Результаты поиска

Мы знаем, что музыка способна вызвать в человеке самые разнообразные переживания. Ученые до сих пор не могут разгадать секреты уникального воздействия музыкальных произведений на наше эмоциональное состояние. Почему определенные ритмические рисунки, мелодии и гармонии вызывают соответствующие им определенные чувства? Есть ли законы, описывающие этот процесс? Можно ли их описать математически? И если да, то как скоро искусственный интеллект начнет писать музыку, неотличимую от человеческой?.. См. также: Музыка выражает наши эмоции на глубинном уровне гораздо мощнее, чем способны выразить слова. Мы можем прийти в состояние эйфории от драйвовой музыки в каком-нибудь рок-клубе, а слушая романтичную балладу, пережить тоску неразделенной любви... Загадка антропологии Еще отец эволюционной теории англичанин Чарльз Дарвин был озадачен способностью человека воспринимать музыку и способность эту назвал « самой загадочной из тех, коими одарено человечество » . Некоторые ученые-мыслители - такие, как канадско-американский когнитивист Стивен Пинкер - даже усомнились в том, есть ли вообще в музыке какая-то особая ценность. На взгляд Пинкера, музыка нравится нам только потому, что стимулирует другие, более важные наши способности - способность распознавать паттерны (шаблоны), например. Сама же по себе она, по мнению Пинкера, ценности не представляет и выступает лишь как раздражитель для слуха. Когда б дело обстояло именно так, разве стали бы люди по всему миру тратить столько своего жизненного времени и денег на музицирование и прослушивание музыки? Если вы считаете себя музыкальным фанатом, сопоставьте свою одержимость с отношением к музыке в пигмейском племени бабинга. Эта центральноафриканская народность известна тем, что песней и танцем сопровождает любое занятие - от сбора меда до охоты на слонов. Французский антрополог и этномузыковед Жильбер Руже, живший среди представителей бабинга в 1946 году, обнаружил, что неучастие в ритуале совместного музицирования считается у них ужаснейшим из преступлений. « Яснее, пожалуй, и не выразишь то, что песня и пища одинаково необходимы человеку для жизни, - заметил ученый. - По этой причине многие люди (включая меня самого) с трудом могут поверить в то, что музыка - это всего лишь фоновый саундтрек к истории человеческой эволюции » . По счастью, относительно назначения музыки существуют и альтернативные теории. Согласно одной особенно популярной гипотезе, музыка возникла в ответ на сексуальную конкуренцию среди людей - как яркий хвост у павлинов. Действительно, развитые музыкальные способности делают человека сексуально более привлекательным. Однако доказательств у этой теории пока немного: недавнее исследование 10 тыс. двойняшек не показало, что музыкантам как-то уж особенно везет в делах «любовных» (Мик Джаггер и многие другие рокеры, впрочем, могут с этим поспорить) 🙂... Высказывается также предположение, что музыка явилась ранней формой коммуникации людей. И действительно, некоторые музыкальные мотивы несут в себе эмоциональные коды наших предков. Вот, например, восходящее стаккато нас эмоционально заводит, а длительные нисходящие секвенции действуют успокаивающе. По-видимому, определенные звуковые построения содержат универсальные смыслы, одинаково считываемые взрослыми разных возрастов и культур, маленькими детьми и даже животными. Так что можно с большой долей уверенности утверждать, что музыка возникла на фундаменте из ассоциаций с криками птиц и зверей как средство, с помощью которого древний человек, еще не имевший языка, мог выражать свои чувства. Очевидно, что рычание тигра, рев медведя, грохот грома, шипение змеи — то есть низкие, отрывистые, глубокие звуки — ассоциируются с опасностью, напряжением, выбросом адреналина. В то же время журчание ручья, треск пламени и пение птиц, детский голос, смех ассоциируются с жизнью и теплом, что также оставило глубокий след в ассоциативном ряду, который передается и закрепляется из поколения в поколение уже много тысяч лет. Это значит, что, копируя знакомые звуки, человек мог выражать свои эмоции и делиться этой информацией с другими. Таким образом, звуки и их сочетания можно считать не только первой музыкой, но и протоязыком , фундаментом возникновения речи. Кроме того, на определенном историческом этапе музыка, возможно, помогла объединению людей в сообщества. Групповой танец и пение хором сделали людей более альтруистичными и более склонными отождествлять себя с коллективом, в котором они существуют. Согласно результатам новейших исследований нейробиологии, двигаясь синхронно с другим человеком, мы - благодаря сигналам, посылаемым мозгом, - перестаем осознавать себя как нечто отдельное. Все мы прекрасно знаем по собственным телесным реакциям - чтобы людям начать двигаться в едином порыве, нет лучшего средства, чем музыка. Эмоциональный контакт с миром Если мелодия вызывает в теле приятные вибрации, достаточно обычного ее прослушивания для того, чтобы наше эго уменьшилось. Группа, в которой больше солидарности и меньше внутренних раздоров, имеет более высокий шанс выжить и достичь процветания. Наиболее широко это было проиллюстрировано примером племени бабинга с его обязательным ежедневным музицированием. Антрополог Руже писал о бабинга: « При включении в процесс происходит до некоторой степени стирание собственной личности, так что каждый из участников начинает ощущать себя одним целым с группой поющих » . Пример пигмейского «йодля» (фрагмент фильма британского Королевского антропологического института) Роль музыки в качестве клея для социума можно проследить и на примере песен, которые пели рабы за работой, а также хоровых солдатских песен и песен матросов. Похоже, что музыка действительно сплачивает людей. Музыка, по-видимому, заложена в самой основе наших отношений с миром, и есть глубокий смысл в том, чтобы, перебирая наши сердечные струны, она помогала нам устанавливать эмоциональный контакт с другими людьми и вообще со всем сущим. Каждая культура может надстраивать этот рудиментарный инстинкт по-своему, создавая собственный лексикон музыкальных аккордов и мотивов, которые станут ассоциироваться с определенными переживаниями. Каковы бы ни были генезис и исконное назначение музыки, современные люди уже не могут не связывать ее с важными событиями собственной жизни. Нынешнее наше существование на Земле - от зачатия, вынашивания, рождения и до погребения, со всем, что может случиться с человеком в промежутке - сопровождается определенным музыкальным рядом. Сегодняшний мир нельзя представить без музыки. Она плотно сплелась с нашим эмоциональным интеллектом, с пониманием себя и других людей. Имея универсальный источник в виде природных звуков, музыка сегодня также универсальна, а ее чувственный окрас понятен каждому, независимо от национальности, расы и культуры. И неудивительно поэтому, что звуки любимых мелодий способны напоить нас таким пьянящим коктейлем из эмоций и воспоминаний... The Rolling Stones. Angie

Все прекрасное создано милостью богов. Надпись, найденная на руинах древней Месопотамии В начале повествования предлагаю читателю совершить краткий исторический экскурс. Примерно в 1950-х годах на территории современной южной Сирии, в древнем городе-государстве Угарит были найдены глиняные таблички с текстами. Тексты написаны горизонтально, слева направо, в аккадийском стиле, на хурритском языке. Ученые предполагают, что их авторы - представители народа хурриты, который появился на этой территории приблизительно пять тысяч лет назад. На данных табличках, а их возраст составляет примерно три с половиной тысячи лет, написаны ноты для музыкального инструмента лиры. Это - первейшая из известных человечеству попыток письменно зафиксировать музыку. Она на десять веков опередила подобную такую работу, сделанную рукой знаменитого греческого философа, математика и мистика Пифагора, и представляет собой самую древнюю нотную запись на Земле [1]. Удивительно, но современные ученые с помощью математических методов сумели расшифровать эти ноты и тексты и даже смогли вычленить музыкальные фразы, состоящие из группы тонов: на табличке отдельно была написана музыка, отдельно – слова, а также подробная инструкция о том, как совмещать их. Музыка называется «Гимн Никале» и посвящена жене Бога Луны. Исследователи смогли воспроизвести эту древнюю мелодию только после того, как изготовили лиру, аналогичную той, что была найдена среди руин древнего Ура, и записали ее на информационные носители. Это может показаться чудом, – но музыка Угарита через непроглядный туман веков обрела для сегодняшних ценителей свежее звучание. Ниже можно услышать эту изумительную мелодию в современном исполнении: «Мы никогда не сомневались, - пояснили ученые из Калифорнийского университета, - что во времена древней вавилоно-ассирийской цивилизации существовала музыка, но до расшифровки таблички мы не предполагали, что она имела ту же гепта-тоническо-диатоническую гамму, что и современная западная музыка, а также греческая музыка первого тысячелетия до нашей эры». Если вы внимательно прослушали упомянутый выше «Гимн Никале», то наверняка обратили внимание, что звучит он в дорийском ладу, то есть в одном из натуральных ладов, обычно называемом древнегреческим. К слову, из всего многообразия ладов греки с особым почтением выделяли именно этот звукоряд, который, по их мнению, отличался абсолютной устойчивостью. Они полагали, что данная звуковысотная структура оказывает на человека вполне определенное эмоциональное воздействие, будучи ярким воплощением бодрости, живости и жизнерадостности. Так, по мнению Гераклида Понтийского, согласно преданию Атения, «Дорийская гамма выражает мужественность, торжественность и не разливающееся или веселое, но серьезное и сильное, не пестрое и не многообразное». Платон и Аристотель также называли этот порядок «отважным» и уравновешенным, Аристотель считал его