 1890 году компании удалось стать поставщиком двора английской королевы Виктории, а затем ее инструменты "пришлись ко двору" правящих семей Италии, Норвегии, Персии, Португалии, Румынии, Испании, Швеции и России. Итак, как все начиналось, по порядку… Генрих Энгельгард Штайнвег (1797–1871), краснодеревщик из города Зезен в Германии, еще в молодом возрасте заинтересовался музыкальными инструментами. Несмотря на отсутствие формального образования, в армии Штайнвег сделал цимбалы — старинный струнный инструмент, по форме похожий на гусли. После возвращения с фронта благодаря своему таланту он устроился в мастерскую по производству органов. История инструментов Steinway началась в 1836 году, когда Штайнвег на кухне собрал свое первое фортепиано. В том же году он основал фирму H. Steinweg Instrumentenmacher и начал небольшое производство инструментов. Эта фирма выпустила 482 рояля и пианино. В 1848 году в Германии произошла революция, а старшего сына Генриха, Карла, задержали за участие в беспорядках. Вскоре его отпустили, но родители, боясь преследования, посоветовали сыну уехать в Швейцарию, позже он переехал в Париж, а затем в Нью-Йорк. В 1850 году вслед за ним в США переехали остальные Штайнвеги. Звучит фортепиано H. Steinweg, изготовленное Г. Штайнвегом в г. Зезен в 1836 г. Спустя три года, в 1853-м, Генрих Штайнвег со своими сыновьями Карлом и Генрихом-младшим основал в Нью-Йорке компанию по производству роялей и фортепиано Steinway & Sons, инвестировав в нее $6000. Откуда у семьи эмигрантов появилась такая сумма, неизвестно: с продажи имущества в Германии они получили $780, а работая на местных производителей роялей Штайнвеги получали $6–7 в неделю. По словам биографа семьи, Штайнвеги скорее всего собрали деньги, неофициально продавая инструменты вскоре после прибытия в США. В то же время Генрих решил американизировать свое имя: так Штайнвеги стали Стейнвеями, а Генрих стал Генри. Через пару месяцев после регистрации бренда Steinway & Sons фирма продала свой первый рояль, а через год они производили уже по два инструмента в неделю. В 1855 году несколько инструментов Steinway & Sons выставили на Ярмарке Американского института. Фирма получила золотую медаль, которую Генрих активно использовал в рекламе, благодаря чему продажи удваивались ежегодно на протяжении трех лет. К концу 1857 года активы Steinway & Sons оценивались в $75 тысяч, 80 сотрудников компании собирали более 400 инструментов в год. В 1860 году бизнес Стейнвеев оценивался в $360 тысяч, производство инструментов за четыре года выросло почти на 700% — всего этого семья добилась без внешних инвестиций или ссуд. Генри Стейнвей был уверен, что общественное признание столь же важно для успеха, как и мастерство производителей. Для продвижения своих инструментов он использовал отзывы музыкантов и богатых меценатов. Как талантливый предприниматель, Стейнвей понимал, что для успешной продажи ему нужно создавать определенный образ и репутацию, и в 1866 году вложил $90 786 в концертный зал и, по совместительству, шоурум: Стейнвей-Холл. Он стал одним из самых престижных мест Нью-Йорка. В нем могли поместиться 2500 зрителей и симфонический оркестр из 100 музыкантов. В дни, когда в Стейнвей-Холле не проводились концерты, в зале выставлялись на продажу более 100 роялей. Строительство Стейнвей-Холла стало успешным маркетинговым ходом, и конкурирующие производители начали строить собственные концертные залы. У Генри Стейнвея было пятеро сыновей, которые в дальнейшем продолжили дело отца, продвигая марку Steinway & Sons по всему миру. Успехам бизнеса способствовал фортепианный "бум" в США после гражданской войны и отмены рабства. Американские буржуа-нувориши стремились приобрести статусные «немецкие» фортепиано. Цены на рояли в США за 1850—1860-е годы увеличились в несколько раз: c 300 до 2000 долларов. В 1867 году фирма первой из американских компаний была награждена Большой золотой медалью чести («За совершенство в создании»). Стейнвеи постоянно экспериментировали с новыми технологиями. При этом больше половины патентов фирма получила за первые 50 лет существования. Гор­достью ком­па­нии ста­ла и оста­ет­ся до сих пор мо­дель боль­шо­го концертного рояля: С 1875 го­да, ког­да Теодор Стейнвей (старший сын Генриха Стейнвея) по­лу­чил на не­го па­тент, тех­ни­ческие х­арак­те­ри­сти­ки это­го инст­ру­мен­та оста­лись неиз­мен­ны­ми. Он обя­за­тель­но име­ет 274 см в дли­ну и 157 см в ши­ри­ну. При раз­ра­бот­ке этой и ря­да дру­гих мо­де­лей исполь­зо­ва­лись но­вей­шие по тем вре­ме­нам ис­сле­до­ва­ния в об­ла­сти аку­сти­ки, ко­то­рые про­во­дил зна­ме­ни­тый фи­зик, врач и акустик Гер­ман Гельм­гольц. В 1880 году Стейнвеи открыли вторую фабрику — в Гамбурге. Во главе встал сын Теодор, оставшийся в Германии. Семья выбрала Гамбург не просто так: через местный порт отправляли грузы по всей Европе, а местные власти не брали комиссию за импорт материалов. Обе фабрики Steinway & Sons в Гамбурге и Нью-Йорке регулярно обменивались опытом и продолжают делать это по сей день. Четвертый сын Генриха — Уильям Стейнвей — изобрел ловкий маркетинговый ход: фирма финансировала гастроли и концерты известных пианистов; единственным условием было использование рояля Steinway & Sons. В 1870-х годах Уильям рекламировал рояли на концертах известных пианистов по всему миру. Компания сформировала свой "список артистов", которым давала на выбор любой инструмент для концерта, а те выступали как лицо бренда и получали $100. Одним из первых в список вошел пианист, композитор и основатель Санкт-Петербургской Консерватории Антон Рубинштейн в 1872 году. Таким образом, чтобы привлечь покупателей, Стейнвеи запустили программу "Steinway Artists". Кроме А. Рубинштейна в числе "бессмертных" - Игорь Стравинский, Сергей Рахманинов, Сергей Прокофьев, Владимир Горовиц. Ныне концертирующие пианисты – Владимир Ашкенази, Григорий Соколов, Евгений Кисин и многие другие. Среди украинских исполнителей – харьковский пианист Станислав Христенко, ныне проживающий в США. Число пианистов, титулованных престижным званием "Steinway Artists", с каждым годом растет за счет молодых талантов, успешно участвующих в конкурсах, фестивалях и концертах и желающих войти в столь почетный круг заслуженных исполнителей. Так как подобная стратегия привлечения выступающих музыкантов существует уже более 100 лет, это привело к господству Стейнвеев в концертных залах мира. На сегодняшний день в состав артистов Steinway входит более 2000 пианистов и композиторов со всего мира. Без них, как говорится, Steinway молчит. А вместе они творят ту восхитительную музыку, которая может звучать лишь на инструментах Steinway... Итак, на начало ХХ века в программе Steinway Artists участвовало 600 пианистов, а компания заняла место в нише дорогих инструментов для профессионалов. Дела шли хорошо: в 1911 году компания в Нью-Йорке продала 2444 инструмента, в Гамбурге — 2338, почти на 150% больше, чем в 1899 году. Через год фирма представила новую модель рояля — Model M. И уже в первый год продали 900 инструментов по цене $750 за штуку. Эта модель оставалась бестселлером Steinway & Sons на протяжении всего ХХ века. Первый кризис: 1910–1940-е годы В 1913 году прибыль фирмы составила около $500 тысяч. Но в Европе началась Первая мировая война. В 1914 году прибыль всей компании упала до $240 тысяч, фабрика в Гамбурге особенно пострадала, торговые связи между США и Германией были полностью разорваны. Несмотря на это, американская фабрика продолжала развиваться: в 1916 году прибыль выросла до $1,1 млн, за год компания произвела 6561 инструмент, самое большое количество за историю своего существования. Однако успех длился недолго. В 1917 году США тоже вступили в конфликт, объявив войну Германии. Среди американцев распространялись страх и недоверие к немцам, что сильно ударило по бизнесу Стейнвеев, прибыль упала больше, чем в два раза. Через год война закончилась, но в мире началась пандемия Испанской лихорадки, которая продлилась до 1920 года. Прибыль Steinway & Sons продолжила падать, в 1918 году компания заработала всего $128 тысяч чистой прибыли. В попытке реабилитироваться после кризиса в 1919 году компания запустила рекламную кампанию, в которой рояль позиционировался как "социальный символ", "инструмент для бессмертных". Реклама сработала: по словам казначея компании, она стала одной из самых удачных за 20 лет. Сами Стейнвеи тоже остались довольны: "Без сомнения, это была самая эффективная из всех рекламных кампаний, которые мы запускали, так как она не только сделала известными фортепиано и его создателей, но и помогла заложить фундамент широкой национальной культуры", — сказал Чарльз Стейнвей. Главная идея новой кампании заключалась в том, что рояль Steinway & Sons не покупали, в него инвестировали. Он позиционировался не как инструмент для музыкантов, а как символ статуса и предмет гордости. Интерес к компании снова начал расти, но в США наступила Великая Депрессия. Продажи роялей в 1930 году упали на 50% по сравнению с 1929 — Стейнвеи продали всего 2423 инструмента. Тогда Теодор Стейнвей принял рискованное решение: инвестировать почти $417 тысяч в новую рекламную кампанию. На постерах был изображен ребенок, играющий на рояле, а слоган обещал, что игра на инструменте вырабатывает характер, развивает лучшие качества и способствует популярности: Несмотря на амбициозный маркетинговый проект, Steinway & Sons не только не увеличила продажи, но и понесла убытки в размере $128 тысяч — впервые в своей истории. Продажи падали и из-за стоимости инструментов. В то время самое дешевое фортепиано Steinway & Sons стоило $875, а автомобиль Ford — $435, при этом машина лучше демонстрировала социальный статус, чем музыкальный инструмент. В 1931 году фабрику в Нью-Йорке пришлось закрыть и уволить больше тысячи рабочих. В том году компания теряла в среднем по $2000 в день, общие убытки составили $484 355. Через два года президент США Франклин Рузвельт объявил о начале программы восстановления экономики, и спустя несколько месяцев фабрика Steinway & Sons снова открылась, рабочие начали постепенно возвращаться к производству. В 1934 году компания, чтобы повысить продажи инструментов, снизила цены на продукцию, например, рояля Model D с $1700 до $1300, и урезала бюджет на рекламу. В 1935 году в попытке выбраться из кризиса Steinway начала работать над новой моделью рояля Model S. Она была меньше по размеру, чем концертный инструмент, но благодаря новой клавиатуре и средней цене в $885 в следующие годы стала бестселлером. В 1936 году Стейнвеи продали 3620 инструментов, впервые за пять лет компания вышла на прибыль — она составила $68,7 тысячи. Великая Депрессия частично сыграла на руку Стейнвеям. Их конкуренты, Chickering & Sons, Mason & Hamlin и Weber Piano Company, закрывались или объединялись между собой, а Стейнвеи смогли сохранить семейный бизнес. С началом Второй мировой войны американское производство роялей почти прекратилось, так как при изготовлении инструмента использовались сталь, медь, бронза, необходимые для военных нужд. Но Стейнвеи поддержали американскую армию: компания разработала военную модель фортепиано Victory Vertical. Благодаря водостойкому клею, обработке против насекомых и железным, а не медным струнам, инструмент был крепче обычных роялей Steinway & Sons, их использовали на фронте. В годы войны филиал Steinway & Sons в Германии использовал свой запас дерева для производства роялей по приказу нацистов, из этого материала также делали "самолеты"-обманки и кровати для бомбоубежищ. Компания получила особое разрешение на производство ограниченного количества инструментов — немецкое правительство обменивало их на железо со Швецией и Норвегией. Второй кризис: успех Yamaha В послевоенные годы Steinway & Sons лидировала на рынке роялей. Несмотря на рост цен на 10–16%, объем продаж не падал. В 1956 году общая сумма продаж Steinway составила $4,5 млн, а инструменты фирмы использовались на 905 концертах в Нью-Йорке. В 60-х у компании появился сильный конкурент — японская Yamaha, которая в 1966 году уже стала самым крупным производителем роялей и фортепиано в мире и выпускала 100 тысяч клавишных в год. Для сравнения, Стейнвеи выпускали около 6000. В Yamaha по-другому подходили к производству инструментов: фабрики автоматизировались, а размер фортепиано соответствовал требованиям небольших японских домов. К концу 1960-х годов половина всех проданных в США роялей была японского производства. Прибыль Стейнвеев в 1969 году составила $314 тысяч, почти на $584 тысячи меньше, чем в 1968-м. Инструменты продавались лучше, но увеличились расходы — рабочая сила и материалы подорожали на 50%. Чтобы адаптироваться, компания впервые за 116 лет своего существования перестала бесплатно давать инструменты музыкантам. Спустя 69 лет сотрудничества рекламное агентство N.W. Ayer & Son расторгло контракт с Steinway & Son ради нового клиента — Yamaha. В 1971 году прибыль составила $691 тысячу, но к прежним показателям компании вернуться так и не удалось. Дела шли настолько плохо, что в 1972 году Steinway за $26,7 млн купила американская телерадиосеть Columbia Broadcasting System. "Компания дошла до того, что семья стала слишком большой, было задействовано слишком много родственников", — сказал тогда президент компании Генри Стейнвей, правнук основателя. Несмотря на продажу, он оставался в компании — сначала президентом, а потом председателем — до ухода на пенсию. Семье Стейнвеев решение далось непросто. "Сам я по поводу приобретения CBS думаю, что это кровавый позор, но очевидно неизбежный. Некоторые больше заинтересованы в быстром заработке, чем в сохранении традиций четырех поколений. Я чувствую себя невольным директором похорон. Такова, боюсь, жизнь". - Джон Стейнвей, брат Генри, в письме своему племяннику CBS решила влить деньги в новое предприятие, что позволило Steinway & Sons увеличить ежегодные расходы со $100 тысяч до $1–2 млн. В 1974 году компания сконцентрировала производство на больших дорогих роялях и остановила выпуск меньших по размеру моделей. Но цены сильно отличались от Yamaha. В 1974 году в среднем рояли от Steinway & Sons стоили $5453, а от японской фирмы почти втрое дешевле — $1730. К 1980-му году Yamaha становилась все успешнее, а Steinway & Sons все убыточнее: в год японская компания продала более 20 тысяч фортепиано и роялей, а Steinway & Sons — чуть больше 3000. В 1985 году Columbia продала Steinway & Sons группе инвесторов во главе с братьями Джоном и Робертом Бирмингем. По данным NYT, сумма сделки превысила $50 млн. Спустя десять лет Бирмингемы перепродали компанию международному производителю музыкальных инструментов Selmer за $100 млн. В попытке выйти из кризиса в 1991 году Steinway & Sons объявила, что начнет разрабатывать линейку инструментов средней стоимости вместе с японским производителем Kawai, чтобы стать более конкурентоспособными на рынке. Через год инструменты под названием Boston Pianos представили покупателям. Новая модель стала успешной: за первые десять лет компания продала почти 40 тысяч инструментов. Помимо относительно низкой цены и гарантии качества Steinway & Sons Boston делала привлекательной программа "trade-in": при покупке более дорогой модели компания принимала подержанные Boston и делала скидку в размере их стоимости. В 1996-м Steinway Musical Instruments стала публичной компанией, вышла на Нью-Йоркскую биржу и привлекла $67 млн при цене $19 за акцию. В очередной попытке конкурировать с Yamaha в 1997 году Steinway & Sons открыла дочернюю компанию в Токио. Через три года фирма запустила еще одну линейку недорогих инструментов в стиле ар-деко — Essex, созданную совместно с дизайнером мебели Уильямом Фабером. Essex производили в Корее, и из-за банковского кризиса в стране 1998-го