этически наиболее ценным, в том числе полезным для воспитания [2]. И все же поразительно вот что. В случае если указанное произведение - действительно оригинальная шумерская музыка, то интересен тот факт, что задолго до античной Греции подобные мелодические лады, оказывается, были уже известны более ранним народам, а греки их только позаимствовали, но не изобрели... До сих пор считалось, что основы западного музыкального искусства были заложены в Греции; теперь же точно установлено, что его начальные принципы - как и многие другие аспекты западной цивилизации - зародились именно в Месопотамии. Таково мнение современных служителей науки об истоках европейской музыки. В этом нет ничего удивительного, поскольку еще две тысячи лет назад греческий ученый Филон Александрийский утверждал, что жители тех благодатных земель «стремились к мировой гармонии через созвучие музыкальных тонов» [3]. Надо заметить, что развитие материальной и духовной культуры шумеров сопровождалось расцветом всех видов искусства. Нет никаких сомнений в том, что музыку и песню тоже можно отнести к числу их «изобретений». Вероятно, именно к музыке жители Угарита питали особую любовь. При раскопках также были найдены статуэтки, изображающие барабанщиков и отдельные музыкальные инструменты, на цилиндрических печатях и глиняных табличках мы встречаем рисунки большого числа музыкальных инструментов, а также изображения танцоров, певцов и музыкантов. Тексты, датируемые вторым тысячелетием до нашей эры, свидетельствуют об использовании «музыкальных ключей» и о существовании стройной музыкальной теории. Таким образом, у шумеров и их преемников была полноценная музыкальная жизнь. Подобно многим другим достижениям шумерской цивилизации, музыка и пение зародились в храмах. Однако вскоре эти исполнительские виды искусства завоевали широкую популярность и за пределами святилищ. Итак, обращаясь к теме музыки, как олицетворению, по словам Филона Александрийского, самого непосредственного пути к постижению божественной гармонии, нужно отметить, что древние цивилизации Шумера, Ассирии и Вавилона внесли значительный вклад в развитие музыкального искусства и понимание его истинного назначения. Например, в те времена в Ассирии развивалась музыкальная теория. Интересно, что согласно ей в музыке главенствовали числовые отношения, а сама теория была тесно связана с астрологией. Вероятно, впоследствии именно такая трактовка музыкальных закономерностей стала основой для теории музыки Древней Греции у Пифагора, открывшего своим соотечественникам тайну «гармонии сфер». Закон музыки, по представлениям древних людей, - это универсальный закон жизни, который действует во Вселенной, это закон гармонии и пропорции, осуществляющий равновесие, закон, скрытый за всеми гранями бытия, удерживающий Миропорядок в целости и направляющий Его судьбу к выполнению Высшего предназначения. Все в этом мире – от самой маленькой травинки до самой отдаленной галактики - дает нам идею гармоничной согласованности, или Музыки. Как уже отмечалось, в ту далекую эпоху на музыку возлагались серьезные религиозные задачи. Почти во всех кругах внутреннего культа в любой части света этот вид искусства был центром церемонии. Именно мистический аспект музыки был тайной всех религий. Музыка, как считалось тогда, - наилучшее средство пробуждения души; и не было ничего более вдохновеннее этого. Древний человек с особой остротой чувствовал силу воздействия музыки на самые глубокие и сокровенные стороны души. Не случайно в большинстве государств музыканты были служителями храмов (а порой и жрецами); умение же играть на каком-либо инструменте считалось высочайшим даром [4]. Как повествует в своей книге «Мистицизм звука» суфийский музыкант и философ Хазрат Инайят Хан, даже величайшие легендарные пророки были великими музыкантами. Например, среди индусских пророков можно найти Нараду, который одновременно был и музыкантом, бога Шиву, изобретателя священного древнеиндийского музыкального инструмента вины; Кришну, который всегда изображается с флейтой. Также существует хорошо известная легенда из жизни Моисея, которая рассказывает о том, что Моисей услышал божественное повеление на горе Синай в словах Muse ke - "Моисей, внемли"; а откровение, снизошедшее на него, состояло из тона и ритма, и он назвал его тем же самым именем: Музыка [5]. В исполнительском мастерстве в ту пору наиболее ценилась импровизация: способность импровизировать воспринималась как состояние наивысшей близости музыканта к божеству, что-то сродни медитации или религиозному экстазу. Может быть, поэтому древние авторы не всегда стремились записать свои произведения, и от огромного периода в три тысячелетия до нас дошло ничтожно малое число сочинений… По какой причине люди далекого прошлого так трепетно и возвышенно относились к музыке, обожествляли и почитали ее как священную? *** Вначале был Звук… Г. Гурджиев Веды о Звуке Обратимся к древнейшим священным писаниям индусов – Ведам, к этому загадочному архаичному своду религиозных текстов, содержащих в себе основы всех знаний, которыми на сегодня располагает человечество. Если верить индуистским легендам, эти знания поведали людям боги в начале Калиюги (нынешнего «темного века» или «века невежества»). Другими словами, «видящие», мудрецы того времени, а это приблизительно пять (а по некоторым источникам, до десяти) тысяч лет назад, - понимали, что люди все больше теряют осознание Законов Природы. Они предсказывали, что с наступлением Калиюги уровень сознания большинства людей значительно снизится, они станут более приземленными и несведущими, вследствие чего в обществе произойдут падение нравственности и духовная деградация. В результате человечество просто не сможет непосредственно, всей мощью своего чистого проницательного разума, воспринимать вибрации Абсолюта, или Бога [6]. Поэтому провидцы, которые со времен появления Вселенной передавали потаенные знания из уст в уста, решили записать эманации Высшего Начала в виде звуков для того, чтобы следующие «непросветленные» поколения (вроде нашего), будучи не в состоянии охватить всю полноту этого единого, целостного поля Законов Мироздания, смогли хотя бы в форме обычной человеческой речи услышать их. Нам, для простоты использования, были преподаны ограниченные, специализированные знания, а именно: о времени и его циклах, о здоровье и долголетии, о строительстве и архитектуре, о химии, математике и астрологии, о возникновении и строении макрокосмоса, о самопознании и самосовершенствовании, о практике для достижения Единства и так далее. Для их записи был использован древнейший, самый совершенный праязык - санскрит, который наиболее близок к Природе. Таким образом, стародавние сокровенные писания - Веды - являются не чем иным, как тонким Звуком, услышанным великими Учителями прошлого, и записанным Ими в виде санскритских текстов, само звучание которых, кстати, так же имеет особое значение. Говорят, что именно в первых четырех частях Вед - «Ригведе», «Яджурведе», «Самаведе» и «Атхарваведе» - важны звуки сами по себе, поскольку они являются «уплотненным» (проявленным, материальным) звучанием неуловимых колебаний Единого поля Вселенной. Звук, выражаясь фигурально, – это сердце Вед. Так, в Самаведе, (что в переводе означает «веда песнопений», где собраны тысячи стихов, которые пропевались священниками во время совершения торжественных ритуалов), мы впервые находим указание на то, что этот мир создан звуком. Что это значит? Ведические мудрецы повествуют, что Звук - это единственный характерный признак первоэлемента эфира, основы всего зримого. Он, этот изначальный звук, который еще до начала времен впервые прозвучал в мировом пространстве, и породил весь материальный мир, нашу вселенную и нас самих. Именно эфир является вместилищем Знания, и Знание передается нам посредством Звука как тончайшей субстанции, обладающей высочайшей проникающей способностью. Для этого вида энергии, имеющей волновую природу, нет никаких преград. Согласно Ведам, Брахма, бог творения, выступая в роли созидателя, вначале просто медитирует. Другими словами, изначально каждый предмет Вселенной проявляется на тонком плане, в форме образа, мысли Творца, затем звук материализует идею Создателя, и только после этого в нашем видимом мире из данного звукового импульса возникает сам объект в его грубой, физической, форме. Образно выражаясь, все, что мы видим, есть уплотненная форма звука. Как говорится в одной древнеиндийской сутре: «Этот вечно резонирующий звук - высшая реальность. Если у человека случится переживание этого звука, тогда все, чего он пожелает, будет принадлежать ему... и он войдет в измерение Божественного». Те, кто пережили этот мистический Первозвук, источник Созидания, проявленный из непроявленного, утверждают, что он слышится как АУМ (или ОМ). Этот сакральный Пра-звук, или Мировая тоника, и есть первооснова Вселенной, начало всего сущего. Весь наш мир произошел от таинственных волн, вызванных этим неведомым космическим звуковым всплеском… *** Есть состояние тишины, и есть состояние за пределами звука и тишины. Ошо Звук абстрактного является центральным понятием мистических учений разных народов. В Ведах он называется «Анахад», означая «неограниченный звук». Суфии говорят о «Саут-е Сармад», обозначая нечто возвышенное, состояние свободы души от ее земных уз. Последователи дзен упоминают «звук хлопка одной ладони». В Индии, Таиланде, Японии мистики указывают на «Анахата нада » - невызванный звук или слышимое беззвучие - вечный и бесконечный звук, пронизывающий все сущее, - от мельчайших атомных частиц до недосягаемых пределов Космоса. Это звук самой Вселенной и первоисточник жизни. То, что Мухаммед слышал в пещере Гар-е Хира, когда он глубоко погрузился в свой божественный идеал, был именно Он, Звук абстрактного плана. Коран упоминает этот Звук в словах «Будь! И все стало». Моисей слышал Его на горе Синай, когда общался с Богом; и то же Слово было слышно Христу в пустыне, когда Он был принят в лоно своего Небесного Отца. Шива слышал аналогичный Анахата Нада во время своего Самадхи в пещере в Гималаях. Флейта Кришны символизирует тот же Звук. С понятием ОМ, как писал Х.-И. Хан, знакомы не только индуисты, джайны или буддисты. Иудеи, христиане и мусульмане в своих молитвах часто произносят его аналог, слова «амен» или «аминь», что в эзотерической речи означает «сокрытый». Его отражение мы можем увидеть также в иудейском приветствии ШалОМ. Даже древние египтяне употребляли это слово для призывания своего великого Бога Тайны, Аммона («скрытого бога»), чтобы тот проявил себя им. Мантра ОМ Как уже упоминалось выше, этот Звук есть источник Знания, откровения, для Мастеров, которым Он открывается изнутри; именно поэтому они знают и учат одной и той же истине. Однако, как утверждают мистики, обычный человек Его не слышит потому, что его сознание полностью сосредоточено на материальном существовании. Человек настолько поглощен своими переживаниями во внешнем мире через посредство физического тела и его ограниченных по своим возможностям органов чувств, что пространство, со всеми чудесами света и звука, предстает перед ним пустым. Почему же, размышляя о мистической стороне музыки, мы приходим к осознанию сокровенного значения этого тонкого Звука? Не потому ли, что наша земная музыка есть Его отражение, попытка Высших Сил на протяжении тысячелетий посредством музыкального благозвучия передать человеку подобие Его волнующего переживания; возможно, это бесценный подарок для нас, простых людей, с целью привнести пусть даже слабое понимание Непознаваемого в наш ограниченный мир? Ведь недаром говорят: «Только музыка знает прямой путь к Истине - она сама оттуда родом»... *** Человечество потеряло большую часть древней науки магии, но если и осталось что-нибудь, то это музыка... Хазрат Инайят Хан Как уже говорилось, музыка занимала одно из важнейших мест в духовной жизни давних народов. В период расцвета культуры Древнего Египта ее представители были убеждены, что музыкальная гармония, как и различные музыкальные инструменты, ведет свое происхождение от Вышнего. В Древней Индии музыка величественной царицей восседала на почетном троне среди других искусств. Интересно, что первоначально мудрецами тех дальних земель она использовалась, как правило, для меди­тации, как источник духовного совершенства. Именно Самаведа, которая также переводится как «приятная мелодия», стоит у истоков зарождения древнеиндийской музыки. Она и по сей день является основой всех музыкальных систем этой страны. В Древнем Китае и Японии верили, что музыка представляет собой микрокосмос, отражающий строение Вселенной. Прекрасная музыка, как учил Конфуций, обладает строго определенной структурой, которую нельзя нарушать, как нельзя преступать закон. Считалось, что с ее помощью можно вызывать дождь, воздействовать на рост растений, а нарушение веками установленной музыкальной традиции способно привести к различным бедствиям. Коренные народы Америки - ацтеки, майя, инки - верили, что музыка помогает им в мистическом слиянии с Божеством, к которому они взывали. И если искусство Двуречья, Египта или античности воспринимается сейчас как далекое прошлое, то для Индии и Китая древняя музыка - часть современной музыкальной культуры. Как видим, с тех незапамятных времен и по сегодняшний день в душах людей живет интуитивное ощущение того, что «знающий тайну Звука знает тайну Вселенной», что сей небесный Благовест своим легким касанием способен затронуть самую глубину нашего внутреннего бытия, и возможно, когда-нибудь она, как натянутая струна, завибрирует в ответ… Музыку называют божественным искусством не только потому, что она используется в религии и обрядах, или потому, что она сама по себе есть универсальная религия, но вследствие ее особой пластичности, изящества и проницательности по сравнению со всеми другими искусствами. Какое это имеет значение для нас? Каждое священное писание, святое изображение или сказанное слово производит отпечаток своего тождества в зеркале нашего разума; но музыка предстает перед ним, не создавая никакого отпечатка, принадлежащего этому предметному миру: ни имени, ни формы. Музыка – самое абстрактное из всех искусств, так как она не имеет конкретных образов, не указывает прямо на объекты видимого мира. Как заметил Хазрат Инайят Хан, не существует в мире другой подобной магии, чем магия музыки, по силе влияния на человеческую натуру. Причина этого заключается в том, что наша душа, идущая по тернистому пути духовного развития, извечно находится в поисках бесформенного Бога. И именно музыка глубже, утонченнее и деликатнее всего подготавливает нашу душу к превосхождению, вознесению над именем и формой, к осознанию невыразимого Бесконечного – Того, Что не имеет определения. Тот, кто постепенно продвигается вверх по пути музыки, на вершине обретает наивысшее совершенство, ибо ни одно другое искусство не может так вдохновлять и наполнять благоуханием личность, как музыка. Почитатель этого вида искусства, рано или поздно, достигнет самого возвышенного поля мысли, достигнет понимания Бога - ведь музыка создает неповторимый резонанс, который звучит во всем существе, поднимая мысль над плотностью материи; она почти превращает материю в дух - в ее изначальное состояние - посредством гармонии вибраций, затрагивающей каждый атом человеческого существа. Она есть сакральная первооснова бытия. «Музыка - это путь от хаоса к космосу», - так, метафорически выражаясь, с опорой на собственный, пережитый в своем сердце, духовный опыт, наставляют мистики. По их словам, в настоящее время человек, находясь в самом начале пути своего духовного роста, представляет из себя, образно говоря, беспорядок, диссонанс, просто шум. Он еще не воздвиг тот внутренний храм, в котором священная несотворенная музыка зазвучит сама по себе. Эта музыка – суть его собственного существа, ритм его собственного существования, она всегда присутствует в самом человеческом существе, и чтобы узнать ее, не нужно никуда идти. Как правило, прямо сейчас мы не можем услышать эту тонкую музыку, ибо, по причине своего духовного неведения, глухи. Но ее можно уловить тогда, когда мы будем приведены в порядок, станем осознающими. Только оттого, что мы будем осознающими, - все выстроится в стройном консонансе, и тот шум, которым мы сейчас являемся, однажды превратится в симфонию [7]. И в заключение – с надеждой добавляю от себя: настанут времена, может, через сотни или тысячи лет, когда больше не будет горя – голода, войн, насилия, болезни и смерти. Люди своим внутренним светом и чистотой сердец уподобятся Ангелам. И тогда, с наступлением всеобщего Благоденствия, исчезнет необходимость в базарном шуме из пустых и суетных земных мыслей и слов. С людьми один на один, как с равными, в своей неизбывной Красоте будет вечно говорить только Она - Божественная Музыка… _____________________ При подготовке статьи использованы следующие работы: 1. Самая древняя мелодия в мире. Немного о другой стороне Сирии [Электронный ресурс] //Частный корреспондент. – 2012. – 3 мая. - Режим доступа: http://www.chaskor.ru/article/samaya_drevnyaya_melodiya_v_mire_27948 2. Лосев А.Ф. История античной эстетики. Ранний эллинизм. - Харьков: Фолио; М.: ООО «Издательство ACT», 2000. - 960 с. 3. Захария Ситчин. Двенадцатая планета. Когда боги бежали с земли. - М.: Изд-во Эксмо, 2006. 4. Музыка Древнего мира и Средневековья [Электронный ресурс] //Гипермаркет Знаний. - Режим доступа: http://school.xvatit.com/index.php?title= 5. Хазрат Инайят Хан. Мистицизм звука [Электронный ресурс] – Режим доступа: http://www.lib.ru/FILOSOF/SUFI/HIDAYAT/hazrat.txt 6. Кузнецов А. Что такое Веда [Электронный ресурс] //Международная Ассоциация Ведической Астрологии Джйотиш (МАВаДж). - Режим доступа: http://1-veda.info/_vedic/veda.html 7. Ошо. Дхаммапада: Путь Будды. Том 1: OCR by Roman Alekseyev, 2001

Акустическая левитация до сей поры остается загадкой для ученых. Может быть, именно с помощью данного метода тысячи лет назад строились мегалитические сооружения по всему миру... В индийской деревне Шивапур стоит маленькая суфийская мечеть. В ее дворике лежит камень весом почти 63 кг. И по сей день во время ежедневной молитвы 11 служителей собираются вокруг камня, повторяя имя святого Камара Али Дервиша. Когда их голоса достигают определенной высоты, монахи способны поднять огромный камень, поддерживая его только одним пальцем каждый. Секрет – именно в песнопениях, и одиннадцать голосов – формула, необходимая для поднятия камня в воздух. Достигая определенной высоты, голоса служителей входят в резонанс, изменяя вибрационные характеристики камня, и делают его невесомым: Еще одно проявление левитационных свойств музыки наблюдал в Тибете шведский инженер Генри Кьеллсон. Он описал, как монахи затаскивали камни площадью в 1,5 кв. м с помощью волов на плато и помещали их в специальную чашевидную яму. Она располагалась недалеко от 400-метрового обрыва, где нужно было соорудить храм. Рядом с ней стояли 19 музыкантов, а позади них колоннами, расходившимися лучами, выстраивались 200 священнослужителей. Все музыкальные инструменты (13 барабанов трех размеров и 6 больших труб) были направлены на яму. По команде все они начинали звучать, а священнослужители петь в унисон. Камни в яме начали подрагивать и раскачиваться из стороны в сторону. По мере усиления звука камни поднимались в воздух на 400 м, пролетая по параболической траектории точно до обрыва, где должен строиться храм. Так монахи могли поднять и перенести 5–6 каменных плит в час. Несколько лет спустя шведский врач Ярл тоже наблюдал эти удивительные явления. Тогда он работал в Оксфордском научном обществе в Египте и был приглашен лечить верховного ламу в Тибет. Ярлу разрешили снять на кинопленку весь ритуал с левитацией камней. Но впоследствии Оксфордское