года, а также общей экономической обстановки в начале 2000-х модель продавалась не так хорошо, как Boston. Несмотря на это, к 2005 году дела у компании шли успешно: общие продажи инструментов достигли $203 млн, а спрос на рояли превзошел объемы производства. Третий кризис: финансовый кризис 2008 года и адаптация к цифровому миру В 2008 году с экономическим кризисом продажи компании снова упали. В попытках привлечь новых покупателей фирма начала производство эксклюзивных роялей. В 2008 году Steinway продала инструмент "Звук гармонии" стоимостью $1,5 млн китайскому коллекционеру Гуо Чиньцяню: для сравнения, концертный рояль Стейнвей в 2009 году стоил $118 тысяч. На создание рояля "Звук гармонии" ушло четыре года и 40 разных типов дерева (среди различных пород - эбеновое черное дерево, ясень и розовое дерево). Крышка украшена копией картины китайского художника Ши Ци (Shi Qi). Этот рояль считается на сегодняшний день самым дорогим в истории. А вот одним из самых дорогих пианино Steinway & Sons стал инструмент, за которым музыкант Джон Леннон сочинил песню "Imagine", ставшую "визитной карточкой" постбитловского Леннона. В 2000 году это знаменитое пианино было выставлено британским коллекционером на аукцион, и его приобрел Джордж Майкл, предложив 1,67 млн британских фунтов ($2,1 млн). В 2010 году по случаю 70-го дня рождения Дж. Леннона Steinway & Sons представила лимитированную серию роялей "Imagine", имитирующих белый рояль, который участник The Beatles подарил на день рождения своей жене Йоко Оно в 1971 году: Джон Леннон "Imagine" В 2013-м у компании снова сменился владелец, она стала частной и ушла с биржи: ее купил хедж-фонд Paulson & Co за $512 млн. На момент продажи спрос на рояли и фортепиано в США падал уже несколько лет: в 2005 году в стране продали 95 518 инструментов, а в 2015 — всего 33 818. В 2010-х годах компания вышла в цифровую сферу: в 2011 году Steinway & Sons представила приложение Etude для iPad, в котором можно изучать, читать и покупать ноты. В последние годы узнаваемость бренда упала, особенно среди молодого поколения. Чтобы привлечь новую аудиторию, компания начала работать с инфлюенсерами. Например, бренд пригласил известную Instagram-блогерку, австралийку китайского происхождения Джессику Ванг на свою фабрику в Нью-Йорке. В 2020 году, несмотря на пандемию, закрытие магазинов и отмену концертов, Steinway не столкнулась с четвертым кризисом. Энтони Гилрой, представитель компании, заявил, что продажи упали, но не так сильно, как ожидалось. Когда магазины закрыли из-за локдауна, компания впервые за время существования открыла онлайн-магазин и продала в том числе рояли из лимитированных коллекций стоимостью от $250 тысяч. Картинки с выставки Как уже было отмечено, с конца XIX века в компании существует отдел искусства: здесь создаются инструменты ограниченных серий совместно с художниками, дизайнерами или даже компаниями. В 2003 году в честь 150-летия компании Steinway создала рояль с дизайнером Карлом Лагерфельдом, уроженцем Гамбурга. Этот инструмент был выполнен в драматическом сочетании красного и черного цветов: он изготовлен из темно-красного лакированного и матового черного дерева, а ножки выполнены в виде полых прямоугольных рам: В 2011 году музыкант The Beatles Пол Маккартни поучаствовал в реставрации рояля Steinway & Sons 1877 года. Через два года известный американский дизайнер мебели Дакота Джексон создал пианино "Arabesque" из индонезийского макассарового дерева, и оно в 2014 году получило престижную премию в сфере дизайна - Red Dot Awards. Интереснейший рояль в 2017 году был посвящен великому русскому композитору Модесту Мусоргскому и его циклу фортепианных пьес "Картинки с выставки". Идея оформления принадлежала пианисту с титулом Steinway Artist Полу Уайзу. Интересно, что Пол Уайз - не только пианист, но и известный североамериканский художник-портретист (его работы представлены в Национальной Портретной Галерее, в Смитсоновском Институте и в Палате общин Канады). Рояль, посвященный циклу М. Мусоргского "Картинки с выставки". Оформлен пианистом и художником Полом Уайзом Над этим роялем компания работала более 4-х лет, и это первый инструмент Steinway & Sons, посвященный музыкальному произведению. С помощью звучания рояля Steinway и своих картин на нем Уайз приглашает зрителей в многомерное путешествие. Корпус и крышка рояля расписаны маслом, на них изображены образы русской музыкальной истории и фольклора. Уникальные ножки выполнены в виде избушки Бабы Яги. "У этого рояля своя собственная жизнь, - подчеркивает Уайз. - Для меня это попытка понять загадочную русскую душу и все ее грани: сказки, были, историю и увлекательную политику, которые соединяются удивительным и вместе с тем драматическим образом воедино". Черный бриллиант В апреле 2019 года компания Steinway & Sons представила рояль Lang Lang Black Diamond ("Черный бриллиант Лан Лана"). Инструмент был специально создан для американского пианиста-виртуоза китайского происхождения Лан Лана. Работать над дизайном пригласили давнего друга компании - Дакоту Джексона. "Черный бриллиант" получил название за блеск и отражения поверхностей, а также игру бесконечных звуковых возможностей, перекликающуюся с манерой исполнения Лан Лана. Дизайн Black Diamond Lang Lang совмещает в себе элегантность классического черного эбенового дерева и дерева макассар с его насыщенной глубиной. Три тонких силуэта в форме бриллианта - на ножках, крышке и обратной стороне корпуса. Небольшой силуэт бриллианта выгравирован в серебре над клавиатурой. Специальный выпуск Black Diamond ограничен 88 роялями (по числу клавиш) модели B и дополнительными 8 концертными роялями модели D с отделкой из эбенового дерева мaкассар. Все модели оснащены новейшей технологией Spirio R. Lang Lang Black Diamond, Limited Edition, модель B. Модель оснащена новейшей технологией Spirio R Технология Steinway Spirio Что же такое технология Spirio, одним из первых почитателей которой оказался Лан Лан? Не случайно ею оснащена модель его имени. Это инновационная система воспроизведения музыки на фортепиано в высоком разрешении, которая позволяет записывать свою собственную игру и затем воспроизводить ее на том же самом фортепиано. Принципиальное изобретение Spirio состоялось 70 лет назад, но с тех пор эта система постоянно совершенствовалась компанией в соответствии с техническим прогрессом. Деликатный акцент громкости звука, тонкая фразировка, мягкие перепады и громоподобные фортиссимо не представляют никакого труда для Steinway Spirio. Скрытые от глаз детали устройства воспроизведения (это несколько сотен "ключей" к каждой клавише) незаметны при прикосновении или во внешнем облике фортепиано. Это подтверждается тем, что фортепиано с системой Spirio используется, помимо записи, так же, как и любое другое обычное фортепиано - просто для игры на нем. Сегодня система, контролируемая через iPad, создает новые способы взаимодействия с инструментом и наслаждения музыкой. Например, Spirio обладает собственным музыкальным каталогом выступлений великих музыкантов разных жанров, от классики до джаза, в высоком качестве. Причем эта система совмещена с видеозаписью того или иного выступления (такая кропотливая работа по "переводу" видео- и звукозаписи в Spirio занимает несколько месяцев). В итоге во время воспроизведения складывается ощущение - магическое, но вместе с тем даже чуть пугающее, - что специально для владельца "стейнвея" в этом пространстве играют Владимир Горовиц или Телониус Монк. Для управления системой Spirio рояль снабжен iPad, который подключается к нему при помощи беспроводной технологии: Полный каталог выступлений Steinway предоставляется покупателям в комплекте к покупке Steinway Spirio без дополнительных взносов и (впервые в индустрии воспроизведения игры фортепиано) обновляется каждый месяц. Увлекательное и простое в использовании приложение для Steinway Spirio обеспечивает доступ к библиотеке выступлений музыкантов мирового уровня. Редкие виды "Драгоценности короны Steinway" - это серия инструментов с использованием виниров из редких сортов древесины. Фортепиано этой серии уходят от традиций полировки черного эбенового дерева в пользу использования необычных, визуально запоминающихся виниров. Используется палитра ярких цветов и драматических оттенков на тщательно отобранных редких сортах древесины. Компания демонстрирует мастерство специалистов, а клиенты понимают, каким уникальным инструментом они обладают. Древесина для виниров - это индонезийское макассаровое дерево, восточно-индийское розовое дерево, кевазинга бубинга, янтарное дерево, красное дерево, индийское яблоневое дерево. В каждом отдельном случае древесина отбирается и приобретается специалистами Steinway по дереву из надежных источников и обрабатывается экспертами для подготовки производства фортепиано. Тонкость каждого отдельного винира составляет всего лишь 0,5 мм: он на ощупь как тонкая бумага. Перед нанесением винира мастера обеспечивают идеальную стыковку пластин от одного края к другому, включая скошенный угол крышки инструмента. В шоуруме фабрики в Гамбурге выставлены рояли и пианино разных размеров, из разных пород дерева, разной стоимости. Но всех их объединяет прекрасное качество, великолепный звук и то, что сделаны они людьми, искренне любящими свое дело. Чтобы убедиться в этом, можно съездить в гости к Steinway & Sons - там проводят экскурсионные туры. Экскурсия на фабрику Одним из основных принципов Стейнвеев всегда оставалось мастерство. Каждый инструмент собирается вручную из более 12 тысяч элементов. На производство Стейнвеи традиционно брали только профессионалов с опытом, а автоматизировать процессы отказывались, так как считали, что предадут основателя — Генри Стейнвея. Фабрика Steinway & Sons в Гамбурге выглядит так же, как множество других небольших европейских заводов: аккуратные современные здания, автоматические двери, чистота во дворе. Первое, что сообщают гостям предприятия, — что практически все операции по изготовлению роялей и пианино по сей день осуществляются вручную, в основном на традиционном оборудовании. Второе — что все священнодействие вокруг создания инструмента отвечает строгим современным стандартам. Например, в 2009 году компания установила сложную систему кондиционирования и осушения воздуха, работающую от солнечного коллектора стоимостью под миллион долларов. Это не просто "экологический жест", какие в моде сейчас у многих производителей. В производстве музыкальных инструментов баланс влажности воздуха критически важен: цикл изготовления одного рояля занимает около трех лет, и большая часть этого времени уходит на подготовку древесины. Твердый кленовый брус, распиленный вдоль древесных волокон (из него делают собственно корпус инструмента), и брус деревьев редких пород — например, макассара (он идет на отделку), привозится на завод и месяцами выдерживается на складах. В итоге после нескольких проверок в дело идет около 40 процентов клена и около 20 процентов отделочного дерева — остальное бракуется и (чтобы не пропадало зря) идет на отопление завода. Столь же критично относились к сырью и 140 лет назад, когда фабрика только открылась. Специфических условий требуют и остальные этапы превращения древесины в рояль. Брус распиливают на тонкие длинные пластины (составление их из нескольких фрагментов недопустимо — звук от этого "умирает"), которые потом склеиваются натуральным костным клеем в многослойную (до 19 слоев) заготовку. Она, в свою очередь, изгибается в специальном станке с вертикальными тисками. Таких станков на заводе несколько, они практически ровесники самой фабрики. Создание корпуса — важнейший момент процесса: только очень опытный мастер точно знает, сколько положить клея между слоями дерева, чтобы он не чрезмерно пропитал древесину и в то же время распределился равномерно. Излишки клея удаляются ручной шлифовкой, а чтобы мельчайшая пыль не вредила рабочим и инструментам, в цеху работает современное вентиляционное оборудование. Внешний слой корпуса (если рояль не предполагается покрывать черной, белой, красной или иной, по выбору заказчика, эмалью) выполняется из шпона ценных пород дерева: макассара, палисандра, махагони, тиса, светлого дуба, вишни, клена, корня ореха. После нескольких циклов шлифовки поверхность рояля покрывается несколькими слоями лака и тщательно полируется — и с помощью специальных аппаратов, и вручную. В отдельных случаях заказчики желают получить пианино с корпусом, декорированным в технике маркетри (мозаики из деревянных пластин) — стоимость такого уникального инструмента превышает два миллиона долларов. Параллельно в других цехах завода идет обработка металлических рам, на которые натягиваются струны. Их отливают из чугуна (по старинному способу — в песочные формы) в США и морем доставляют в Гамбург. Как и корпусы, рамы изготавливаются шести разных форм — от огромных для концертных роялей, до сравнительно небольших — для кабинетных. Рамы шлифуются, чтобы сровнять рельеф, оставшийся от песочной формы, затем на них наносят антикоррозийное покрытие и промывают. После просушки рамы красят золотой или серебряной краской. Отдельный важный момент — нанесение черной эмали на выпуклый логотип марки. Это делает вручную тонкой кистью специальный мастер. Важнейшая часть рояля — резонансная дека. Конструкция цельного штега резонансной деки стала одним из первых инновационных прорывов Штайнвега, еще в бытность его немецким кустарем, а не американским фабрикантом. Позже конструкцию усовершенствовали и в 1936 году запатентовали. Для деки закупается древесина ситхинской ели (Sitka) из Канады, определенного возраста, с однородными волокнами. Дека — пластина переменной толщины, сужающаяся к краям, позволяющая достичь оптимизации колебаний и максимальной гибкости. Особенность "роялестроения" Стейнвея в том, что ни деку не подгоняют под корпус, ни корпус не строят вокруг деки: тщательно выверенные размеры деталей позволяют идеально, как детали пазла, совмещать их на стадии сборки. Важный момент — установка и отладка клавиш и молоточков. Мастера устанавливают клавиши и проверяют каждую, отлаживая мягкое и в то же время полное соприкосновение молоточка со струной. При необходимости войлочная поверхность молоточка обрабатывается (ворс прижигается на открытом пламени), чтобы ход клавиш был равномерным. Клавиши — одни из немногих деталей, которые поставляются на фабрику сторонним производителем — Kluge Klaviaturen, с которым, впрочем, Steinway & Sons сотрудничает много лет. Ранее клавиши покрывались пластинками слоновой кости, сейчас компания поддерживает кампанию по защите слонов и использует искусственное покрытие. В общей сложности над одним инструментом работает две сотни мастеров разной специализации. Некоторые из них отдали работе в компании 30, 40 и даже 50 лет — их имена выписаны каллиграфическим почерком на табличках в холле фабричного здания. На лестнице, ведущей с нижнего этажа, где строят корпуса и обрабатывают рамы, на второй, где отлаживают молоточки, развешаны фотографии уникальных роялей, созданных Steinway & Sons к определенным датам или в сотрудничестве с известными дизайнерами и компаниями. В их числе — рояль с золоченым корпусом и росписью, подаренный от имени американского народа президенту Рузвельту в 1903 году, в год пятидесятилетия компании. Инструмент долго стоял в Восточном зале Белого дома, ныне выставлен в Музее искусств в Вашингтоне. Рояль Steinway D-274, подаренный американским народом Теодору Рузвельту, 1903 г. Завершающая стадия — настройка инструмента. Звук проверяет специалистка с безупречным музыкальным слухом, работающая в компании много лет. Рояли, одобренные ею, попадают в святая святых фабрики — зал выбора. Равно безупречные инструменты разных предназначений и размеров стоят здесь сверкающими рядами, и только музыкант высочайшего уровня способен оценить едва различимые даже профессиональным ухом нюансы звука и выбрать тот, что подходит именно ему. Steinway & Sons в цифрах: 12 000 - число деталей инструмента; 1 год - средний срок производства рояля; 100 дней - столько рояль "расслабляется" после изготовления (при 29,5 градусов Цельсия и 45% влажности). Компанию Steinway & Sons без преувеличения можно назвать самым знаменитым в мире производителем роялей. На инструментах этой компании играли такие выдающиеся музыканты и композиторы, как Ференц Лист, Сергей Рахманинов, Артур Рубинштейн, Игнаций Падеревский, Джордж Гершвин, Владимир Горовиц, Дюк Эллингтон, Гленн Гульд, Ван Клиберн, Элвис Пресли, Джон Леннон и многие другие. А недавно такой рояль появился у Роберта Паттинсона, самого знаменитого "вампира" современности. Рояли Steinway & Sons с середины XX века фактически стали эталоном в музыкальной индустрии: они участвуют в большинстве крупных фортепианных концертов и студийных звукозаписей. Причиной тому яркость и мощность звучания, рассчитанного на большие залы. Впрочем, любители относятся к "стейнвеям" не менее трепетно, чем профессионалы. А кроме того, свыше 160 консерваторий, колледжей и музыкальных школ в мире укомплектованы инструментами исключительно этой марки. Стоимость их довольно высока: самый обычный серийный рояль стоит около 100 000 евро. Помимо этого, выпускаются специальные лимитированные серии… Страстная увлеченность и преданность своему делу, опыт – вот лишь некоторые из характеристик мастеров Steinway & Sons. Они создают рояли и пианино с большой любовью к деталям, тщательностью исполнения и высочайшим профессионализмом, потому что знают, что эти инструменты призваны наполнять радостью сердца людей во всем мире. Каждый инструмент содержит частичку души каждого мастера. Больше 2000 тысяч музыкантов - это члены большой семьи Steinway & Sons. Концерты лауреатов премии Steinway & Sons предоставляют сцену для талантливых молодых пианистов. И многие фортепианные конкурсы проводятся исключительно на роялях этой компании. Внешний облик, тактильность, благородное звучание, стабильность и многие другие аспекты, которые делают Steinway & Sons настоящим брендом, постоянно совершенствуются. С давних лет используемые технологии изготовления всегда были гарантией бескомпромиссного соблюдения стандартов качества. Следуя богатым традициям и совершенствуя проверенное временем мастерство, специалисты Steinway & Sons постоянно оптимизируют инструменты и внедряют новые технологии. Поскольку только так сегодня и в будущем поддерживается кредо основателя компании Генри Э. Стейнвея: "to build the best piano possible" - "создавать наилучшие фортепиано из возможных". Для клиентов Steinway & Sons это означает, что они всегда получат лучший инструмент, изготовленный в соответствии с новейшими технологическими стандартами, с огромным вниманием к деталям и высочайшим уровнем ноу-хау. По сей день этот чудесный, с многогранными возможностями, инструмент, несмотря на свою молодость, оказывает на все общество огромное воздействие. Почти все великие композиторы творили для фортепиано. И, надо полагать, что с годами его слава только возрастет, и оно все больше и больше будет радовать нас своим волшебным звучанием. РОЯЛИ STEINWAY & SONS ПРЕВРАТЯТ ВАШ ДОМ В КОНЦЕРТНЫЙ ЗАЛ. От автора. Музыка - самый искренний и красноречивый рассказчик. Кто, как не она, наиболее полно и емко расскажет о короле музыкальных инструментов и о непревзойденном мастерстве его создателей. Как говорится, лучше один раз услышать, чем сто раз прочитать... Steinway Artist Лан Лан исполняет "К Элизе" Л. ван Бетховена на рояле "Lang Lang Steinway Black Diamond Limited Edition" ___________________ При подготовке статьи использованы следующие работы: 1. Alexandra Tyan. Steinway & Sons: как производитель роялей пережил три кризиса, борьбу с Yamaha и «позорную» продажу бизнеса [Электронный ресурс] //Vc.ru. - 2021. - 8 марта. - Режим доступа: https://vc.ru/story/216891-steinway-sons-kak-proizvoditel-royaley-perezhil-tri-krizisa-borbu-s-yamaha-i-pozornuyu-prodazhu-biznesa 2. В. Гудкова. Элегантный как рояль: Где и как создаются самые дорогие клавишные инструменты в мире [Электронный ресурс] //«Лента.ру». - 2015. - 05 декабря. - Режим доступа: https://lenta.ru/articles/2015/12/05/steinways/ 3. О. Бугрименко. 88 магических клавиш: внутренние секреты роялей Steinway & Sons [Электронный ресурс] //Стиль жизни. - 2019. - 25 октября. - Режим доступа: https://rg.ru/2019/10/25/88-klavish-sekrety-roialej-steinway-sons.html 4. Официальный сайт Steinway & Sons: https://eu.steinway.com/ru/ 5. Richard K. Lieberman. Steinway and Sons //Yale University Press. - 1997. - 23 сентября. - 384 с.

Музыка – это древняя форма коммуникации, которая присуща всем человеческим культурам. Она не требует от людей наличия вербальных способностей и может быть адаптирована для удовлетворения потребностей и вкусов каждого человека. Это язык искусства, который выходит за рамки слов и говорит общепонятными образами и эмоциями. Речь в этой статье пойдет о детях с аутизмом, при работе с которыми самым трудным является установление контакта между ребенком и окружающей его действительностью. Что такое аутизм? Это расстройство, возникающее вследствие нарушения развития головного мозга и характеризующееся выраженным и всесторонним дефицитом социального взаимодействия и общения, а также ограниченными интересами и повторяющимися действиями. Обычно все указанные признаки начинают проявляться в возрасте до трех лет. Схожие состояния, при которых отмечаются более мягкие признаки и симптомы, относят к расстройствам аутистического спектра (РАС). Причины аутизма тесно связаны с генами, влияющими на созревание синаптических связей в головном мозге, однако генетика заболевания сложна, и в настоящий момент не ясно, что больше влияет на возникновение расстройств аутистического спектра: взаимодействие множества генов либо редко возникающие мутации. Общие симптомы: Нарушение речи; Отсутствие эмоционального контакта с людьми; Проблемы в социализации; Приступы агрессии; Слабый интерес к игрушкам; Стереотипность поведения, боязнь перемен. Аутизм впервые был описан в 1943 году австрийским и американским психиатром, одним из основателей детской психиатрии Лео Каннером (1894–1981), который составил основные диагностические критерии аутизма. Тогда еще, к сожалению, не обратили внимания на то, что он отмечал поразительные музыкальные навыки у детей с аутизмом, особенно их способность запоминать чрезвычайно сложную музыку. Нужно подчеркнуть, что за последние 20 лет распространенность аутизма изменилась. Теперь мы видим гораздо больше людей, у которых диагностирован высокофункциональный аутизм (это понятие также часто объединяют с синдромом Аспергера). Согласно статистике ВОЗ, аутизм есть у каждого 160-го ребенка в мире. В Украине детей с РАС насчитывают более семи тысяч. Следует отметить, что аутизм — это не болезнь и не умственная отсталость. В настоящее время в науке доминирует мнение о том, что аутизм появляется из-за генетических причин, а значит, есть у ребенка с самого рождения. Поэтому корректно называть аутизм не болезнью, а расстройством развития. Среди людей с аутизмом уровень интеллекта варьируется так же, как и у нейротипичных — индивидуально. Кто-то может решать сложные математические задачи и иметь феноменальную память, а есть люди со средними способностями. Людям с аутизмом необходимо больше времени и усилий, чтобы раскрыть свой потенциал, потому что их нервная система постоянно перегружена. Таким образом, аутизм - это не патология, а часть нейроразнообразия. У нас нервные системы с разным уровнем чувствительности, наш мозг по-разному функционирует. Это так же нормально, как разный цвет глаз и кожи. Сегодня мы видим все больше и больше профессиональных музыкантов с диагнозом "аутизм", исполняющих музыку на высоком уровне. Зачем аутичным людям нужна музыкальная терапия? Музыка настолько многогранна, что можно подобрать тип музыки, подходящий любому человеку. Музыка – это творческая среда, которая позволяет детям безопасно исследовать новое и быть спонтанными, та волшебная палочка, которая способна исцелить душу. Известно, что такие особенные детки лучше находят контакт с простыми предметами, чем с людьми, поэтому они отлично найдут контакт с музыкальными инструментами. Знакомство с миром при помощи музыки вызывает живой отклик в их душах. Как известно, музыкальная терапия — это психотерапевтическое направление, основанное на лечебном воздействии музыки на психологическое состояние человека. В природе все подчинено определенным внутренним ритмам, и только психика человека неритмична. В этом смысле музыка помогает человеку придать ритм и гармонию собственной психической жизни. Музыка и аутизм — это очень интересная тема. В аутизме ученые часто исследуют проблемы с социальной коммуникацией, навязчивые мысли и поведение, ригидность (отсутствие реакции на стимулы), проблемы с сенсорным восприятием. Если мы изучим понимание музыки при аутизме, мы сможем получить более полное представление о том, как люди с аутизмом функционируют и развиваются, узнать их эмоциональные особенности и эстетические предпочтения. Взаимодействуя со взрослыми и детьми с расстройствами аутистического спектра, терапевт помогает им приобрести некоторый музыкальный опыт, снизить уровень тревожности и даже развить новые коммуникативные навыки. Известно, что музыка у детей с аутизмом снимает раздражение, стимулирует интеллектуальное развитие, обостряет внимание, развивает память и речь. Музыкальная терапия способствует образованию новых нейронных связей в мозге. Важно отметить, что музыкальная терапия - это не то же самое, что обучение музыке. Если вашей целью является построение у ребенка вокальных навыков или навыков игры на музыкальных инструментах, тогда вам необходимо найти соответствующего педагога вместо или в дополнение к музыкальному терапевту. Музыкальный терапевт индивидуально подбирает такой музыкальный опыт, который вызывает отклик у конкретного человека, что содействует установлению личных связей и укреплению доверия. Что делает музыкальный терапевт для аутичных людей? После оценки сильных сторон и потребностей каждого человека музыкальные терапевты приступают к разработке плана лечения с определенными целями и задачами, а затем предоставляют соответствующее лечение. Они работают с клиентами как в индивидуальном порядке, так и в небольших группах, используя различные музыкальные инструменты, стили музыки и методику. Согласно данным Национального Общества Аутизма (Великобритания), музыкальные терапевты могут: • полагаться на спонтанную музыкальную импровизацию. Терапевт использует ударные или настраиваемые музыкальные инструменты, а также собственный голос для того, чтобы творчески реагировать на звуки, производимые клиентом, и поощрять их к созданию собственного музыкального языка. Цель состоит в том, чтобы добиться такого звукового контекста, в котором ученик чувствует себя комфортно и уверенно, чтобы выразить себя, чтобы испытать более широкий спектр эмоций и почувствовать, что такое двустороннее общение; • использовать простые песни, музыкальные произведения или стили в соответствии с настроением, клиническими потребностями и уровнем развития клиента в конкретный момент времени. Музыку в качестве терапии не следует помещать в стандартные терапевтические рамки, она даже не требует использования слов. Хороший специалист также должен быть способен разработать такие стратегии, которые могут быть реализованы в домашних условиях или в школе. Известно, что люди с аутизмом очень чувствительны к эмоциям в музыке, а их мозг похоже обрабатывает музыкальную информацию. Искусство помогает им с межличностным взаимодействием, языком, пониманием эмоций. Восприятие музыки при аутизме очень разнообразно, и нельзя сказать, что оно как-то отличается от восприятия музыки нейротипичными людьми. Мы знаем, что люди с аутизмом очень хорошо распознают гнев в музыке, но хуже — в выражениях лиц и голосе. Более того, им трудно распознать гнев у самих себя. Даже если они понимают, что возбуждены эмоционально, и могут сказать: "Меня оскорбили" или "Я видел, как кто-то плохо себя повел", — они не смогут связать это с гневом как эмоцией. Это расстройство называется "алекситимия", оно очень распространено при аутизме. В мире существует несколько видов занятий музыкой. Самые распространенные занятия: • Пассивное - основывается на прослушивании различных звуков и музыкальных фрагментов. • Активное – когда ученик совместно музицирует или поет. Также применяется ритмика, то есть практические занятия, в ходе которых музыкальные образы передаются при помощи движений. В процессе выполнения специальных упражнений дети учатся воспринимать музыку и выражать полученные эмоции телом. Музыка поможет также немного уравновесить гиперактивность ребенка, ведь ему иногда не хватает сдержанности. Нужно помнить, что для одного ребенка это может быть в радость, а для другого противопоказано. Например, ни в коем случае музыку нельзя применять для детей с судорожными синдромами или при резкой возбудимости. Занятия музыкой позитивно влияют не только на людей с аутизмом, а также с синдромом Дауна, задержкой психического развития, умственной отсталостью, задержкой речевого развития, ДЦП. Применять ее нужно крайне осторожно. Надо, если есть возможность, помочь родителям особых детей найти музыкального терапевта, реабилитолога, специального педагога, работающего с особыми детьми, психолога, учителя музыки — желательно, рядом со своим домом, в своем городе. Родители точно знают, как непросто бывает порой достучаться до такого ребенка. С детства аутисты, а также дети с другими похожими диагнозами, довольно часто замыкаются в себе, и для них перестает существовать внешний мир. Они боятся всего и не осознают, что они и есть часть этого мира. Правильная подборка музыки подтолкнет к борьбе со скованностью, активизирует умственную деятельность, заставит поверить в лучшее. Лечебная музыка часто используется как дополнительная реабилитация особенных детей в домашних и медицинских условиях. Например, ученые выяснили, что музыка И.-С. Баха, В.-А. Моцарта, Ф. Шопена и др. помогает в развитии речи, слуха, голоса и памяти, в снятии стресса, которую также можно применять вместе с медиа – видеопроектированием, с прекрасными пейзажами природы, журчанием воды, со звуками птиц, насекомых, животных, в релаксовом помещении, где можно принять лежачее положение, чтобы расслабиться. Также можно использовать ароматерапию. Преподаватель музыки И. Бабич, работающая в Центре психолого-медико-социального сопровождения детей и подростков (г. Москва, Россия), предлагает использовать на уроках следующие музыкальные произведения классического репертуара, распределенные в соответствии с эмоциональными состояниями, которые они вызывают: Для ребенка, если напевать ему красивую мелодичную песенку или постараться приобщить его к классической музыке, это очень быстро перерастет в замечательную привычку. С талантливым особенным ребенком предстоит много работы, и тогда результат будет иметь ценность. Учитель, который обучает таких детей, должен уметь ими управлять. Важно - быть осторожным с талантом, не обидеть замечанием. Взаимоотношения один на один Большинство детей с аутизмом постоянно отгорожены, прячутся за молчание, неподвижность, вспышки раздражения или избегают всего и вся. Также они часто удачно манипулируют окружающими и уходят в свой собственный мир навязчивых идей, ритуалов, одиночества и несообразностей. Их поведение, вероятно, вызвано тревогой и страхом перед окружающим миром, который приводит их в замешательство и с которым они не способны наладить коммуникацию, найти точки соприкосновения. В мире же музыки ребенок с аутизмом может чувствовать себя в безопасности и временами действовать так, как любой обычный ребенок: ... 