научное общество конфисковало фильмы, заявив, что, поскольку Ярл в то время работал на них, фильмы являются собственностью общества. Их спрятали в архивах под грифом «Совершенно секретно», и местонахождение пленок неизвестно до сих пор... Акустическая левитация активно изучается с середины 2000-х годов. Так, например, существуют проекты использования звуковых волн, не слышных человеческому уху. Метод акустической левитации сложнее, например, метода электромагнитной левитации, однако, позволяет работать с не проводящими ток объектами. Исследователям из Лаборатории термодинамики Швейцарского федерального Технологического института в Цюрихе удалось поднять и перемещать различные объекты произвольной формы, используя звуковые волны. Для демонстрации возможностей они столкнули гранулы кофе с каплями воды, «сварив» растворимый кофе прямо в пространстве, и произвели небольшой взрыв, заставив столкнуться частичку натрия с каплей воды. Возможно, применительно к людям однажды это позволит предотвращать внутреннее кровотечение бесконтактным способом. Акустическая левитация имеет несколько преимуществ по сравнению с магнитной: она может поднимать предметы, не обладающие магнитными свойствами. Единственное ограничение заключается в том, что размеры объекта не должны превышать половину длины волны звуковых колебаний. Но этого вполне достаточно для того, чтобы можно было поднять и перемещать деревянную зубочистку, чего в принципе нельзя достичь с помощью эффекта магнитной левитации. Эффект акустической левитации основан на стоячих звуковых волнах, статических колебаниях, получаемых за счет отражателей. Эти волны имеют минимумы и максимумы со строго определенным положением в пространстве, которые создают перепады давления. Если у перепада давления имеется необходимая амплитуда, то он может компенсировать вес объекта, помещенного внутрь стоячей акустической волны, заставив этот объект просто висеть в воздухе. Другими словами, если в вашем распоряжении имеется достаточно энергии и устройство, способное превращать эту энергию в энергию стоячих акустических колебаний, то вы можете поднять все, что угодно, начиная от крошечных частичек и заканчивая телом человека. Правда, подъем массивных объектов требует колоссальных затрат энергии, к примеру, для подъема капли воды требуется звуковая волна силой 160 дБ, и никому еще не известно, как организм человека сможет перенести воздействие мощных звуковых колебаний. Но данная разработка может найти массу практических применений в настоящее время на меньшем масштабе. Существует множество химических и биологических процессов, которые могут быть нарушены при контакте с любой поверхностью, и акустическая левитация является идеальным выходом из такой ситуации. Не имея таких ограничений, какие имеет магнитная левитация, акустическая позволит ученым реализовать множество новых технологий, провести опыты и эксперименты, которые ранее было провести попросту невозможно. Пример акустической левитации Ученые из Аргоннской национальной лаборатории (США) обнаружили способ использовать звуковые волны для левитации отдельных растворов. Это не фокус, и это не ловкость рук – ученые действительно используют левитацию для улучшения процесса разработки лекарственных средств, что в конечном итоге дает более эффективные фармацевтические препараты с меньшим количеством побочных эффектов. Звуковые волны, ускоряющиеся настолько, чтобы преодолеть звуковой барьер, способны на удивительные свершения – например, они поднимают в воздух вещи и заставляют их двигаться по воздуху стройными рядами. Токийские исследователи подняли в воздух бусинки, спичечные головки, кусочки пластмассы и капли воды. Это не первый в мире опыт левитации с помощью ультразвуковых акустических волн; поражает именно степень контроля над объектами – их не только подняли в воздух, но и заставили двигаться в разных направлениях. Ученые расставили четыре группы динамиков в кружок вокруг стола с объектами, напротив друг друга. При включении они одновременно начали испускать ультразвуковые волны, которые сошлись в одной точке в центре круга. А есть ли у изобретения практический смысл? Как минимум, оно увеличит точность нанотехнологий. Аэрокосмическая компания McLaren уже отказалась от стеклоочистителей и заменила их на ультразвуковую систему очистки от капель дождя. Физики из Швейцарии научились поднимать в воздух и управлять движением мельчайших капель и частиц с помощью акустических волн. Статья ученых появилась в журнале Physical Review Letters. Ее краткое изложение приводится на сайте Американского физического общества. В рамках работы ученые использовали несколько стоячих акустических волн – колебаний, максимумы и минимумы которых остаются неподвижными в пространстве. С их помощью ученым удалось заставить капли воды вращаться вокруг оси, сплющиваться, а также двигаться по замкнутым орбитам в вертикальных плоскостях. В сообщении подчеркивается, что при этом не происходило разрушения самих капель. Ученые говорят, что подобные технологии могут использоваться для бесконтактного манипулирования каплями жидкости и небольшими частицами. В частности, они отмечают, что их метод позволит проводить в лабораторных условиях эксперименты в условиях микрогравитации. Понятно, что по мере истощения энергетических ресурсов Земли человеку придется искать другие источники энергии. Кто знает, возможно, одним из них станет левитационная сила звука. Правда, для этого придется сначала разгадать природу этого удивительного феномена...

«Не знали - на небе или на земле мы: ибо нет на земле такого зрелища и красоты такой, и не знаем, как и рассказать об этом, - знаем мы только, что пребывает там Бог с людьми...» Так, согласно «Повести временных лет», послы князя Владимира, вернувшись из Константинополя (987), описывают впечатления от византийского церковного пения... Древний византийский распев ведет свою историю с IV века. Из самых почитаемых композиторов византийской музыки часто особо выделяют следующих: преподобных Романа Сладкопевца (VI в.), Иоанна Дамаскина (VII в.) и Иоанна Кукузеля (XIV в.), а также Петра Пелопоннесского (XVIII в.) - выдающегося пост-византийского композитора, чьи оригинальные музыкальные произведения и переложения более древних сочинений на «новый метод» византийской нотации легли в основу современного обихода византийского церковного пения. Византийская музыка относится к жанру так называемой «модальной» музыки, то есть, в отличие от академической европейской, основанной на мажоро-минорной системе, она использует 8 различных ладов. Звуковые интервалы ладов византийской музыки не имеют равномерного (темперированного) строя - они содержат микротона (например, 1/4 тона). Иначе говоря, подавляющую часть византийской музыки невозможно исполнить, к примеру, на фортепиано. Музыкальное сочинение в византийском певческом искусстве создается с помощью невменной системы нотации, которая по происхождению предшествует европейской, и состоит из знаков, обозначающих ход голоса (вверх или вниз), ритм и так далее. Невменная нотация не фиксирует абсолютную высоту звука, а отражает его относительную высоту по сравнению с предыдущим. Наконец, важнейшая особенность заключается в том, как сочиняются новые композиции. Композитору необходимо использовать мелодические формулы - «фесисы», которых существует несколько тысяч. Иными словами, он не может сочинить новую мелодию «с нуля», но должен опираться на существующие звуковые формулы, сохраняя, таким образом, музыкальное предание путем подражания стилю более древних, классических сочинений. Византийский распев «Христос Воскресе» Хор Александро-Свирского монастыря

Ритмические колебания активности мозга слушателей на «живом» концерте синхронизируются друг с другом и с ритмом музыки. Каждый меломан знает, что переживания «живого» концерта — это нечто особенное, чего никак не могут передать даже самые лучшие наушники и колонки. Знает об этом и мозг: Джессика Гран (Jessica Grahn) и ее коллеги обнаружили, что ритмические колебания мозговой активности у посетителей концерта синхронизируются, стимулируя позитивные переживания. Об этом ученые рассказали на ежегодной встрече Общества когнитивных нейронаук (Cognitive Neuroscience Society), прошедшей в американском Бостоне. Электроэнцефалография (ЭЭГ) позволяет измерить ритмические групповые колебания активности нейронов в разных отделах мозга. Их частота, амплитуда и форма меняются от стабильных альфа-волн в спокойном бодрствующем состоянии до быстрых бета- и гамма-волн при интенсивной работе мозга, долгих тета- и дельта-волн — в период восстановления и сна. Их нарушения могут быть связаны с такими состояниями, как болезнь Паркинсона и дислексия. В ходе своих экспериментов исследователи использовали электроды ЭЭГ для наблюдения за мозговыми волнами у добровольцев, разделенных на группы по 20 человек. Все они слушали одну и ту же песню, специально написанную для этого опыта, с сильно выраженной ритмической основой. Но одни подопытные услышали ее в «живом» исполнении перед большой аудиторией, вторые — в записи на экране телевизора, третьи же смотрели видео выступления перед немногочисленной группой зрителей. И действительно: у участников первой группы отмечалась намного более высокая синхронизация мозговых волн как друг с другом, так и с ритмом самой музыки. Более того, заполненные после исполнения опросники показали, что люди именно из этой группы переживали опыт как более позитивный, чем те, которые смотрели исполнение в записи. Ученые считают этот эффект еще одним напоминанием о высокой социальной природе нашего вида. Сегодня большинство из нас привыкли выступать лишь в роли слушателя, но некогда музыка и танец были частью культовых ритуалов и соответствующих групповых действий, ведущих к созданию тесных социальных связей. Такое поведение вознаграждается мозгом — и мы до сих пор переживаем на концертах «нечто особенное».