12-летний мальчик с аутизмом и абсолютной глухотой. Музыкальный терапевт укладывает его голову на корпус виолончели, так чтобы он касался инструмента подбородком и шеей. Затем начинает медленно водить смычком по струнам. При этом звуковые волны передаются не через барабанную перепонку, а через кости черепа непосредственно во внутреннее ухо. Мальчик впервые в своей жизни слышит музыку! Другой пример: 4-летний мальчик с аутизмом ни разу в своей жизни не использовал слова для общения. Он указывает на какие-либо объекты, чтобы выразить свои потребности. Его музыкальный терапевт в процессе занятия напевает песенку "Happy Trails" ("Счастливые тропинки"). Все это сопровождается невербальной пантомимой с изображением скачущей лошади с характерной имитацией цоканья копыт при помощи языка. На первый взгляд - довольно бестолковое занятие, которое с трудом можно отнести к лечению детей с аутизмом. Однако после нескольких таких занятий малыш просит снова поиграть в эту игру, причем не с помощью жестов, а издав какой-то неопределенный звук. Учителя и помощники воспринимают это с нескрываемым восторгом: это первые звуки, которые четырехлетний мальчик произнес в своей жизни. Месяц спустя мальчик сказал: "Один, два, три" и произнес "играть мяч", выразив таким образом просьбу спеть другую понравившуюся ему песню. Такие дни в школе, где в качестве преподавателей работают музыканты, считаются удачными, ведь удалось добиться того, что было не под силу обычным врачам: открыть глаза, уши и умы детей, которые до сих пор были закрыты к окружающему миру. "Для людей, страдающих аутизмом, мир является хаотичным местом, подавляющим все уровни восприятия информации", - говорит Джон Фоли, американский музыкальный терапевт. "Музыка имеет определенную форму для восприятия, хотя мы это не всегда осознаем и специально осмысливаем. Для детей с аутизмом эта форма восприятия иногда бывает чуть ли не единственным приемлемым вариантом для контактов с окружающим миром, и подобные занятия необходимо использовать сразу же после установления диагноза аутизма". Ученые могут скептически относиться к этой методике реабилитации и обучения детей-аутистов, но родители таких детей рассказывают истории, в которые даже трудно поверить. Выводы однозначны: музыкальная терапия является эффективным методом в работе с детьми-аутистами. Есть несколько теорий о том, почему люди с аутизмом особенно позитивно реагируют на музыку. Одна из них говорит о том, что музыка дополняет их познавательные тенденции, а именно: склонность к созданию абстрактных моделей. Творчество для людей с ограниченными возможностями - это способ духовной самореализации посредством чувственно-выразительных средств (звука, голоса, движения тела и так далее). Они в своём творчестве стремятся выразить своё восприятие мира. Например, литовское творческое общество "Губоя" создало в 1998 году национальный оркестр "Цветная музыка". Основу оркестра составляют люди с аутизмом, а также с синдромом Дауна, задержкой психического развития, умственной отсталостью, задержкой речевого развития, ДЦП, из разных регионов Литвы (Вильнюс, Шяуляй, Клайпеда и др.). Их сопровождают молодые инвалиды со зрением, комплексными и другими диагнозами и нарушениями, а также профессиональные учителя в области музыки. С самого начала руководитель оркестра — дирижер Ромуальдас Брузга, известный специалист по музыкальному воспитанию инвалидов и профессиональный музыкант. Оркестр работает по передовой методике "раскраски цвета" — вместо обычных нот используются цветные знаки, которые помогают музыканту с особенностями развития быстрее научиться играть. Это единственный подобный музыкальный ансамбль в Литве. Основная цель команды — изменить отношение общества к инвалидам, представив их как активных, равноправных членов сообщества — творцов, путем развития художественной и творческой деятельности и сотрудничества. Оркестр ежегодно готовит новые музыкальные программы и представляет их в стране и за рубежом. В 2008 году деятельность оркестра получила международное признание: он выиграл национальный конкурс „Handinnov Europe 2008“ во Франции. А в 2015 году на праздничном мероприятии LTV для инвалидов "Разрушение стен" оркестр завоевал лавры в номинации "За достижения в искусстве". В 2013 году в Москве был создан оркестр "Солнечные нотки" силами детского музыкального педагога – Татьяны Ореховой. Татьяна Николаевна – мама девочки с синдромом Дауна, солнечной девочки. Мама не только нашла силы и время для занятий музыкой с ребятами с особенностями ментального развития, но и при поддержке семьи и друзей привлекла к работе с оркестром педагогов-единомышленников. Теперь в инклюзивном оркестре "Солнечные нотки" дети и подростки с ментальными нарушениями занимаются музыкой. Они осваивают нотную грамоту, учатся играть на фортепиано, саксофоне, кларнете, блок-флейте, ударных, занимаются сольфеджио. С 2015 года инклюзивный оркестр выступает на «большой» сцене; является лауреатом Московских городских и международных конкурсов инструментальной музыки, обладателем Гран-при XXI Открытого фестиваля инструментального исполнительского мастерства "Музыка XX-XXI века “На Вадковском”. Солисты оркестра неоднократно были участниками Всемирного специального музыкального фестиваля в Пхенчхане (Корея). Оркестр успешно гастролирует не только по России, но и за ее пределами. Музыкальные достижения воспитанников были по достоинству оценены зрителями, пришедшими на концерт в Вильнюсе (Литва), Кишиневе (Молдова), Ростоке и Гамбурге (ФРГ), Страсбурге и Париже (Франция). Проект Kids Autism Music (г. Киев, Украина) Как возникла идея создания проекта Kids Autism Music в Украине? В 2017 году участники "Kot Agency Group", благотворительная организация "Sport for peace" и МОО Фонд помощи детям с синдромом аутизма "Ребенок с будущим" решили поэкспериментировать и сделать джазовый концерт для детей с аутизмом. Цель данного проекта – развивать способности таких детей и помогать им в поисках новых друзей, способствовать адаптации к социуму, а также делать общество более открытым и толерантным. Реакция юных слушателей приятно удивила организаторов: агрессивно настроенные дети превратились в спокойных и внимательных, а пассивные в активных. Джазовый концерт длился около часа, все внимательно слушали, а после завершения программы проявили интерес к музыкальным инструментам. Презентовали программу на уникальном инклюзивном концерте джазового пианиста Алексея Боголюбова в рамках международного фестиваля "Парк искусств", который состоялся накануне. "Многие исследования показали: во время игры на музыкальном инструменте, или даже в процессе серьезного прослушивания музыки, человек задействует все методы осязания мира, одновременно работает левое и правое полушарие мозга, полностью задействована как физическая, так и умственная и эмоциональная активность, — говорит музыкант и педагог Алексей Боголюбов. — Для меня разные стили музыки также ассоциируются с разными чертами человеческого характера, а соответственно с разным воздействием на человека. Например, классическую музыку я воспринимаю как самое настоящее лекарство. Джаз, в моем понимании, отвечает за интеллект". С тех пор команда пыталась найти любую возможность, чтобы подарить детям уроки музыки. Как проходит обучение Детки один раз в неделю занимаются с профессиональными педагогами – представителями Киевского института музыки имени Р. Глиэра и консерватории. Сначала детей обучают азам фортепиано индивидуально и в группах. Впоследствии педагоги вводят различные инструменты, чтобы найди подход к каждому и развивать навыки в зависимости от заинтересованности и природных способностей каждого ребенка, и обязательно – посещение живого концерта. Каждый ребенок получает индивидуальный план обучения, а также обязательные задания по прослушиванию музыки. Музыкальная программа разнообразна: от классики до современной поп-музыки. Первую пилотную группу составили 12 детей возрастом от 5 до 12 лет. В дальнейшем организаторы планируют увеличить набор, и другие дети также смогут присоединяться к проекту. “Наша главная задача – развить способности и социализировать особых детей с помощью звуков и музыки”. - Наталия Мартиашвили, соорганизатор проекта "Мы очень ждали этого проект, ведь прослушивания состоялись год назад. Во время отбора нам предлагали подыгрывать музыканту на маракасах. А после прослушивания позволили прикоснуться к инструментам и даже попробовать на них поиграть. Мой сын был просто в восторге. Я очень надеюсь, что этот проект раскроет его музыкальные способности", – рассказывает Светлана, мама ребенка, который занимается в музыкальной группе. Two Violins Band ― это украинский коллектив, созданный в 2012 году на базе класса педагога Андрея Малахова (скрипка). Он совершил ряд грандиозных музыкальных и художественных проектов в США, Японии, Южной Корее, Аргентине, Великобритании, Европе, Украине. Совместно с Kids Autism Music & Art этот коллектив провел концерт для особенных детей, а после выступления маленькие слушатели имели возможность поиграть на музыкальных инструментах. Таким образом организаторы проекта хотят привлечь внимание общества и родителей особых детей к мощному воздействию музыки, которая способна изменить жизнь каждого к лучшему. Как сказала всемирно известная женщина с аутизмом, американская ученая и писательница, профессор Тэмпл Грандин: "Для развития дети должны сталкиваться со множеством вещей. Ребенок никогда не узнает, что ему нравится играть на музыкальном инструменте, если вы никогда ему этого не предложите…" Аутизм и одаренность связаны между собой. Психологи давно уже говорят о связи между одаренностью и аутизмом у детей. Американский психолог Джоан Руфсац и ее дочь, журналист и социолог Кимберли Стивенс решили доказать, что это не миф. Толчком к этому послужили исследования музыкальных савантов. Синдром саванта, иногда сокращенно называемый савантизм (от фр. savant — "ученый") — редкое состояние, при котором лица с отклонением в развитии (в том числе аутистического спектра) имеют "остров гениальности" — выдающиеся способности в одной или нескольких областях знаний, контрастирующие с общей ограниченностью личности. Феномен может быть обусловлен генетически или же приобретен. Встречается довольно редко и обычно является вторичным явлением, сопровождающим некоторые формы нарушений развития, например синдром Аспергера. В особо редких случаях может быть одним из последствий черепно-мозговой травмы или заболевания, затрагивающего головной мозг. Общая для всех савантов интеллектуальная особенность — феноменальная память. Специализированные области, в которых чаще всего проявляются способности савантов: музыка, изобразительное искусство, арифметические вычисления, календарные расчеты, картография, построение сложных трехмерных моделей. Музыкальные саванты — это люди, у которых необычайно развиты музыкальные способности, но часто нарушены интеллектуальные и языковые. Они потрясающе определяют высоту тона, у них необычайная музыкальная память, гибкость и креативность. Также мы видим и более неожиданные навыки: например, они иногда пишут музыку, много импровизируют. В своей работе психолог и социолог опираются на исследования видных генетиков, нейробиологов и таких известных исследователей аутизма, как Ганс Аспергер. Взаимосвязь между способностями вундеркиндов и состоянием аутизма авторы работы пока считают неочевидной, поясняя, что она "требует дополнительной синхронизации". Но Руфсац и Стивенс полагают, что данная взаимосвязь может иметь генетическое происхождение. Исследователи приводят в пример историю мальчика по имени Журден, у которого в год врачи констатировали абсолютный слух, а в 9 лет он оказался пациентом лаборатории в Колд-Спринг-Харбор (США), занимающейся исследованиями в области нейробиологии, геномики и биоинформатики. Другой мальчик Яков в возрасте 3-х лет слушал лекции по астрономии, практически сразу после этого у него был диагностирован аутизм, а в 11 лет он успешно поступил в колледж. По словам Руфсац и Стивенс, многие симптомы аутизма очень похожи на симптомы одаренности, к примеру, экстраординарная память и атипичная эмпатия. Сейчас ученые намерены выпустить книгу со своими заключениями. Музыкальные терапевты о своей работе Хавьер Донлукас Пелайо Хавьер Донлукас Пелайо более десяти лет учит игре на фортепиано детей с расстройствами спектра аутизма. В последнее время он работает с детьми во Львове (Украина). Нарисованная музыка До – красная, ре – оранжевая, ми – желтая, фа – зеленая, соль – голубая, ля – синяя, си – фиолетовая. Семь нот – семь цветов радуги, только пять горизонтальных линий нотного стана – черные. Клавиши фортепиано тоже не белые – на каждой есть наклейка соответствующего цвета. Музыкант Хавьер Пелайо – автор уникальной методики, которая помогает детям освоить игру на музыкальных инструментах. Хавьер – мексиканец, но в течение последних нескольких лет живет во Львове и работает в альтернативной музыкальной школе Muzcool. "Я хочу, чтобы занятия развивали мелкую моторику и речь, чтобы дети чувствовали классическую музыку и научились читать ноты, поэтому на черно-белых клавишах фортепиано появились наклейки всех цветов радуги, – рассказывает он. – Нота «до», как и первый цвет радуги – красная". Хавьер работает также со слабовидящими и слепыми, с детьми с синдромом Дауна. В прошлом году вышло его пособие «Методика обучения игре на фортепиано». Сверху каждой страницы – цветные клавиши фортепиано, под ними – соответствующего цвета ноты. Сбоку нарисована ладошка, каждый палец которой имеет свой номер. Простые мелодии можно исполнять даже одним пальцем. Хавьер Пелайо раскладывает альбомные листы, на которые "перенесена" музыка в виде разноцветных линий со стрелками – это ноты, и геометрических фигур – это паузы. Он говорит, что такая методика помогает читать ноты не только детям с различными заболеваниями, но и упрощает обучение на струнных инструментах – скрипке, альте, виолончели. Стрелки указывают направление движения смычка. На видео виолончелистка исполняет Баха. Каждую ноту Хавьер показывает на схеме, и музыка приобретает цвет. Сейчас Хавьер работает с детьми от трех до 17 лет. Главное требование – это желание учиться, а еще ответственное отношение к домашним заданиям и участие родителей в учебном процессе. Единственное, чего Хавьер не допускает – это агрессивное поведение в классе. Занятие длится час и подчиняется определенным правилам. Детки смотрят видеоролики с популярными песнями, с помощью цветных линий и геометрических фигур разбирают и изучают мелодии. Часто за основу Хавьер берет украинские народные и современные популярные песни, чтобы дети идентифицировали себя с украинским языком и культурой. Адам Окельфорд "Музыканты с аутизмом предпочитают Баха... Каждый двадцатый человек с аутизмом мог бы стать выдающимся музыкантом", - говорит известный британский музыкальный терапевт Адам Окельфорд. Вот уже 40 лет он обучает детей с особенностями игре на фортепиано. Адам Окельфорд, профессор музыки Университета Рохэмптон (University of Roehampton), работает в Центре прикладных исследований в области музыки. Он основатель благотворительной организации AMBER-Trust и председатель правления благотворительной организации Soundabout. Профессор говорит: "Среди обычных людей – с абсолютным слухом (способностью узнавать любую ноту, не сравнивая ее с другими нотами) один из 10 000. Среди людей с аутизмом – один из 20. Некоторые дети в спектре аутизма склонны воспринимать любые повседневные звуки как музыку. Когда такой ребенок слышит проезжающую машину, он легко определяет высоту звука мотора, но не реагирует на звук как на сигнал уйти с дороги. Ребенок интересуется собственно звуком, не соотнося его с каким бы то ни было функциональным значением. Смысл музыки для ребенка с аутизмом – в закономерности ее звуков. Для него захватывающим является именно то, как звуки связаны между собой... Многие аутичные дети часто повторяют слова. Это происходит потому, что в их мозге язык структурируется как музыка, а музыка основана на повторении, объясняет он. Но, если раньше эхолалия (автоматическое повторение слов, услышанных в чужой речи) воспринималась как проблема, которую необходимо устранить, то сейчас ее считают определенной стадией в развитии ребенка. Даже нормотипичные дети используют повторение, чтобы построить взаимодействие. А дети с аутизмом, постоянно повторяя музыкальные фрагменты, задают последовательность событий в своем мозге... Музыка помогает детям с аутизмом развивать понимание причинно-следственных связей", - считает профессор. Есть ли разница в подходах при обучении детей с аутизмом и другими диагнозами? "Есть общие методы, которые применяются при обучении всех детей, — говорит Адам Окельфорд. — Один из них заключается в том, чтобы избегать лишних разговоров. Золотое правило любого учителя — это заткнуться и заниматься музыкой. Были проведены исследования, показавшие, что 80% урока музыки в школе обычно занимают разговоры. Каким бы ни было состояние ребенка, музыка должна составлять 95% урока. Есть и специальные приемы. Например, если ребенок незрячий, нужно физически направлять его, чтобы показать, как правильно держать руку, каким должно быть положение пальцев. Иногда детям с аутизмом сложно копировать действия учителя, и их руки нужно направлять точно так же, чтобы они использовали инструмент оптимально". Профессор не отказывается от использования традиционных гамм и упражнений, тем более что аутичные дети как раз очень любят гаммы. Но при этом он старается быть максимально гибким, присматриваясь к настроению ребенка. "Гибкость – это лучшее, что можно порекомендовать преподавателям". Дерек Паравичини – савант, самый известный из учеников Адама Окельфорда. Он незрячий, при этом у него серьезная форма аутизма. ... Так случилось, что Дерек родился на 3,5 месяца раньше положенного срока, и ему пришлось бороться за свою жизнь, отвоевывая ее кусочек за кусочком.... Жизнь взломала его, отобрав зрение и возможность нормального общения. Но Дерек сам взломал ее, превратив окружающий мир в океан звуков. Все началось с няни, которая поняла, что слепому ребенку важно слышать, что происходит вокруг. И именно она уговорила родителей дать Дереку детское пианино, завалявшееся на чердаке. Он никогда не видел, как играют на пианино, а потому молотил по клавишам ребром ладони, а там, куда не могли дотянуться крошечные пальчики, использовал и локти. В итоге уже в два года он сыграл свою первую мелодию. Его никто не учил. Он научился сам. Тогда родители решили все же показать своего необычного сына специалистам и отвезли его в лондонскую школу для слепых, где нашелся для него учитель, который и по сей день сопровождает своего воспитанника на гастролях. Дереку было 4,5 года, когда Окельфорд начал с ним заниматься. "Сначала он не хотел подпускать меня к своему инструменту. Но я должен был привить ему технику. В течение десяти лет мы работали с ним каждый день. Сейчас игра и выступления — главное в его жизни. Именно через музыку он реализовался в обществе", — говорит педагог. В 10 лет Дерек стал признанным пианистом и в этом возрасте уже выступал вместе с Королевским филармоническим поп-оркестром. В дальнейшем последовали многочисленные появления на телевидении – в Великобритании и за границей, выступления с концертами по всему миру. В 2006 году вышел первый альбом Дерека Паравичини – Echoes of the Sounds (Эхо звуков). В 2011 он импровизировал на двух пианино с композитором Мэтью Кингом, что вылилось в фортепианный концерт Вlue – первое произведение такого рода, сочиненное для человека с умственной отсталостью. Теперь Дерека Паравичини называют одним из величайших джазовых музыкантов современности. Все, что у него есть, – это уникальный абсолютный слух. Он способен распознать 20 нот в аккорде (средний музыкант – пять), повторить любую мелодию, которую когда-либо слышал, и не просто повторить, а внести в нее нечто свое. При этом не может сам одеться, умыться, не знает, где право, где лево. В голове Дерека – огромная фонотека, там хранится все, что он слышал когда-либо на протяжении своей жизни. Он живет в мире звуков, которые воспринимает совсем не так, как обычные люди. Нельзя сказать, что музыка для него все. Для него все – музыка. Любой звук – шум, стук, скрип – Дерек воспринимает как музыкальный. У Дерека очень необычный дар, из-под клавиш его пианино на волю вырывается магия. Дерек Паравичини исполняет "Турецкий марш" В.-А. Моцарта в джазовой обработке Действительно ли музыка может помочь детям с аутизмом? Люди реагируют на музыку эмоционально. У людей с аутизмом завышена эмпатия, из-за чего они способны услышать то, что большинство из нас не слышит. Исследования подтверждают, что в случае с детьми, именно пение может помочь им развить речь и компенсировать дефицит общения. Мелодичные и ритмичные паттерны позволяют ученикам с аутизмом систематизировать слуховую информацию и помогают запоминать сценарии, последовательности задач и учебную программу. Также музыка может помочь установить социальные и семейные связи с помощью общего интереса. Результаты исследований музыкальной терапии показывают, что люди с аутизмом могут демонстрировать хорошие или даже отличные способности, по сравнению с обычными сверстниками. Наиболее убедительные доказательства, подтверждающие клинические преимущества музыкальной терапии, лежат в областях социально-эмоциональной отзывчивости и общения. У учащихся с аутизмом наблюдается повышенное послушание, они пытаются четко придерживаться всех советов, снижается тревожность и усиливается аргументированность утверждений. Нам нужно осознавать, что проявления аутизма очень разнообразны. Мы можем встретить профессоров математики с аутизмом, которые работают в престижных университетах, а можем столкнуться с людьми, которые не владеют языком и интеллектуально работают на невысоком уровне. Нам нужно быть осторожными с обобщениями. Но, основываясь на научных данных, которые получены от более способных людей с аутизмом, можно сказать, что они слушают музыку очень типично. Доктор Стивен Шор и его книга Доктор Стивен Шор — профессор в Университете Адельфи в США, всемирно признанный эксперт по проблемам аутизма. В детстве ему поставили диагноз — синдром Аспергера и аутизм. Его книга "За стеной. Личный опыт: аутизм и синдром Аспергера" изменила представления многих людей в мире об этом расстройстве. Здесь приведены выдержки из этой книги: Детство "Ходить я начал в 10 месяцев. Вскоре после этого родители стали замечать, что я нередко кружусь на одном месте, засунув палец в ухо. Особое удовольствие доставляли мне крутящиеся и вращающиеся элементы оборудования детских площадок. Больше всего я полюбил четырехместную карусель, которая крутилась наподобие лопастей вертолета, если сидящий на ней ребенок тянул и нажимал на педали и рукоятки. Видимо, я нуждался в стимуляции вестибулярного аппарата. Я и сегодня испытываю особую тягу к вращающимся предметам". "...На втором году жизни я не реагировал на яркий свет, не обращал внимания на цвет предметов и необычные звуки, не поднимал ручки вверх, чтобы взрослые взяли меня на руки, и подолгу раскачивался в своей кроватке. Создается впечатление, что окружающие не могли достучаться до меня. Меня нелегко было взять на руки, поскольку я был крайне неподатлив, и держать меня было неудобно. ...Несмотря на кажущуюся глухоту, я реагировал на низкие звуки. Следует заметить, что и сейчас, будучи взрослым, я получаю удовольствие от низких звуков. Несмотря на проблемы с мелкой моторикой, я был на редкость ловок. И наконец, я нередко использовал необычный тембр голоса, имитируя собеседника и путая местоимения". "Стрижка волос всегда была серьезным испытанием. Было больно. Чтобы успокоить меня, родители говорили, что волосы не живые и не чувствуют боли. А я не мог объяснить им, что дискомфорт вызван прикосновением к коже головы". Начальная школа "Я обладаю повышенной чувствительностью к звукам. В школе мои одноклассники развлекались тем, что как можно тише звали меня по имени, проверяя, откликнусь ли я. Я откликался с другого конца класса, а нередко даже из соседнего кабинета. Как-то раз учитель проделал нечто подобное. Стоя у меня за спиной, он едва слышно прошептал мое имя. Но я почувствовал, что за мной кто-то стоит, и оглянулся. Это вызвало взрыв смеха у всего класса, включая учителя. Средняя школа "В седьмом и восьмом классе я ближе познакомился с социальными педагогами нашей школы... Социальные педагоги были интересными людьми, с ними можно было общаться без особых затей, причем они всегда были готовы поговорить про чувства и эмоции. Поэтому впоследствии я нередко отпрашивался с урока испанского языка для того, чтобы побывать в кабинете у социального педагога". "Творческие задания давались мне особенно тяжело. К девятому классу я прочно застрял на четверке с минусом за любое задание по литературе. Хотя я любил читать, понимание текста оставалось моим слабым местом. Так, например, меня буквально подавляла необходимость интерпретации и анализа таких произведений, как "Король Лир" или "Повесть о двух городах". За исключением крайне длинного вступительного параграфа последней из этих книг о самом прекрасном и самом злосчастном времени и упоминания о короле с тяжелой челюстью, мне была недоступна расшифровка истинного значения, скрытого за словами или между строчками. ...Кроме этого, я всегда опасался поэзии, да и до сих пор не избавился от этого страха. Я не в состоянии добраться до глубинного смысла, скрывающегося за обыкновенными словами. Временами стихи вызывают у меня ощущения, схожие с сигналами, поступающими от органов чувств. Однако мне слишком сложно описать эти ощущения словами". Учеба в институте "В институте я наконец-то оказался среди людей, оценивших меня как человека, вместо того, чтобы смеяться над моими отличиями от окружающих. В последних классах школы и во время обучения в институте мое увлечение велосипедами помогло мне найти работу в магазине велотоваров. В результате я оказался в состоянии хотя бы частично оплатить собственное обучение". "Я конспектировал лекции в формате, предусматривавшем несколько уровней записи, с использованием до шести ручек разного цвета. Основную идею я записывал черным цветом, различные разделы одной и той же темы красным, подразделы зеленым, а дальнейшие объяснения синим. Форматирование текста с разной величиной отступа в сочетании с использованием чернил разных цветов помогало мне систематизировать и запомнить ключевые моменты каждого занятия". Отношения с другими людьми "Меня всегда интересовал вопрос, где проходит граница между приятельскими отношениями и дружбой, с одной стороны, и тем моментом, когда парень и девушка становятся "парочкой". Я задавал этот вопрос заслуживающим доверия знакомым, но так и не получил исчерпывающего ответа. В результате мне пришлось рассчитывать на то, что в отношениях со мной эту границу будут пересекать мои партнерши, а не наоборот. Я нередко страдал от одиночества и хотел бы близких отношений с какой-нибудь девушкой, но так и не сообразил, как же это делается". "Вообще знакомые нередко делятся со мной самой сокровенной личной информацией. Насколько я понимаю, это происходит потому, что я умею слушать и принимаю такую информацию без осуждения. Я принимаю людей и обстоятельства такими, какие они есть... Собственно говоря, меня удивляет, зачем окружающие тратят столько энергии на суждения о том, хороши или плохи другие люди, уродливы они или прекрасны. Я не умею этого делать и совсем не хочу учиться. Но это не значит, что я не вижу разницы между правильным и неправильным или злом и добродетелью". Особенности, связанные с аутизмом "Я никогда не увлекался кино и телевизионными передачами. В начальной школе я уходил домой, если друг, у которого я был в гостях, собирался смотреть телевизор. Я считал, что если бы хотел смотреть телевизор, то мог бы сделать это и дома. Я и сейчас практически не смотрю телевизор, разве что новости и документальные передачи. Я нередко засыпаю перед включенным телевизором. Мне не интересны ситуационные комедии и другие передачи про людей. Кинофильмы вызывают у меня похожую реакцию. Фильмы и телепередачи нередко превращаются для меня в аудиовизуальное облако, в котором я с трудом могу уследить за происходящими на экране событиями. Я не перестаю удивляться тому, что моя жена с легкостью может разобраться в том, что делают герои той или иной передачи и кем они являются. Все мое внимание оказывается сосредоточено на кинетических и звуковых аспектах происходящего, а также на спецэффектах". "Временами мне кажется, что иметь дело с компьютерами намного легче, чем разговаривать с людьми. Это становится особенно очевидно, когда меня просят объяснить что-нибудь про компьютеры. Во время объяснения я нередко не могу найти подходящих слов, но мне легко продемонстрировать необходимые действия при помощи мыши и клавиатуры. И только потом, проследив за своими действиями в уме, я могу рассказать, что именно только что проделал. Мне намного легче показать необходимую последовательность действий, чем вербализовать этот процесс". "В качестве преподавателя музыки и компьютерной грамотности я заметил, что эти курсы привлекают студентов с ограниченными возможностями, поскольку им легче добиться успеха именно в этих дисциплинах. Компьютер обладает бесконечным терпением и облегчает процесс исправления ошибок". "В дополнение к получению музыкального образования занятия музыкой полезны детям с аутизмом с психологической точки зрения. Согласно исследованиям имеющего музыкальное образование невролога больницы "Бет Израэль" в Бостоне, в структуре мозга людей, начавших заниматься музыкой в раннем детстве, прослеживаются физические изменения. В том числе оказалось, что у участников исследования, начавших обучение игре на синтезаторе до семи лет, пучок нервных волокон, из которых состоит мозолистое тело, соединяющее полушария мозга, примерно на 12% толще по сравнению с теми, кто начал занятия музыкой позже, а также с не имеющими музыкального образования". "Лица с расстройством аутистического спектра нередко испытывают серьезные затруднения, связанные с интерпретацией невербальных сигналов. Однако при наличии достаточно длинного и тесного контакта с любящим и внимательным человеком, как, например, с матерью, ничто не мешает такому индивидууму в совершенстве изучить невербальные сигналы данного конкретного человека... В результате мать оказывается своеобразным связующим звеном с окружающими, и ребенок учится воспринимать невербальные сигналы в ее переводе". Работа "Несмотря на то что я получил права и машину в 16 лет, предпочитаю пользоваться велосипедом. Я называю езду до работы на велосипеде способом передвижения ленивого человека. На велосипеде на это уходит 20 минут, столько же на машине и около часа общественным транспортом. Но я по возможности избегаю пользоваться общественным транспортом, потому что он обычно набит людьми, которые потеют и не очень хорошо пахнут". "...