Часть I Фамилии наших женщин-композиторов нужно записывать на лепестках розы, чтобы все их запомнить и не упустить из виду ни одного их произведения... Роберт Шуман Композиция, как и многие другие творческие профессии, традиционно считается привилегией "сильной половины человечества". На протяжении столетий мужчины писали гениальную музыку, исполняли ее, комментировали и обсуждали. Присутствию женщин в этой сфере мешали очевидные общественные причины; несмотря на них, женщины писали первоклассную музыку в Средневековье и в ренессансные времена, в эпоху барокко и на протяжении XIX века, не говоря уже о настоящем времени. Они смело отстаивали свое право на творчество и часто добивались больших успехов на композиторском поприще. Они были приняты в кругах композиторов-мужчин и получали от них высокие оценки, их произведения широко исполнялись и исполняются до сих пор. Но на слуху обычно мужские имена... Сочинение музыки для женщины как будто рассматривалось не больше, чем хобби, на какие бы вершины она ни взлетала - несмотря на то что творчество женщин сыграло немаловажную роль в развитии мировой музыкальной культуры. "Скорее мужчина родит ребенка, чем женщина напишет хорошую музыку", - заявил однажды немецкий композитор Иоганнес Брамс. Спустя полтора века женщины-композиторы собирают крупнейшие мировые концертные залы, пишут музыку для кино, занимаются меценатством и выступают с важными социальными инициативами. В этой статье я расскажу о женщинах, чей талант и труд помог опровергнуть стереотип о "мужской" профессии композитора. Сегодня, когда разговор о настоящем равноправии, свободе и уважении ведется в самых разных культурах и обществах на новом уровне, эта музыка, наконец, услышана всеми... *** ДРЕВНИЙ МИР Известно, что женщины писали музыку еще в Древнем Египте. В этом государстве женщина занимала высокое положение в сравнении с большинством прочих развитых цивилизаций того периода — в том числе Древней Греции и Римской империи. Рисунок из гробницы Нахта, ок. 1422—1411 гг. до н. э. Египтянки обладали не только равными с мужчинами юридическими правами наследования и завещания, но также иногда достигали высоких позиций в административном управлении, властных структурах, становились писцами. Знатные женщины имели возможность разучивать песни и танцы, сочинять музыку, учиться игре на музыкальных инструментах. Древняя Греция также знала многих женщин, сочинявших стихи-музыку (лирическая поэзия тогда распевалась под аккомпанемент музыкальных инструментов). Многим знакомо имя прославленной Сафо с острова Лесбос. Сафо (около 630 г. до н. э. — 572 или 570 г. до н. э.) - великая древнегреческая поэтесса, глава музыкальной и поэтической школы, автор монодической мелики (или песенной лирики, предназначенной для распевания сольно или хором). Сафо исполняла любовную лирику под ненавязчивую музыку, и поэтому женщину часто изображали со струнными инструментами в руках. Творчество этой лирической поэтессы со времен античности считается образцовым, совершенным искусством. Аристократка, изгнанница, глава женского содружества, посвященного богине любви... Платон считал ее десятой музой, Страбон – чудом. Она рано обнаружила в себе поэтический дар и возвышенным слогом воспела любовь, красоту тела и души, женственность и гармонию. Ее стихи сохранились во фрагментах, музыка, к сожалению, не сохранилась. Исследователи отмечают, что все произведения Сафо необычайно музыкальны. Поэтесса чувствовала мелодику речи, умела подбирать соответствующие слова и звуки: Близ луны прекрасной тускнеют звезды, Покрывалом лик лучезарный кроют, Чтоб она одна всей земле светила Полною славой... *** СРЕДНЕВЕКОВЬЕ IX век Однако считается, что первая известная женщина-композитор в западном смысле слова родилась в Византии более 1000 лет назад. Известна она как Кассия Константинопольская или Кассия Песнописица (805 или 810 – после 867) — поэтесса, монахиня, композитор. Является автором литургических произведений и ямбических эпиграмм; единственная женщина среди византийских гимнографов, чьи произведения вошли в богослужебные книги Православной церкви. Почитается в Православной церкви как святая (в лике преподобных). Кассия родилась в богатой семье. На деньги семьи она построила монастырь. В этом монастыре она и приняла постриг. Ее, что неудивительно, избрали игуменьей. Считается, что сохранилось около полусотни духовных песен ее авторства. Исследователи отмечают, что музыка и поэзия Кассии достаточно оригинальны и показывают ее замечательное знание христианского вероучения. Кассия Константинопольская — одна из наиболее ранних композиторов, чьи сочинения могут быть интерпретированы и исполнены современными музыкантами. Одно из таких произведений — "O Synapostatis Tyrannos" в переложении для струнного квартета — было записано ансамблем "Kronos Quartet". На текст тропаря Кассии (в английском переводе) написал масштабную композицию "Мироносица" британский композитор Дж. Тавенер (1993). В 2008 году специально для исполнения сочинений монахини Кассии был создан немецкий женский вокальный секстет "VocaMе". Кассия Константинопольская. O synapostatis tyrannos (The Apostate Tyrant) XII век Через три века после Кассии на территории современной Германии родилась Хильдегарда Бингенская (1098–1179) - знаменитая немецкая монахиня-мистик, "научившая женщин говорить". Будучи настоятельницей-аббатисой возведенного под ее руководством бенедиктинского монастыря Рупертсберг, она прославилась как пророчица и автор мистических книг видений, духовных стихов, песнопений, трудов по естествознанию и медицине. С пяти лет Хильдегарда имела видения, что побудило родителей вверить девочку духовной опеке монахинь бенедиктинского монастыря в Дизибоденберге. В 1136 году Хильдегарда сама стала аббатисой этого монастыря, который вскоре был перенесен на холм Св. Руперта близ рейнского города Бингена (по которому Хильдегарда получила свое прозвище). В 43-летнем возрасте ей явилось видение величайшего света, и глас небесный сказал: "О, бренный человече, и прах праха, и тление тления! Расскажи и запиши, что ты увидишь и услышишь". С этого времени она стала записывать ниспосылаемые ей откровения. Хильдегарда снискала репутацию настоящей провидицы, во всех деталях предугадавшей ход истории, в том числе английскую реформацию и наполеоновские войны... Многие считают ее первой женщиной - ученым-естествоиспытателем Германии, первой женщиной-врачом и даже первой феминисткой страны. Величайшая в мировой истории самоучка. Как бы там ни было, ясно одно: Хильдегарда фон Бинген была одной из самых выдающихся женщин средневековой Европы: эмансипированная монахиня и интеллектуалка сумела воспользоваться свободами, которые предоставляло в те годы "монастырское заточение". В ее работах образ Бога получил многие "чисто женские" черты и свойства характера. Хильдегарда горячо полемизировала с отцами церкви, так как она первая выступила с идеей обоюдной вины полов при грехопадении... Весьма смелая идея для тех времен. Будучи наставницей в двух монастырях, она читала на рыночных площадях проповеди, что было невероятным для того времени. Хильдегарда была достаточно влиятельной фигурой в Средние века - с ней считались и священнослужители высокого ранга, и король. Она вела обширную переписку — в числе ее респондентов были кайзер Фридрих Барбаросса и папа Александр III. Можно сказать, что Хильдегарда была не только первопроходицей среди женщин в музыке, но и фигурой, повлиявшей на развитие музыки в целом. При этом ее произведения были забыты примерно до 1970—80-х годов, пока не возник интерес к ранней средневековой музыке. И когда выяснилось, что уже в Средние века существовала женщина-композитор, это многих привело в восторг. Произведения Хильдегарды, скорее всего, исполнялись во время церковных литургий - так как литургии были еженедельными, возможно, постоянно требовалась новая музыка. Несколько веков спустя Бах точно так же сочинял новые кантаты в соответствии с церковным календарем. Сохранилось 77 монодических церковных распевов на собственные латинские нерифмованные стихи, приписываемых Хильдегарде. При этом мы не знаем точно, действительно ли она сочинила их все - она как настоятельница женского монастыря могла автоматически считаться автором, а на деле некоторая музыка могла быть написана кем-то из ее послушниц. Песнопения отличаются необычной протяженностью и богатой мелизматикой. Все свои труды Хильдегарда собрала в сборник "Гармоническая симфония небесных откровений". Сейчас в продаже имеется не менее 30 компакт-дисков, полностью или в основном посвященных ее литургическим песнопениям; вместе они представляют виртуозный и яркий репертуар пения "a cappella". В 2012 году Хильдегарда Бингенская канонизирована Римско-католической Церковью в лике "Учитель Церкви". Кстати, в ее честь назван астероид (898) Хильдегард, открытый в 1918 году. Хильдегарда Бингенская. Ave generosa Кто такие тробаирицы Конечно тот факт, что женщины Средневековья писали музыку, особого удивления не вызывал. Но существовала теория, что они писали исключительно религиозные произведения, как Хильдегарда Бингенская. Позже выяснилось, что дамы писали также восхитительную светскую музыку. Классический эпос Средневековья тяготеет по времени возникновения к XII веку, то есть к моменту формирования первых централизованных государств. Куртуазная (или рыцарская) литература была представлена поэзией и романом. Она сложилась в Провансе, на юге Франции. Ее создателями были трубадуры - чаще всего это были люди благородного происхождения, но среди них также встречались таланты "из низов". Трубадурами были как мужчины, так и женщины. Женщины так хорошо и часто писали, что во французском языке появился феминитив от слова трубадур - тробаирица ("trobairitz" - от провансальского "trobar", букв. "находить", "составлять"). Поэтессы, именовавшиеся тробаирицами, принадлежали к высшей аристократии и писали о fin 'amors, или куртуазной любви. О тробаирицах сохранилось очень мало сведений. Все известные произведения появились в период между 1170 и 1260 годами, все наследие состоит из 23—46 произведений. И только некоторые из них подписаны авторами. Тробаирицы исключительны как первые известные женщины-композиторы западной светской музыки. Они предпочитали жанры "кансо" (любовный стих) и "тенсо" (полемический стих). Имена примерно двадцати поэтесс XII и XIII веков сохранились до наших дней. Среди провансальцев была блистательная графиня де Диа. Беатриса де Диа, или графиня из Дйо (графиня Дийская) (ок. 1140 — ок. 1200/1210) — графиня, известная женщина-трубадур, жившая в Средневековом Провансе. Она знаменита тем, что является первой известной нам куртуазной поэтессой Окситании (региона Франции). Из жизнеописания Беатрисы де Диа известно, что она была замужем, но тайно любила трубадура Рэмбаута д'Ауренгу, которому посвятила много своих песен. До наших времен дошло всего пять ее кансон. А к одной из них даже сохранилась мелодия – "Повеселей бы песню я запела" ("A chantar m'er de so qu'ieu no volria"): Перевод: Повеселей бы песню я запела, Да не могу — на сердце накипело! Я ничего для друга не жалела, Но что ему душа моя и тело, И жалость, и любви закон святой! Покинутая, я осиротела, И он меня обходит стороной… Следует отметить, что само существование графини де Диа некоторыми исследователями ставится под сомнение, из-за скудности и противоречивости немногочисленных свидетельств о ней. Единственная существующая песня тробаириц, которая сохранилась с музыкой, - это кансона графини де Диа: Беатриса де Диа Кансона "A chantar m'er de so qu'ieu no volria" Среди провансальцев известны и другие замечательные женщины из высшего общества: Азалинда де Поркайраргес, Кастелоза из Оверни, Клара Андузская, Аламанда де Кастельно, Гарсенда де Проэнса, Гормонда де Монпесье, Гвиневера и другие. Однако среди тробаириц были и простые горожанки. Например, в сентябре 1321 года трубадуры и жонглеры Парижа собрались в профессиональную гильдию. Десять из подписавшихся под вступлением в средневековый профсоюз были женщины. Также известна Мари де Франс - единственная женщина-трувер из северной Франции, одна из самых известных средневековых поэтесс XII века. "Средневековая Сафо", как ее называют, творила в период с 1160 по 1210 годы. По преданию, Мария Французская жила и сочиняла при дворе Альенор Аквитанской. Писала "для своего короля", точнее, для Генриха II. Созданный Марией жанр лэ позволил ей взрастить дивный сад куртуазных добродетелей. Он укоренился, разросся и пышно цвел до XIV века. Она написала сборник из 12 лэ. Согласно объяснению самой Марии, они являются пересказами старинных бретонских песен. Новый жанр был синтетическим: это не просто текст (стихи), но и музыка, а возможно и танец. А главное – это своего рода театр, представление для короля. В прологе к ее двенадцати лэ говорится: "Уж если дал Господь Таланта и ума — Не стоит избегать Ни чтенья, ни письма. Увидел – записал. И смотришь – семена Уже взошли, цветут, Прошли сквозь времена. Услышал – повтори"... ("Лэ. Пролог". Пер. В. Долиной) XIV век Бригитта Шведская (1303—1373) — еще одна неординарная женщина Средневековья и еще одна святая католической церкви, мистик, основательница ордена бригитток, покровительница Европы. Родилась в Стокгольме. Первая половина жизни этой женщины прошла достаточно обычно: в 13 лет замужество, 30 лет в браке, 8 детей (одна из дочерей также почитается как святая). После смерти мужа Бригитта полностью посвятила себя церкви. Канонизирована она была практически сразу же после смерти - в 1391 году папой Бонифацием IX. Как и положено, Бригитта Шведская сочиняла песни. В 1999 году была провозглашена покровительницей Европы папой Иоанном Павлом II. Наряду с другими пятью святыми, среди которых и Кирилл с Мефодием. Стихи и музыка Хильдегарды и Бригитты считаются вершиной духовной поэзии и музыки Средневековья... *** НОВОЕ ВРЕМЯ XVII век Через три столетия оказываемся в Италии XVII века... Женщины-композиторы принимали активное участие в культурной жизни Европы этого времени, и их роль в становлении профессионального музыкального искусства весьма значительна. Безусловно, творческая деятельность большинства женщин-композиторов отличалась от творческой деятельности коллег-мужчин. В основном женщины не допускались к должности придворного композитора, предполагающей выполнение целого комплекса обязанностей при дворе. Также дамы не были допущены к должности церковного композитора, которая в представлении общества того времени считалась исконно мужской. Женщины участвовали в концертах любительского музицирования, изредка выступали в сольных концертах, исполняя свои сочинения; также женская музыка звучала при дворе. Сочиняющей женщине в XVII веке было сложно зарабатывать на жизнь композицией, в то время как мужчины делали это более успешно, пусть даже в совокупности с исполнительством и педагогикой, будучи музыкантом-универсалом. В данный период Италия занимала лидирующие позиции по количеству женщин-композиторов, и неудивительно, что важные события в истории композиторского творчества произошли именно там. Судя по имеющимся сведениям, известно примерно 25 итальянских авторов, а именно: Мария Виттория Анжелини, Каттерина Ассандра, Роза Джиасинта Бадалла, Антония Бембо, Орсола Бертолайо-Кавалетти, Франческа Каччини, Корнелия Калегари, Франческа Кампана, Изабелла ди Колле Цервони, Циара Маргарита Козолани, Диасинта Феделе, Антониа Ла Греца, Изабелла Леонарда Новарская, сестра Бьянка Мария Меда, Ангиола Тереза Муратори Сканнабеши, Мария Франческа Насцимбени, Мария Саверия Перусона, Мариетта Приоли Морисина, Люция Квинциани, Клаудиа Франческа Руска, Беатриче дел Сера, Барбара Строцци, Мария Виргиния Суадра, Антония Таррони и Лукреция Орсина Визана. Другие страны, по имеющимся сведениям, значительно уступают Италии по числу сочиняющих дам. Помимо перечисленных итальянок можно назвать еще только 17 женщин-композиторов, среди которых четыре композитора из Австрии – Юдит Бахманн, Мария Анна Магдалена фон Бибер, Констанция Австрийская, Марианна Рашенау; пять сочинительниц из Германии – Доротея, принцесса Анхальтская, София Элизабет фон Брауншвейг, Амалия Катария фон Эрпах, Юстина Зиеферт, Королева Пруссии София Шарлотта; две француженки – Жаке де ла Герр и мадемуазель Коснард; две нидерландки – Джоанна ван Гиертсон и Анна Овена Хойер; две англичанки – леди Мари Деринг и Мари Маклеод. Также есть единичные примеры: в Норвегии музыку сочиняла Дороте Энгельбретсдаттер, в Монако – Маргарита да Монако. К наиболее видным композиторам можно отнести Франческу Каччини, Изабеллу Леонарду Новарскую, Барбару Строцци, Жаке де ла Герр. В основном сочинительницы XVII века принадлежали к типу композиторов-просвещенных дилетантов и имели разное социальное происхождение. Среди сочинительниц, имевших высокое происхождение – королева Польши Констанция Австрийская, немецкая принцесса Дороти Анхальт, немецкая герцогиня Софи Элизабет фон Брауншвейг, итальянка, герцогиня Амалдоши и маркиза Пескарская Виттория Колонна и другие. Также среди них появлялось все больше женщин из небогатых, незнатных семей. Виттория Алеотти (ок. 1575 — после 1620) - итальянская монахиня-августинка, композитор и органистка. Виттория была девушкой из обеспеченной семьи, судьба прочила ей большое будущее. Уже в восьмилетнем возрасте она писала оригинальные музыкальные сочинения. Чтобы как-то развить творческий дар дочери, родители отправили девочку в монастырь — музыкальное образование возможно было продолжить только таким способом. Девочка так полюбила монастырское уединение, что в 14 лет отказалась его покинуть и постриглась, несмотря на несогласие родных, за что ее вычеркнули из завещания. Была настоятельницей монастыря в 1636—1639 годы. Из произведений ее молодости отец выбрал 21 пьесу и издал отдельным сборником в Венеции под названием "Ghirlanda de Madrigali" (1590). Виттория Алеотти "Te amo mia vita" Франческа Каччини (1587 — ок. 1640), или "певчая птичка", как ее называли современники. После Хильдегарды она считается самой известной женщиной-композитором, певицей и лютнисткой. Франческа писала кантаты и оперы для королевского двора Медичи. Одна из них — "Освобождение Руджеро" — недавно обрела вторую жизнь и была поставлена в немецком Кельне. Барбара Строцци (1619–1677) - итальянская певица, официальный композитор эпохи барокко. Родилась в Венеции и была незаконнорожденным ребенком. У этой выдающейся женщины было больше напечатанных работ, чем у любого из современников. Писала Барбара в основном вокальную музыку, издавала персональные сборники своих мадригалов и кантат. Это очень красивая музыка, которую и сейчас с удовольствием исполняют. В немецком Дрездене хранится портрет Барбары Строцци знаменитого итальянского живописца Бернардо Строцци — но он, пожалуй, просто однофамилец. Творческая судьба итальянки Барбары Строцци – яркий пример развития в XVII веке профессионального типа – композитор-исполнитель. Более ста публикаций ее музыкальных сочинений позволяют судить о ней как об одном из самых плодовитых композиторов того времени наряду с такими известными коллегами-мужчинами, как Луиджи Росси, Джакоммо Каризими и Антонио Чести. Стоит особо заметить, что музыка этих знаменитых композиторов дошла до наших дней в основном в рукописном виде, а все известные сочинения Строцци были опубликованы. Эта женщина примечательна тем, что сделала карьеру профессионального композитора за пределами двора и получила значительное общественное признание. Барбара Строцци "Che si può fare op. 8" Изабелла Леонарда (1620–1704) - итальянская женщина-композитор классической музыки и по совместительству