Я всегда проверяю посещаемость перед началом занятия и внимательно всматриваюсь в лица откликающихся на свое имя студентов. После этого я раздаю проверенное домашнее задание, вызывая учащихся по одному и следя за выражением лиц, чтобы понять, кому именно принадлежит находящееся у меня в руках домашнее задание. Если я ошибаюсь или не замечаю выражения ожидания на лице студента, домашнее задание попадает к другому человеку или вообще остается у меня в руках. В таких случаях мне бывает очень неловко. Мои методики борьбы с неспособностью распознавать лица не очень-то мне помогают, но без них было бы еще хуже. Насколько я могу судить, сложности с распознаванием схожих объектов ограничиваются именно человеческими лицами. Например, я без труда и даже с удовольствием сравниваю различные варианты текстов, графического оформления, музыкальные произведения". "Следует отметить, что у меня нередко возникает желание рассказать декану факультета бизнеса о своем расстройстве аутического спектра или объяснить студентам, что мне нелегко распознавать человеческие лица. Однако за исключением случаев, когда я абсолютно доверяю собеседнику, меня останавливает страх того, что на меня навсегда будет навешен соответствующий ярлык"... Самые известные аутисты мира Аутизм – это широко распространенное заболевание, и болезнь протекает с различной симптоматикой. Знаменитые люди тоже страдают данной патологией. У некоторых выдающихся личностей проявлялись те или иные признаки расстройства аутистического спектра. В данном контексте часто упоминают Леонардо да Винчи, Вольфганга Амадея Моцарта, Исаака Ньютона, Винсента ван Гога, Альберта Эйнштейна, Авраама Линкольна, Томаса Джефферсона, Гарри Трумэна, Ганса Христиана Андерсена, Марию Кюри, Гленна Гульда, Билла Гейтса, Стивена Спилберга, Стэнли Кубрика, Вуди Аллена, Энди Уорхола, Кортни Лав и др. Прогноз К сожалению, вылечить аутизм известными на сегодня методами нельзя. В то же время иногда в детском возрасте происходит ремиссия, приводящая к снятию диагноза расстройства аутистического спектра; порой это случается после интенсивной терапии, но не всегда. Большинству детей с аутизмом недостает социальной поддержки, устойчивых отношений с другими людьми, карьерных перспектив, чувства самоопределения. Хотя основные проблемы остаются, симптомы часто сглаживаются с возрастом. Ещё в середине 1970-х имелось довольно мало свидетельств генетического происхождения аутизма, однако сейчас роль наследственности в развитии этого расстройства считается одной из самых высоких в ряду других психических нарушений. Несмотря на значительное влияние, оказанное родительскими организациями и движением за дестигматизацию детей с РАС на общественное восприятие таких расстройств, родители все еще попадают в ситуации, когда поведение их аутистичных детей воспринимается негативно, а многие врачи, как первичные, так и специалисты, до сих пор придерживаются некоторых взглядов, основанных на давно устаревших исследованиях. Появление Интернета позволило аутистам формировать онлайн-сообщества и находить удаленную работу, избегая тягостной интерпретации невербальных сигналов и эмоциональных взаимодействий. Социальные и культурные аспекты аутизма также претерпели изменения: в то время как некоторых аутистов объединяет стремление найти метод исцеления, другие заявляют о том, что аутизм — просто один из многих стилей жизни. В целях привлечения внимания к проблеме аутизма у детей Генеральная Ассамблея ООН учредила Всемирный день распространения информации о проблеме аутизма. Отмечается он, начиная с 2008 года, ежегодно 2 апреля. София Заикина, девочка с аутизмом, исполняет песню Эдит Пиаф "Non, je ne regrette rien" ____________________ При подготовке статьи использованы следующие работы: 1. Бабич И.А. Уроки музыки в начальной школе для детей с расстройствами аутистического спектра. Из практического опыта работы учителя музыки //Московский городской психолого-педагогический университет; Портал психологических изданий Psyjournals, 2014. - Аутизм и нарушения развития. - 2010. - № 2 (29) 2. «В институте я наконец-то оказался среди людей, оценивших меня как человека". Фрагменты книги Стивена Шора "За стеной. Личный опыт: аутизм и синдром Аспергера" [Электронный ресурс] //Журнал "Коммерсантъ Власть". - 2016. - 27 июня. - №25. - Стр. 22. - Режим доступа: https://www.kommersant.ru/doc/3018727 3. В столице стартовал проект Kids Autism Music & Art [Электронный ресурс] //Національна Асамблея людей з інвалідністю України. – 2018. – 18 сентября. - Режим доступа: https://naiu.org.ua/v-stolytse-startoval-proekt-kids-autism-music-art/ 4. Е. Москалюк. Музыка для особенных. Заборона рассказывает о музыканте, который учит детей с аутизмом [Электронный ресурс] //Заборона. – 2020. – 11 августа. - Режим доступа: https://zaborona.com/ru/muzyka-dlia-osobennyh/ 5. М. Якубовская. Музыка у детей с аутизмом снимает раздражение [Электронный ресурс] //Baltija.eu. – 2020. – 13 декабря. - Режим доступа: https://baltija.eu/2020/12/13/myzyka-y-detei-s-aytizmom-snimaet-razdrajenie/ 6. Н. Кайшаури. Каждый двадцатый человек с аутизмом мог бы стать выдающимся музыкантом, считает профессор Адам Окельфорд. Вот уже 40 лет он обучает детей с особенностями игре на фортепиано [Электронный ресурс] //Портал Милосердие.ru. – 2018. – 18 октября. - Режим доступа: https://www.miloserdie.ru/article/za-kontsert-muzykanta-s-autizmom-tozhe-nado-platit/

Каждый цвет вызывает душевную вибрацию, и каждая вибрация обогащает душу. В. Кандинский Василий Кандинский (1866—1944) - известный русский живописец, график и теоретик изобразительного искусства, один из основоположников абстракционизма . Он родился в Москве , а основное музыкальное и художественное образование получил в Одессе . В 1911 году Кандинский, живший в то время в Мюнхене, посетил концерт австрийского композитора Арнольда Шенберга ( 1874—1951) , музыкой которого он увлекался. Шенберг известен тем, что изобрел новый «метод композиции с 12 соотнесенными между собой тонами», широко известный как « додекафония ». Данная техника музыкальной композиции заключается в отступлении от существующих правил гармонии в пользу нового экспериментального атонального метода 12-тоновой композиции. Она оказалась самой влиятельной для европейской и американской классической музыки XX века. На концерте оркестр исполнил Второй Струнный Квартет, который вызвал неоднозначную реакцию аудитории, а Кандинского изменил навсегда. Второй струнный квартет Шенберга (1908) - это переломный момент в творчестве композитора, как и в музыкальном репертуаре вообще. Сочинение фактически стоит на самой границе между романтическим стилем XIX века, и модернистским стилем, сформировавшимся в ХХ веке, между тональной и атональной гармонией. Именно тогда музыка Шенберга изменила Кандинского и сделала его тем художником, чьи картины буквально перевернули мир искусства! Он писал Шенбергу: «В своей работе Вы раскрыли то, что я так долго искал в музыке. Самодостаточное следование собственному пути, самостоятельная жизнь отдельных голосов в композиции – вот что я пытаюсь воплотить в живописной форме». Он увидел связь между теорией Шенберга и своими попытками вырваться из традиционного фигуративного «режима» живописи. А. Шенберг. Струнный квартет № 2 фа-диез минор, op. 10 для сопрано и камерного оркестра Исп. Гос. камерный оркестр Азербайджана Можно сказать, что Кандинский и Шенберг совершили революцию в искусстве: один освободил живопись от оков фигуративности, сделав шаг в сторону полной абстракции, другой - точно так же «развязал руки» музыке, отказавшись от тональности и традиционной гармонии. Не менее важно, что оба мечтали о сближении своего искусства с другими: Шенберг написал немало картин как художник, а Кандинский вдохновлялся музыкой, создавая свои «Композиции» и «Импровизации» (музыкальные названия - тому доказательство). Преодоление привычных форм в живописи и интерес к возможностям воздействия цвета на человека привели художника к написанию интереснейших теоретических трактатов «О духовном в искусстве» (1911) и «Точка и линия на плоскости» (1926). Сформулированная в них теория восприятия цвета заключается в том, что цвет колоссально воздействует на человека, при этом произведенное впечатление не только визуальное. Краска, как и музыка, способна вызывать отклик всех органов чувств. Кандинский создавал работы, олицетворяющие собой духовную связь между цветом и движением, трансцендентность за пределами чувств и среды. Известно его высказывание: «Точка в нашем представлении является теснейшей и единственной в своем роде связью молчания и речи. Все начинается с точки. Царство точки беспредельно. Звук молчания, привычно связанный с точкой, столь громок, что он полностью заглушает все прочие ее свойства». Впечатления В. Кандинского от музыки Шенберга:

Психоакустика изучает субъективное восприятие звуков человеком. Согласно исследованиям ученых, правое ухо отвечает за семантику звука, то есть информацию, а левое - за эстетическое наслаждение. Например, в любой качественной композиции скрипки зачастую звучат левее. Для звукоинженеров и профессиональных музыкантов психоакустика - что-то вроде азбуки, и они точно знают: две колонки, поставленные слева и справа от человека, должны давать звук посередине. Образовывать равнобедренный треугольник. Так, при прослушивании любимой песни, можно ощутить, что вокалист стоит прямо перед нами. Согласно международным стандартам, в своем страстном порыве к громкой музыке объективно мы можем воспринимать звук от 85 до 90 дБ. И то не более 4-х часов. В ночных клубах, к примеру, показатели громкости составляют от 101 до 110 дБ. Находиться при таком звуке дольше 15 минут не рекомендуется. Не удивительно, что человечество использует звук не только в мирно-созидательных целях, но и как мощное оружие. Для разгона демонстрантов в некоторых странах применяют звуковые пушки. Также музыкальные экзекуции помнят стены тюрем Абу-Грейб и Гуантанамо... Наука психоакустика также объясняет так называемый "эффект коктейльных вечеринок". Он заключается в том, что даже в шумной толпе люди, которые живут вместе на протяжении долгих лет, способны распознать голос друг друга. Именно поэтому и стоит беречь свой слух от плохого звука, чтобы слушать лучшую музыку и слова самых любимых. Источник

Хотелось бы поговорить о музыкальной импровизации с необычной точки зрения. Как правило, мы рассуждаем о ней или под углом исполнительской техники и методики ее освоения, или размышляем о художественном и содержательном аспекте. Однако есть один момент, на котором мало кто акцентирует внимание. Успешная импровизация требует от личности исполнителя особых качеств. Каковы они? Ни для кого не секрет, что уникальность исполнительского стиля заключается в способности музыканта предельно концентрироваться на своем внутреннем мире, выражая через музыку свой неповторимый взгляд на жизнь. Образно говоря, каждое движение руки музыканта должно пульсировать в такт с биением его сердца. Разве возможны в этом случае какие-либо повторения, исправления, «переделки»? Я бы сказала, джазовая импровизация – это еле уловимое скольжение бесплотного Духа по струнам или клавишам. Какие качества личности развивает импровизация? На мой взгляд, качества, довольно редко встречающиеся в нашей повседневной жизни и именно потому особо ценные. Несомненно, это – духовная целостность, непосредственность и подлинная простота, равнодушие к внешней формальной эффектности, «шелухе» искусственности и при этом направленность внимания внутрь, непосредственно к Духу. Это способность к предельной концентрации и в то же время умение слушать и слышать других. Это своего рода смелость и склонность к риску, харизматичность и лидерство. Но главное, что я бы выделила среди всех этих качеств – редкие в наше время проницательность и интуитивность: ведь чтобы обладать чутким видением музыки, человек должен жить ею и наблюдать этот мир более вдумчиво, чем другие. Тогда исполнителю будет что сказать со сцены слушателю… Есть такая восточная притча: когда музыкант становится настоящим мастером - он разбивает свой инструмент, поскольку он становится уже ненужным. Почему? Потому что теперь он нашел свой внутренний инструмент, свое подлинное звучание, и его внутренняя музыка стала для него абсолютной… Как по мне, джазовая импровизация – это один из способов открыть в себе свою собственную Музыку: «Если речь идет о бескомпромиссности, духовном поиске, аутентичности и артистической честности высшего порядка, когда стремишься выложить все твое существо и все твое время на Земле перед Богом - всем другим музыкальным стилям просто нечего делать рядом»… Хироми Уехара. Timeout piano solo

Изменения в музыке не зависят от влияния культуры и развития технологий Изменения в музыке движимы внутренней динамикой и не так уж зависят от влияния культуры и развития технологий. К такому выводу пришли исследователи, проанализировавшие эволюцию музыки за последние двести лет с помощью комбинации методов, основанных на классическом и компьютерном способах изучения музыкальной теории. Группой ученых под руководством Пабло Cивика из университета Буэнос-Айреса (Аргентина) была проанализирована база западных музыкальных произведений Peachnote Corpus. Коллекция содержит информацию о шаблонах мелодий и интервалов, которые использовались в музыкальных композициях в течение двух столетий (1730—1930 гг.). На этот период приходятся музыкальные стили таких эпох, как барокко, классицизм, романтизм и постромантизм. Под музыкальным стилем в исследовании понимали сумму определенных измеряемых признаков: характерную текстуру, гармонию, мелодию, ритм. Как и любое культурное явление, музыкальный стиль развивается под влиянием технологических и социальных изменений, сохраняя при этом узнаваемую форму. Однако в большей степени эволюция стиля связана с его внутренней динамикой, предположили ученые. Исследование было опубликовано в американском журнале PNAS. Авторы выясняли, как изменения в музыкальных интервалах отражают эволюцию музыкальных стилей, а также существуют ли факторы, определяющие переходы между музыкальными эпохами. Ученые исходили из предположения, что мозг человека, подобно компьютеру, использует жизненные паттерны для прогнозирования будущего поведения или восприятия. Оказалось, что такая тенденция прослеживается и в ощущении человеком гармонии звука. По мнению исследователей, восприятие музыки во многом зависит от ожиданий индивида относительно распределения музыкальных интервалов в композиции (главным образом от расстояния между двумя последовательными нотами). Существующая теория восприятия и распознавания мелодий «implication–realization (IR) theory» предполагает, что человеку достаточно услышать всего три последовательно извлеченные ноты, чтобы предсказать картину развития той или иной композиции. Существует связь между основными элементами музыкального стиля и механизмами человеческого восприятия. Это является отправной точкой для того, чтобы определить, как восприятие динамики стиля ограничивается механизмами человеческого разума. Ученые выявили, сколько раз определенный шаблон музыкального интервала использовался в вышеупомянутом временном промежутке, и провели кластерный анализ полученных данных. Результат был выведен в виде графика, показывающего эволюцию музыкальных стилей: Затем ученые объединили образцы мелодий в матрицу, ряды которой содержали информацию о данных за каждый год на протяжении двухсот лет, и провели ее факторизацию (декомпозицию на произведение матриц специального вида для приложений, в которых эта форма удобна). С помощью музыкальной базы Peachnote Corpus уникальным аналитическим методом были определены границы переходов между стилями эпохи барокко, классицизма, романтизма и постромантизма. Полученные данные были интерпретированы на основании современных музыкальных теорий. Различия в интервалах мелодии имеют непосредственное влияние на определение музыкального стиля. Ученые выявили отличительные признаки каждого из четырех музыкальных стилей. Кроме того, они установили связь между ожидаемым человеком развитием звуковой композиции и распределением интервалов в ней. С этим связана и возможность человека различать переходы между музыкальными стилями. Изменения в музыке движимы внутренней динамикой и в определенной мере не зависят от влияния культуры и развития технологий. Появление нового стиля есть создание нового устойчивого музыкального шаблона, которое обусловлено именно творческой волей человека. Автор: Алексей Тащилин

За несколько последних десятилетий возникал ряд самых невероятных случаев, когда человек заявлял о себе как о новом воплощении той или иной личности, которых принято называть гениями или великими. Многие исследователи предполагают, что такие качества личности, как характер, интеллект, самобытность и сознание не исчезают совсем после смерти физического тела, а как бы переходят в другую реальность или, как иногда говорят, в параллельный мир. Ученые считают, что жизнь после смерти продолжается, и этому есть масса подтверждений, когда внезапно раздается телефонный звонок, и абонентом является не так давно ушедший из мира живых человек. Также имеет место быть приход почтальона с письмом или телеграммой, что называется, «с того света». Одно из самых загадочных событий, которое до сих пор будоражит умы и воображение современников, вызывая противоречивые чувства, произошло в Англии, во второй половине двадцатого века. В 1966 году на собрании спиритического кружка ничем не примечательная женщина сыграла на фортепиано музыкальную композицию. Этому событию никто не придал бы значения, если бы не знали наверняка, что эта женщина практически не умеет играть и не имеет музыкального образования! Эту женщину звали Розмари Браун. Розмари Изабель Диксон родилась 17 июля 1916 года в Лондоне, в простой семье. С пятнадцати лет ей пришлось работать, поэтому она не получила должного приличного образования. Разные источники дают противоречивые факты из ее жизни: одни утверждают, что у нее совершенно не было слуха, что не мешало ей очень любить музыку и наслаждаться ею. Другие, что она получила начальное музыкальное образование благодаря тому, что ее семья соседствовала с танцевальным залом, и после длительных уговоров родителей Розмари стала днем брать уроки игры на фортепиано. Эта история настолько необычна, что в нее трудно поверить. Вокруг имени миссис Браун до сих пор не умолкают споры: критики и скептики называли ее шарлатанкой, некоторые говорили, что женщина просто нашла ноты и выдает их за полученные во время «встреч» с призраками музыкантов прошлого, сторонники поддерживали ту версию, которую высказала сама Розмари Браун. В одной из книг, написанных ею, предположительно «Неоконченные симфонии: Голоса свыше», Розмари повествует о том, что, будучи еще ребенком «увидела» незнакомого седовласого мужчину в черной ниспадающей одежде. Он представился ей музыкантом и сказал, что она будет медиумом, через которого некоторые ушедшие великие композиторы прошлых веков будут передавать человечеству свои творения. Потому как они не могут позволить своим неопубликованным произведениям остаться неизвестными для человечества. Спустя несколько лет Розмари однажды увидела портрет этого мужчины и узнала его. Им оказался Ференц Лист! Когда Розмари Браун впервые исполнила переданное ей произведение, никто не обратил особого внимания на это, но со временем количество композиций увеличивалось, при этом они отличались друг от друга стилем и характером. Когда их число стало превышать три сотни, этим фактом заинтересовались многие композиторы, психологи, музыковеды и даже религиозные деятели. Многим хотелось доказать, что перед ними обыкновенная ловкая обманщица, но никому не удалось это сделать, вопреки ожиданиям и к их великому сожалению. Но деятельность женщины не ограничилась только музыкой, по каким-то только им понятным причинам, в числе собеседников из иного мира были такие личности, как художник Винсент ван Гог, апостол Павел, ученый Альберт Эйнштейн, органист и врач Альберт Швейцер. По ходу событий, Розмари Браун написала три книги, в которых подробно описывала свои необычные контакты с душами этих людей. Но в большей степени ей пришлось общаться все-таки с музыкантами. Во время этих необычных встреч свои шедевры по очереди «передавали» Фридерик Шопен, Иоганн Себастьян Бах, Йоганнес Брамс, Роберт Шуман, Франц Шуберт, Эдвард Григ, Сергей Рахманинов, Людвиг ван Бетховен, Ференц Лист, Клод Дебюсси, Игорь Стравинский, Гектор Берлиоз, Клаудио Монтеверди. Она утверждала, что каждый композитор использовал свой способ передачи очередного произведения. По ее словам, Ференц Лист сначала управлял ее руками, когда она проигрывала несколько тактов, а затем предлагал записать ноты. Шопен тоже передавал музыку непосредственно в игре, и лишь позднее записывались ноты, когда отчетливо отпечатывались в мозгу Розмари. Шуберт напевал ей мелодии и подсказывал, как их записать, а Бах и Бетховен просто диктовали ноты. Брамс был особенно привередлив, заставляя несколько раз исполнить гаммы для разработки пальцев, поскольку его произведения требовали особого мастерства и виртуозности исполнения, и только после этого диктовал ей музыку. Было проведено бесчисленное множество расследований и проверок. Подключались самые известные исполнители, музыканты, критики. Большинство склонялось к тому, что произведения, которые записывала и играла Розмари, поистине гениальны! Долго и скрупулезно сверяли стиль написания нот, манеру исполнения, но к единому мнению так и не пришли. Феноменом, в свою очередь, заинтересовалась известная английская компания ВВС. В ходе собственного расследования, куда входили лучшие музыковеды, эксперты и парапсихологи, пришли к выводу, что Розмари Браун говорит правду, и она медиум. Тем более что во время исполнения отмечалась неправильная, непрофессиональная постановка рук. Профессор музыки Ян Парро из Уэльского университета заявил, что манера прикосновения к клавишам выдает дилетанта, и что она не могла быть автором подобных творений. Один из известных английских музыкантов заметил, что «стиль многих небесных композиций» – безукоризнен и имеет характерные особенности, присущие тем композиторам, о которых рассказывала Розмари Браун. С замечанием английского композитора Ричарда Беннета, что такую музыку можно подделать только после многолетней учебы, согласились и некоторые другие музыканты. Многие задавались вопросом: почему величайшие мастера с мировыми именами для передачи своих произведений избрали женщину с довольно скромными музыкальными способностями? Ведь можно было остановить свой выбор на талантливом исполнителе, который смог бы донести их творения в более блестящем исполнении. Но, возможно, именно благодаря неумению играть, но очень большой любви к музыке, ее и выбрали. Ведь, если бы на ее месте оказался человек, виртуозно владеющий музыкальным инструментом, ему бы тем более не поверили. Психолог Р. Кастенбаум, проанализировав некоторые музыкальные композиции в исполнении Розмари Браун, все же усомнился в том, что они являются произведениями тех авторов, на которых ссылается исполнительница. По его словам, в них нет той изысканной сложной структуры и глубины чувств, нет тех гармоничных тональных новшеств, которые заставляют сопереживать и трепетать при прослушивании. Ведь при жизни каждый из этих композиторов «не только создавал выдающуюся музыку, но и вносил свой вклад в развитие композиций для фортепиано. Одна из особенностей, которая делала их выдающимися, это их непредсказуемость в музыке. Каждая следующая их композиция могла стать новым достоянием по своей музыкальной чувствительности или технике». Его не только не вдохновили эти произведения, а можно сказать даже разочаровали отсутствием каких-либо сюрпризов в музыке. В свою очередь, известный музыкальный критик А. Рич, после прослушивания нескольких пьес из частной коллекции Розмари Браун, выразил свое скептическое настроение замечанием, что, по его мнению, это больше похоже на непрофессиональное переделывание известных композиций. Часть психологов и парапсихологов, разбирая этот феномен, склонились к тому, что все творения, о которых шла речь, ничто иное как работа бессознательного ума самой миссис Браун. Однако, по словам парапсихолога и музыканта классической школы Д. Скотта Рого: «Психологическая наука весьма мало знает о наших творческих способностях, о природе творчества и роли в нем бессознательного, поэтому проследить подлинные истоки вдохновения, по существу, невозможно». В одном из очередных сеансов Розмари Браун поинтересовалась у Духа Ференца Листа, зачем он приходил к ней и приводил своих друзей. На что он ответил: «Моя цель в том, чтобы помочь людям узнать в самой яркой, изысканной форме о существовании жизни иной, донести до них уверенность в том, что жизнь бесконечна. Ибо, если люди откажутся верить в то, что и после физической смерти у них есть будущее, его и не будет. Когда человек постигнет мистические глубины своего сознания, он сможет более полно наслаждаться достигнутыми высотами». В возрасте 85 лет, 16 ноября 2001 года Розмари Браун ушла из этого мира в иной мир, к своим наставникам, оставив за собой звание «самой мистической женщины-медиума XX века», о чем, скорее всего, она сама не догадывалась. Нам неизвестно, на самом ли деле, по заявлениям скептиков, это был хитрый обман, который раскроется со временем, или истина, в которую хочется верить... Розмари Браун играет Полонез Ф. Шопена

Ритмичные звуки на частотах, недоступных человеческому слуху, оказывают влияние на слушателей. Эксперименты с популярной канадской группой Orphx, пишущей музыку в электронном стиле, показали, что экстремально низкие басы стимулируют публику танцевать, хотя не воспринимаются сознанием. «Музыка — это биологическая загадка: она не нужна для выживания, для питания или размножения, но почему люди так любят ее и так любят под нее двигаться?» — говорит Дэниел Кэмерон. Вместе с коллегами из канадского научно-исследовательского Университета МакМастер (McMaster University) он исследует влияние музыки на нашу нервную систему. В своей новой работе ученые обнаружили, что даже сверхнизкие, лежащие на грани слуха частоты незаметно воздействуют на слушателей, стимулируя их двигаться активнее. Влияние музыки на человека разнообразно. Некоторые его аспекты связаны с личным опытом и привычной культурной средой, однако другие универсальны. Недаром представители любых народов часто воспринимают одни и те же мелодические фразы одинаково — скажем, как печальные или призывные, тревожные или торжествующие. Есть и более загадочные проявления вроде улучшения памяти при прослушивании хорошо знакомых композиций. Специально для музыкальных исследований при Университете МакМастер устроен «лабораторный» концертный зал LIVELab. Он оснащен камерами с системой захвата движения и сложным акустическим оборудованием Meyer, способным воспроизводить весь спектр частот, доступных человеческому уху (примерно от 20 до 20 тысяч герц), а также за пределами этого диапазона. Для участия в новых экспериментах Кэмерон и его коллеги пригласили известный дуэт Orphx, работающий в жанре электронной танцевальной музыки. Пришедшим на концерт добровольцам раздали датчики, позволяющие лучше отслеживать их движения. Кроме того, они заполняли опросники до и после 55-минутного выступления. А во время него ученые незаметно меняли настройки акустического оборудования: раз в 2,5 минуты они включали и выключали динамики, которые воспроизводили басы сверхнизких частот — от 8 до 37 герц. Сами участники сказали, что ощущали басы телом; это было приятно и побуждало их больше двигаться. По результатам работы авторы сравнили интенсивность движений публики в эти промежутки. Оказалось, в моменты звучания сверхнизких басов публика двигалась в среднем на 11,8 процента активнее, чем когда их не было. При этом опросники показали, что на слух никто не заметил никакой разницы: слишком низки были частоты. Причины этого явления в точности неизвестны. Авторы исследования предполагают, что эффект может быть связан с непосредственным влиянием сверхнизких частот на мозг, минуя сознательное восприятие. Структуры внутреннего уха тесно интегрированы в работу вестибулярного аппарата и моторной системы. Возможно, такие звуки вызывают более сильную реакцию на нейронном уровне из-за того, что обрабатываются, кроме слуха, еще и вестибулярно и тактильно. А значит их колебания способны напрямую отражаться на работе мозга, не задействуя слух. Исследование опубликовано в журнале Current Biology. Orphx. Walk Into The Broken Night

Новое исследование показало, что чем проще, незатейливей и шаблонней музыка, тем выше ее уровень продаж Группа исследователей из американского Института Санта-Фе и Венского медицинского университета установила, что чем популярней становится тот или иной музыкальный жанр, тем проще становятся написанные в нем композиции, а все ведущие исполнители жанра начинают играть в одинаковой шаблонной манере. Справедливой оказалась и противоположная тенденция — если некий жанр возник как популярный (например, хип-хоп), то он привлекает новых исполнителей, что увеличивает сложность оркестровок и вариативность музыки, однако одновременно наблюдается спад продаж и снижение популярности. Результаты работы опубликованы в журнале PLOS ONE. Для своих изысканий ученые привлекли базу данных Discogs, где изучили 500 000 альбомов, разбитых на 15 музыкальных жанров и 374 поджанра. Все жанры были шкалированы по средней сложности на протяжении отрезков времени в 6 лет. Сложность композиций жанра оценивалась количественно по таким показателям, как состав оркестровки, тембр, акустические вариации и прочее. На завершающем этапе исследования динамика сложности определенного жанра сравнивалась с уровнем продаж соответствующих альбомов. Выяснилось, что все жанры можно условно разбить на две группы. Первая, с низким уровнем сложности, характеризуется стандартными оркестровками, которые можно найти и в других жанрах, а также примерно одинаковым индивидуальным стилем и уровнем исполнения музыкантов. Сложные жанры, наоборот, отличаются особыми оркестровками, уникальными инструментами, большим разнообразием композиций и более высоким техническим уровнем исполнения. Наиболее интересным выводом оказалась связь сложности жанра с уровнем продаж. Так, например, New Wave или Disco во времена своего возникновения были относительно просты, однако стали резко усложняться на протяжении 70-х годов прошлого века, после чего вновь произошел плавный откат к низкому уровню сложности. В то же время Folk Rock всегда оставался на стабильно высоком уровне. Оказалось, что все эти изменения коррелируют с уровнем продаж альбомов и количеством музыкантов, развивающих данный жанр. Чем больше тот или иной жанр привлекает новых исполнителей в свои ряды, тем сильнее обычно возрастает его инструментальная сложность и многообразие. Однако чем менее однообразным и шаблонным он становится, тем меньшим успехом пользуется у платежеспособной публики. И наоборот, как только жанр становится простым и однообразным, более похожим на другие жанры — наблюдается новый всплеск продаж. Таким образом, коммерческий успех любой музыки связан со значительным упрощением ее оркестровки, выработкой стандартного, однотипного и простого стиля исполнения. Отход от этого канона ведет к рыночному провалу или переходу музыки в узкую нишу или область элитарной культуры. Существует множество психологических исследований, показывающих, что люди — как в отношении новых инновационных товаров, так и в отношении искусства, — не жаждут ничего нового, а лишь уже хорошо знакомого и близкого. Большинство предпочитает слушать песни, которые похожи на те песни, что им когда-то нравились, или которые соответствуют их музыкальным вкусам... Многие задаются вопросом: почему, развиваясь до определенного