монахиня. Девушка родилась в обеспеченной семье, а в 16 лет отправилась учиться в обитель урсулинок и стала там капельмейстером. Первоначально считалось, что урсулинки посвящают свою жизнь Богу, но остаются в миру. В Коллегии Святой Урсулы Изабелла обучилась музыке. Ее музыкальным наставником был капельмейстер кафедрального собора Новары Гаспаро Казати. В 1686 году она стала аббатисой. Леонарда была очень уважаемым композитором в своем родном городе, но ее музыка была мало известна в других частях Италии. Ее опубликованные сочинения охватывают период 60 лет, начиная с 1640 года и заканчивая 1700 годом. Она является автором более 120 мотетов, 18 духовных концертов, 17 месс, 12 сонат, 11 псалмов. Стиль Изабеллы — сложное использование гармоний — один из примеров ее влияния на развитие полифонической музыки в Сант’Орсоле, как это делали многие другие итальянские монахини-композиторы на своих собственных собраниях в тот же период. Этот стиль создал атмосферу, способствующую творчеству музыканта, позволяющую легкую импровизацию или музыкальное украшение. Ее произведения издавались в Болонье и Милане. Изабелла Леонарда. Соната 10 XVIII век Женщины эпохи Просвещения также любили музыку. Многие сочиняли. Сохранились вокальные и инструментальные произведения этих дам, хотя биографические данные скудны. В Вене Марианна Мартинес писала сонаты для клавесина. А также иногда играла в четыре руки с Моцартом. В Петербурге сочиняли княжны Нарышкина, Куракина и Долгорукова. А Мария Зубова (дочь вице-адмирала В. Я. Римского-Корсакова) написала тогда знаменитую песню "Я в пустыню удаляюсь от прекрасных здешних мест": Мария Зубова "Я в пустыню удаляюсь от прекрасных здешних мест" Исп. Энн Харли Истории известно приблизительно полторы сотни женщин-композиторов XVIII столетия. Судя по имеющимся данным, безусловное лидерство в количестве женщин-авторов занимали Франция (около 45 имен) и Англия (около 44 имен). В Италии музыку сочиняли примерно 27 дам, в Германии – 24, в Австрии – 10. Единичные примеры связаны с такими странами, как Польша, Нидерланды, Испания, Швейцария, Дания, Богемия, Бельгия, а также Мексика и Португалия. Сведения о музыкальных публикациях XVIII века свидетельствуют о том, что сочинения женщин широко использовались в музыкальной практике того времени, и немало женской музыки было издано. Марианна Мартинес (1744–1812) - австрийская певица, пианистка и композитор, чьи работы были известны наряду с именами Моцарта и Гайдна. Марианна получила уроки музыки от Йозефа Гайдна и Джузеппе Бонно. Она была знакома с важными личностями в политике, культуре и обществе. Также она играла для императрицы Марии Терезии и по крайней мере раз в неделю давала музыкальные вечера в своем доме, которые посещали все известные венские музыканты. В 1790-х годах она открыла школу пения в собственном доме и стала ее директором. Марианна сочиняла камерную, хоровую и оркестровую музыку: оратории, мессы, мотеты, сонаты для клавесина, кантаты и одну симфонию. Мартинес считается крупным автором церковной музыки. Например, в 1782 году в Вене была поставлена ее оратория "Исаак" на слова прославленного итальянского драматурга и либреттиста Пьетро Метастазио в "Обществе музыкантов". Данный период ознаменовался привлечением женщин-композиторов в оперный театр и освоением ими различных оперных жанров, причем, произведения женщин часто ставились на лучших театральных подмостках. Крупными оперными композиторами этого времени были Мария Тереза Парадис, итальянка Дионисия Зампарелли, а также Мария Тереза д’Аньези-Пиноттини. Мария Терезия фон Парадис (1759—1824) — австрийский музыкант и композитор. В возрасте четырех лет девочка потеряла зрение в результате кровоизлияния. Но это не остановило ее от того, чтобы заниматься музыкой. Через три года юная Мария Терезия уже пела партию сопрано в "Stabat Mater" Перголези и аккомпанировала себе на органе. Это выступление настолько растрогало императрицу, присутствовавшую на концерте, что она тут же распорядилась назначить пенсию одаренной девочке, на которую та могла бы продолжить свои занятия музыкой. Педагогами Марии Терезии фон Парадис были самые выдающиеся музыканты своего времени: фортепиано ей преподавал Леопольд Кожелух, пение и композицию — Антонио Сальери. Моцарт посвятил ей концерт для фортепиано с оркестром № 18 си-бемоль мажор. С 1775 года Мария Терезия фон Парадис начинает постоянную концертную деятельность, выступая не только как пианистка, но и как композитор. Начиная с 1789 года в основном занималась сочинением музыкальных произведений, написав к 1797 году 5 опер и три кантаты. В 1808 году основала в Вене собственную музыкальную школу, где преподавала до самой смерти в 1824 году. Среди ее произведений есть трио, концерты и сонаты фортепиано, а также сценические произведения. С 1783 по 1786 год Мария Терезия фон Парадис совершает турне Европой. В этом турне она выступает при самых влиятельных дворах Европы: в Париже, Лондоне, Брюсселе и др. В Париже восторг публики и общественности был столь велик, что власти принимают решение создать специализированный институт для незрячих людей. Для того чтобы реализовать эту идею Мария начинает собирать деньги, заработанные выступлениями. Концерт № 18 си-бемоль мажор, написанный Моцартом и посвященный Марии Терезии, наряду с прочими сочинениями был не раз исполнен пианисткой в ходе европейского турне. Мария Терезия фон Парадис. Сицилиана Исп. Пинхас Цукерман Таким образом, исходя из сохранившихся документов, а также из исторических свидетельств, можно утверждать, что в XVIII веке круг сочиняющих женщин существенно расширился благодаря вовлечению в музыкальную жизнь дам из высшего общества и из слоя буржуазии, выступающих в качестве музыкантов-любителей, а также профессиональных композиторов. Это, без сомнения, послужило укреплению феномена женской музыки в европейской культурной традиции. XIX век Луиза Фарранк (1804—1875) - французская пианистка, композитор, музыкальный педагог и просветитель. О ее творчестве положительно отзывались Шопен, Шуман, Лист и Берлиоз. Фарранк окончила консерваторию, написала несколько симфоний и несчетное количество пьес, муж-флейтист стал ее личным импресарио. Ее биография связана со многими известными фигурами мира музыки того времени: наставниками Фарранк были Антонин Рейха, Игнац Мошелес, Иоганн Гуммель. Луизе хорошо удавалась крупная форма: она написала, ни много ни мало, три симфонии. Помимо своей композиторской и педагогической деятельности (Фарранк преподавала в Парижской консерватории), она выступала и как музыкальный просветитель, составив многотомную антологию фортепианной музыки. В 1869 она получила премию французской Академии художеств. Всего Фарранк написала 49 сочинений, многие из которых сегодня исполняются довольно активно. Луиза Фарранк по праву может считаться и одним из первопроходцев в некоторых жанрах камерной музыки. Луиза Фарранк. Трио для флейты, виолончели и ф-но, Оp. 45 Фанни Гензель, урожд. Мендельсон-Бартольди (1805–1847) - немецкая певица, пианистка и композитор. Старшая сестра композитора Феликса Мендельсона-Бартольди, дедом их обоих был известный еврейско-немецкий философ-просветитель Моисей Мендельсон. Свои первые уроки игры на фортепиано она получила от своей матери. Она недолго училась у пианистки Мари Биго в Париже и у Людвига Бергера. В 1820 году Фанни вместе со своим братом Феликсом присоединились к Певческой академии в Берлине, которую возглавлял Карл Фридрих Цельтер. Ее голосом восхищался Гете, посвятивший ей стихотворение (1827). В 1829 году вышла замуж за берлинского художника Вильгельма Гензеля, родила сына. В 1839—1840 годах путешествовала с семьей по Италии. Выступала с воскресными концертами, в том числе исполняла Баха, Моцарта, Бетховена, а также сочинения брата. Во время одного из таких выступлений скончалась от апоплексического удара. Брат, впавший после ее смерти в глубокую депрессию, умер через несколько месяцев... Талантливая Фанни сполна испытала на себе все трудности композиторского пути женщины XIX века. Будучи одаренным музыкантом и получив прекрасное музыкальное образование, она, тем не менее, не смогла полностью реализоваться как композитор, так как вся ее семья, включая брата-музыканта, неодобрительно относились к ее музыкальной карьере. Автор трех органных прелюдий (1829), драматической пьесы для сопрано и оркестра "Геро и Леандр" (1832), фортепианного и струнного квартетов, нескольких кантат, вокальных сочинений на стихи Гете, Гейне, Ленау, Ламартина и других поэтов-романтиков, лирических пьес для фортепиано, среди которых наиболее известен цикл из 12 миниатюр "Год" (1841). Наряду с Кларой Шуман и Луизой Фарранк, Фанни Мендельсон — наиболее известная среди женщин-композиторов XIX века. Изданы ее письма и дневники, ей посвящено несколько романов-биографий. Фанни Гензель. Ноктюрн соль минор Иоанна Кинкель (1810–1858) - немецкая женщина-композитор. Первая революционерка в нашем списке. Ее сочинения высоко оценил Феликс Мендельсон. Иоанна не только писала музыку, но и стала первой в мире женщиной-дирижером. Помимо этого, она издавала книги о музыкальном воспитании и писала статьи о композиторах-современниках, а в перерывах между столь важными занятиями страдала депрессией. Муж Кинкель, осужденный за революционную деятельность в 1848 году, бежал из Германии в Лондон. Она последовала за ним, но не смогла выносить постоянную психологическую нагрузку и в итоге выпрыгнула из окна собственной спальни. Хотя, возможно, это была случайность. Как композитору ей принадлежат "Vogelkantate" (op. 1, 1830), песни на стихи Гете, Шамиссо, Рюккерта, Гейне, собственные стихи, стихи мужа и других современных поэтов, музыкально-педагогическое сочинение "Acht Briefe über Klavierunterricht". Клара Шуман (1819–1896) - одна из самых известных немецких