момента в прошлом, современная музыка якобы стала опять простой, незатейливой или примитивной? Попробуем объяснить. Музыка в процессе исторического развития перестала быть частью культуры (как было когда-то) привилегированных слоев общества. Она превратилась в доступный вид искусства и выгодный продукт, который может приносить прибыль. Возникают целые компании, создающие продаваемый «звук», которые пускают его в массовое производство и получают прибыль, а чтобы выгода возрастала, следует, соответственно, больше производить. Поэтому массовое производство как немаловажный аспект рыночных отношений – одна из причин этого явления. С развитием интернета многое изменилось: создание музыки и ее распространение стало более доступным для всех желающих, а значит она обязана соответствовать вкусу любой группы. Большинство людей сегодня слушает музыку в процессе выполнения своих привычных повседневных дел (благодаря развитию технологий), часто включает как фон, и потому не ожидает слишком изощренных или глубоких форм. Раньше то, что доходило до потребителя, фильтровалось через множество разных систем - клубные концерты, продюсеры, студии звукозаписи, рекорд-лейблы, радио, телевидение. Сейчас это все вроде как осталось, но существует уже в новых условиях - когда удачный ролик на YouTube может сделать больше, чем 10 лет репетиций и выступлений. Удачный - не значит непременно суперкачественный, идеально исполненный - а просто показавшийся большому количеству слушателей достаточно прикольным и способный обратить на себя внимание. Вспомните, например, песню пуэрториканского музыканта Луиса Фонси «Despacito», в смешанном стиле латин-поп и реггетон, вышедшую в 2017 году, которая стала мировым хитом. После получения 6 000 000 000 просмотров клип был занесен в «Книгу рекордов Гиннесса» как самый популярный в истории YouTube, а также стал лидером среди видеоклипов YouTube по наибольшему числу лайков (более 45 000 000 на сентябрь 2021 года): Despacito Иногда, конечно, оригинальность популярного ролика достигается огромным трудом и профессионализмом, но все равно нужно учитывать, что спрос превышает предложение, что у слушателей сформировалось клиповое восприятие, и если за 10 секунд не получилось зацепить внимание, то дальше можно написать хоть супернавороченную симфонию... Еще стоит обратить внимание на такой момент - каверы гораздо легче продвигаются, чем оригинальные произведения… В итоге получается, что сложная музыка существует, однако мало кому известна, потому что более легкая или агрессивная распространяется проще. Ну и, конечно, нужно отметить, что сложность и примитивность - тоже условные понятия, которые могут относиться к мелодии, гармонии и ритмике, а могут и к саунд-дизайну. В достаточно простоватой, на наш взгляд, танцевальной песенке кто-то мог потратить несколько дней, чтобы из отдельных сэмплов, синтезаторов и эффектов создать какой-нибудь маленький, но достаточно оригинальный и непохожий на других звук… Другими словами, музыка не стала более незамысловатой – она стала «клиентоориентированной». Фактически в течение ХХ века происходило непрерывное размывание и дробление искусств (в том числе и музыки), как чего-то цельного, но подходящего для всех. Это связано как с развитием самих искусств, так и с развитием общества в целом. Когда вы говорите «музыка стала более грубой и ограниченной», то, вероятно, имеете в виду, что по среднестатистическому «радио» или TV звучит более примитивная музыка, чем 10 или 20 лет назад. Это правда. Но это не значит, что музыка вообще стала более поверхностной, это значит, что радио- или телепередачи стали более узко специализированными - только самая популярная эстрада, попса. Тут можно долго рассуждать о ротации, продюсерских проектах и так далее, но дело, собственно, не в этом, а в том, что раньше эти средства массовой информации пытались охватить более широкий диапазон стилей и жанров - немного рока, немного джаза, немного соула и тому подобное, а теперь резко сузили свой репертуар. Все перечисленное никуда не исчезло, а просто собралось на своих отдельных узкоориентированных площадках. Сейчас есть и электроакустическая музыка, и импровизационный джаз, и просто джаз, и дарк-сцена, и шумовая музыка, и академический авангард, и многое другое, и все это более-менее развивается, но постепенно обособляется и расползается в разные стороны сцены. Каждый слушатель выбирает свое, и поэтому искусство становится более индивидуальным… В заключение упомянем, что 2022 год для видеохостинга YouTube стал прямо-таки знаменательным. Впервые в истории ролик на сайте набрал невероятные 11 млрд просмотров. Им оказалась детская песенка «Baby Shark Dance» от южнокорейской образовательной развлекательной компании Pinkfong Kids Songs & Stories. На достижение такого результата видео понадобилось почти 6 лет — ролик вышел в июне 2016 года и сразу же ворвался в топ. Только за последние три месяца текущего года прибыль Pinkfong Baby Shark от прослушиваний составила более 1,5 млн долларов: Baby Shark Dance

Аудионаркотики, или цифровые наркотики (I-Doser) — это общее название для звуковых файлов, предположительно вызывающих психоактивное действие. В 2006 году появилась программа I-Doser, позволяющая прослушивать файлы с определенным содержанием, которые позиционировались как звуки, вызывающие эйфорическое состояние, сходное с эффектом от употребления настоящих наркотиков. При этом они хранились в drg-файлах закрытого формата, которые позволяли только определенное количество прослушиваний («доз»). После этого программа модифицировала drg-файлы определенным образом, запрещающим дальнейшее прослушивание. С 2009 года такое явление звуковых наркотиков испытало всплеск популярности в интернете. Существует большое количество типов звуковых файлов, названия некоторых из них вызывают ассоциации с традиционными наркотиками («марихуана», «ЛСД» и др.), другие же имеют абстрактные названия (например, «алкоголь», «рука Бога», «жажда жизни»). Авторы программы зарабатывали, продавая «дозы» различных «наркотиков». Название программы стало нарицательным для любых типов звуковых файлов такого типа. Внутренний формат программы или drg-файлов вскоре был вскрыт, а их содержимое переконвертировано в распространенные форматы звуковых файлов, которые могли воспроизводиться любым аудиопроигрывателем, после чего в большом количестве начали появляться «пиратские» сайты, предлагающие купить звуковые наркотики в виде файлов обычных звуковых форматов (wav, mp3), либо распространяющие их бесплатно; также эти файлы доступны в пиринговых файлообменных сетях. Какова технология и воздействие аудионаркотиков? Звуковые наркотики (бинауральные стереоволны) — это пульсирующие звуки в цифровом формате, состоящие из определенного набора частот. Открыты они были еще в 1839 году немецким ученым Хайнрихом Вильхельмом Дофе. Утверждается, что прослушивание этих звуковых файлов оказывает на мозг воздействие за счет так называемых бинауральных ритмов, соответствующих частотам «мозговых волн», которые образуются при прослушивании с помощью стереонаушников специально подобранных разных звуковых сигналов для левого и правого уха слушателя. Бинауральные ритмы (от лат. bini — пара, два и auris — ухо) — это иллюзия головного мозга, или воображаемые звуки, которые мозг воспринимает («слышит»), хотя реальные звуки этой частоты отсутствуют. Предположительно цифровые наркотики синхронизируют волны мозга со звуком. Вследствие этого они оказывают влияние на психическое состояние человека. Фото: https://habr.com/ru/post/47946/ Понятие «бинауральный эффект» известно уже давно: это способность мозга воспринимать две различных частоты, подаваемых в разные уши. Для наблюдения бинауральных ритмов потребуется применить дихотическое прослушивание – на одно ухо нужно напрямую подать звук одной частоты, а на другое ухо – другой частоты. Частота подаваемых звуков должна быть не выше 1500 Гц, а разница обеих частот не выше 30 Гц. При большей разнице частот человек отчетливо слышит на обоих ушах два разных тона, и бинауральные ритмы не возникают. То есть с физической точки зрения наложения звуков не происходит, так как звуки подаются через разные уши, и слуховая иллюзия возникает исключительно в мозге, а именно в слуховой сенсорной системе (предположительно, в верхнем ядре оливы). Поэтому используют два канала звука из диапазона слышимых частот. При этом разница частот на этих каналах должна равняться нужному нам ритму мозга. В итоге, когда человек прослушает такую запись, у него в мозгу произойдет суперпозиция этих частот, что будет субъективно ощущаться как пульсация звука (усиление и ослабление амплитуды). Частота этой пульсации и будет равна разности частот на левом и правом каналах. Эта частота возникает в обоих полушариях мозга и вызывает момент синхронизации между ними и с этой несуществующей частотой. Другими словами, теория бинауральных ритмов основана на том, что, если каким-либо образом подействовать на мозг сигналом с определенной частотой, то этот сигнал вступит в резонанс с соответствующим ритмом мозга, что приведет к усилению соответствующего состояния сознания. Момент синхронизации очень тонкий, потому что он, по сути дела, является моментом восстановления, некоей нулевой точкой, которая позволяет воздействовать на организм. Это как с компьютером: если мы видим, что он завис, мы перезагружаем его. Также и момент синхронизации в организме может снять ненужное возбуждение, неправильные «программы», психологические установки. Но с ним нужно быть аккуратнее. Потому что всем известно: если на компьютере слишком часто нажимать кнопку «reset», то в один прекрасный момент он просто может не включиться… Бинауральные ритмы являются предметом исследования нейрофизиологов, в частности, занимающихся изучением слуха. Кроме того, бинауральные ритмы влияют на головной мозг (меняют его ритмы), вызывая в нем волны, которые могут быть зарегистрированы при помощи электроэнцефалографии. Большинство людей слышит в «айдозерах» лишь шум и пульсирующие звуки. Некоторые после определенного времени прослушивания отмечают различные ощущения в голове (боль, шум, помутнение) либо в теле. На сегодняшний день реальных свидетельств того, что «айдозеры» действительно могут оказывать приписываемое им воздействие, не существует. Если воздействие акустических волн и способно приводить к возникновению измененных состояний сознания, получить постоянно действующий эффект и точно описать, каким именно он будет, невозможно, это очень сильно зависит от индивидуальных особенностей человека. При массовом тираже получить такой эффект нереально, воздействие цифровые наркотики могут оказать лишь в единичных случаях, а в остальных случаях имеет место эффект плацебо. Что же касается обычных пользователей рунета, те, кто попробовал прослушать аудионаркотики, в большинстве своем сходятся на том, что воздействия они никакого не производят. Распространители цифровых наркотиков также утверждают, что они являются безвредными, однако некоторые ученые считают, что влияние звуковых волн может быть и губительным. Прежде всего, их использование свидетельствует о готовности человека к осуществлению потенциально опасных экспериментов над своим сознанием, и может предшествовать употреблению реальных наркотиков. Как уже отмечалось выше, влияние этих звуков приводит к сбою энцефалограммы, образно названному «пароксизмами». Пароксизм, по сути, - срыв мозговой деятельности. Он может проявляться не только головной болью, но и всеми известными врачам симптомами: расстройством сна, которое повлечет за собой ухудшение общего состояния, снижение работоспособности и мозговой активности, эмоциональные нарушения, частичную потерю памяти. Следом реагируют все остальные системы организма. А как известно, многие болезни начинаются с нервных срывов. Поэтому пароксизмальная активность – это очень серьезно. Кто-то сможет быстро прийти в норму, а кто-то так и не сможет полностью восстановиться после такого эксперимента. Специалисты пришли к выводу: звуковые колебания могут нанести здоровью такой же вред, как и реальные тяжелые наркотики. В результате прослушивания таких программ у человека может начаться все что угодно - от эпилепсии до психических расстройств. Для тех людей, которые находятся в пограничном состоянии, это наиболее опасно. Кстати, выяснилось, что под воздействием бинауральных ритмов серое вещество мозга становится податливым, как пластилин, из которого можно вылепить все что угодно. Это делает вполне вероятной опасность зомбирования человека. Известно, что существуют звуковые частоты, которые подавляют психику человека. Это частота примерно 13 Гц – частота колебаний внутренних органов. Таким образом, если сильный инфразвуковой генератор начинает работать с частотой 13 Гц, это попадает в резонанс. Человек не слышит такую частоту, но она вызывает крайнее психическое подавление человека. На этом основаны отдельные виды инфразвукового оружия, которые используются при специальных операциях. Звуковые наркотики действительно воздействуют на слуховые рецепторы, и у человека возникает чувство неадекватного восприятия. Может ли звук влиять на организм человека? Да, может. Звук оказывает воздействие сродни массажу на клеточном уровне. Причем достаточно глубоко и сильно. Вопрос в том, насколько этот звук оказывается «родственным» для организма. Дело в том, что форма звуковых колебаний похожа на колебания, которые происходят внутри нашего организма. И в частности, внутри мозга. Близость этих процессов используется целым направлением в медицине, которое называется «музыкотерапия». Но если сама по себе музыка оказывает влияние сродни легкому массажу, то когда за нее берутся ученые и «вытаскивают» из нее различные «компоненты», пытаясь понять, какие составляющие более целенаправленно воздействуют на организм, тогда звук приобретает более эффективную и сильную способность воздействия на организм. И вот тут уже недалеко до отрицательных моментов. Все ли подвержены влиянию цифровых наркотиков или только люди внушаемые? Внушаемость имеет значение, но не только она важна. Здесь больше имеет значение уравновешенность, сила и степень здоровья нервной системы того, кто пытается прослушать. Если нервная система работает хорошо, то она может сопротивляться до определенной степени этому воздействию… Кто бы ни стоял за распространением цифровых наркотиков, в этом явлении нет ничего хорошего. Потому что целенаправленная работа со звуком в медицинских целях должна вестись в специальных условиях. А отдача таких вещей, которые могут достаточно сильно влиять на мозг, в руки самих пользователей, очень опасна. Массовые процессы, которые наблюдаются сейчас в интернете в связи с аудионаркотиками, очень нежелательны. Поэтому, пока власть принимает меры, родителям следовало бы объяснить подрастающему поколению, что мозг сложнее компьютера, за ним нужно следить и временами настраивать, как музыкальный инструмент, а не испытывать его на прочность. И отношение к нему должно быть бережнее, чем к самой дорогой технике. «Orgasm»

Но, оказывается, его изобретателем был простой смертный - бельгиец Адольф Сакс, живший в ХІХ веке. Интересно, что за пять месяцев до получения патента Сакса в суде обвинили в мошенничестве. В решении суда так и говорилось: «Музыкальный инструмент под названием саксофон не существует и не может существовать»... Прожив долгую жизнь, Сакс так и не дожил до великой эпохи джаза. Умер в нищете. И, конечно же, не представлял, что через 100 лет его чудесное творение будет популярно и любимо во всем мире. А мы, конечно, знаем, что саксофон - один из тех величайших музыкальных инструментов, который смог так чутко коснуться человеческой души... Рок-группа «Scorpions». «Send Me An Angel» (кавер) Исп. Юозас Курайтис