женщин-композиторов, урожденная Вик — жена Роберта Шумана. Клара с детства демонстрировала незаурядные способности в игре на фортепиано и сочинительстве. Ее профессиональному росту способствовал отец — талантливый педагог, лично занимавшийся с девочкой-вундеркиндом. С Шуманом Клара познакомилась, когда тот также начал брать фортепианные уроки у ее отца. Фридрих Вик препятствовал браку дочери с "ненадежным" в финансовом отношении композитором, и только через суд Шуману удалось добиться разрешения обвенчаться. После того как Клара стала супругой Шумана, она начала уделять больше внимания композиции. Из-под ее пера выходит множество фортепианных и иных пьес, в которых ощущается влияние Шумана и других композиторов-романтиков — Мендельсона, Шопена. Клара Шуман, в частности, проработала пианисткой 61 год! - так как ей нужно было зарабатывать на жизнь, потому что ее муж, Роберт Шуман, пусть и очень известный композитор, страдал от множества психических расстройств, постоянно попадая и выходя из лечебниц. Таким образом, Кларе Шуман приходилось очень много выступать и ездить с гастролями, чтобы содержать восьмерых маленьких детей. В такой ситуации у нее просто не было возможности отдавать достаточное время сочинению музыки, несмотря на то что она написала свое первое серьезное произведение в пятнадцать лет, в то время как ее муж, Роберт Шуман, считал, что он написал свое в двадцать. Это свидетельствует о том, что Клара Шуман была крайне одаренной, но когда ей исполнилось 30 лет, по какой-то причине она пришла к выводу, что женщины не могут сочинять так же хорошо, как мужчины, и бросила писать музыку: "Однажды я поверила, что у меня есть талант к творчеству, но мне пришлось расстаться с этой идеей. Женщина не должна желать быть композитором - у женщин никогда не было такой возможности. Можно ли ожидать, что я стану одной единственной, той самой? ... ", - напишет Клара позже. Критики будто подтверждали ее упадническое мнение. В частности, Карл Фердинанд Беккер заявил, что о серьезной критике ее произведений вообще и речи не может быть, ведь "мы имеем дело с произведением дамы". Ханс фон Бюлов о композиции Клары сказал: "Я не верю в существительное женского рода - творец" ... Клара Шуман. Ноктюрн ор. 6 №2 фа мажор из цикла "Музыкальные вечера" Текля Бадаржевская-Барановская (1829–1861) - польский композитор-любитель, так никогда и не получившая музыкального образования. Творчество Бадаржевской — это фортепианные миниатюры: мазурки, вальсы, баллады, rêverie (от франц. "мечта"). Она начала сочинять еще в детстве: первое ее сохранившееся произведение датируется 1843 годом, когда Текле было всего четырнадцать. Ноты своих сочинений она распространяла сама, главным образом, в местных книжных магазинах и в салонах. Ею заинтересовалась эксцентричная маркиза Паива, коллекционерка бриллиантов и любительница архитектурного искусства, хозяйка салона, где бывали такие знаменитости, как Рихард Вагнер и Теофиль Готье. Именно благодаря ей написанная в 1851 году "Молитва девы" была опубликована в "Revue et Gazette Musicale", а затем более пятисот раз перепечатана на пяти континентах. По сути, эта пьеса стала "хитом" того времени. Критика никогда не ценила очень простого — но разве простота является пороком? "Молитва…" появилась в чеховских "Трех сестрах" (Ирина ее очень не любила) и в "Расцвете и падении города Махагони" Брехта ("Вот вечное искусство!" — восклицает один из посетителей бара, когда пианист начинает исполнять это произведение). В Польше Бадаржевская оказалась почти забыта, хотя к ее миниатюрам возвращаются пианисты во всем мире, причем особенно любят ее в Японии. До конца жизни она оставалась недооцененной и вынуждена была претерпевать нападки безжалостной критики. Профессия композитора в Европе XIX века считалась типично мужской. На женщин, сочинявших музыку, критики смотрели свысока, называя их сочинения слишком женскими. Это отрицательное определение включало в себя такие характеристики, как избыточная деликатность, наивность, отсутствие внутренней силы и креативности. Неправда ли, довольно курьезная ситуация?.. Бадаржевская постепенно возвращается из небытия. В ее честь назван один из кратеров на Венере, а в варшавском районе Муранов, недалеко от улицы Новолипки, где она жила со своей семьей, ее именем назвали сквер. Текля Бадаржевская "Молитва девы" Августа Мария Анна Холмс (Ольмес) (1847—1903) - французский композитор. Девочка выросла во Франции, в Версале, и рано проявила способности к музыке, поэзии и рисованию. В этом ее поддерживал крестный отец, поэт Альфред де Виньи, возможно, он также был ее биологическим отцом. Мать Августы не одобряла ее склонности к музыке, и лишь после ее смерти одиннадцатилетняя Августа начала учиться музыке: игре на органе и композиции. Музыке ее обучали местная пианистка м-ль Пейронне, органист Версальского собора Анри Ламбер и композитор Гиацинт Клозе. Августа является яркой фигурой в истории женского композиторского творчества. В 1875 году Ольмес написала свою первую оперу, "Геро и Леандр". За ней последовали оперы "Астарта" и "Ланселот Озёрный". Все три ни разу не ставились, но в 1895 году опера Ольмес "Черная гора" была поставлена в Парижской опере. К столетию Французской революции Ольмес получила заказ на Триумфальную оду, которая была исполнена в Париже при многотысячной публике. Эта композиция была также представлена на Всемирной выставке 1893 года в Чикаго. Писала преимущественно масштабные оркестровые произведения, драматические симфонии и симфонические поэмы, но ее хоровые произведения имели больший успех. Одним из наиболее известных произведений является драматическая симфония "Аргонавты" (1881). Многие произведения Ольмес были изданы. В 1878 году она заняла 3-е место на конкурсе композиторов "Приз города Парижа" за композицию "Лютеция". 13 июля 1904 года ей был установлен монумент в парке-мемориале Сент-Луиc в Версале. Луиза Адольфа Ле Бо (1850–1927) - немецкая пианистка, композитор и музыкальный критик. Ле Бо начала свою музыкальную карьеру как пианистка. Одно время она даже брала уроки у Клары Шуман. В противоположность своей коллеге Кларе, Луиза очень быстро бросила сочинять музыку исключительно для фортепиано, а также камерно-инструментальные произведения. После своих ранних фортепианных пьес ор. 1–21 она писала только для больших составов. Это были концертные увертюры, фантазии для фортепиано с оркестром, библейские сцены, фортепианные концерты, симфонии, большие женские и мужские хоры. Ле Бо не только осмелилась обратиться к этим крупным формам, но и мужественно преодолевала трудности, возникающие в то время на пути женщин-композиторов. По сравнению с Луизой, Иоанна Кинкель и Клара Шуман испытывали сравнительно немного трудностей с публикацией своих произведений, так как издание фортепианных пьес, романсов было не связано с финансовым риском. Для сочинительниц таких больших произведений, как симфонии и оратории, ситуация была противоположной. Им необходимо было изготовить партитуру и много оркестровых партий. При этом не только малоизвестные женщины-авторы вкладывали деньги в свои произведения. Исполнение опер, ораторий, симфонических произведений тоже было дорогостоящим делом. Репетиции, партитуры, декорации – все это надо было оплачивать, не говоря уже о гонорарах солистам. Авторские концерты женщин-композиторов, устраиваемые на дому, проходили крайне редко, и сочинительницам приходилось самим выступать в роли организаторов. Руководство оперных театров часто вело себя нечестно по отношению к ним. Директора театров, оставляя "женским" спектаклям самое последнее место в репертуарах, давали сочинительницам очень плохие шансы по сравнению с коллегами-мужчинами. Луиза Ле Бо долгое время билась с агентами, капельмейстерами, дирижерами и директорами театров. При этом только иногда она встречала справедливую критику, в большинстве же случаев испытывала неприкрытую враждебность... Луиза Адольфа Ле Бо. 3 пьесы, Op. 1: No. 1, Fantasie-Stuck Одной из самых известных в аристократических кругах и примечательных из русских женщин-музыкантов была княгиня Зинаида Александровна Волконская (1792—1862) – певица и композитор, с именем которой связано создание первой русской оперы женщины-композитора. Хозяйка литературного салона, писательница, поэтесса, видная фигура русской культурной жизни первой половины XIX века. Музыкальные произведения Волконской - опера "Жанна д'Арк", романсы, кантата "Памяти Александра Первого". Валентина Серова (1846–1924) — русский композитор, музыкальный критик, общественный деятель. Первый в России профессиональный композитор-женщина. Супруга композитора и музыкального критика Александра Серова, мать художника Валентина Серова. Училась в Санкт-Петербургской консерватории, но не поладила с ее директором А. Рубинштейном. Стала брать уроки у Александра Серова, за которого в 1863 году вышла замуж. В 1867 году Валентина издавала вместе с мужем журнал "Музыка и театр", он просуществовал один год. В России и за границей познакомилась с И. Тургеневым, Полиной Виардо, Л. Толстым, Р. Вагнером, Ф. Листом, долгие годы поддерживала дружеские отношения с И. Репиным, М. Антокольским, Ф. Шаляпиным, С. Мамонтовым. После смерти А. Серова от инфаркта в 1871 году Валентина Семеновна совместно с Н. Соловьевым завершила его оперу "Вражья сила" (премьера состоялась в 1875); также издала партитуру оперы "Юдифь", собрала и выпустила в свет 4 тома статей мужа о музыке. Отдала много сил музыкальному просвещению, развитию народной культуры; одна из основательниц и почетный член московского Общества содействия устройству общеобразовательных народных развлечений. В связи с ее деятельностью в народе была под негласным надзором полиции. Валентина Серова является автором опер "Уриэль Акоста" (по драме К. Гуцкова, пост. в 1885 в Большом театре), "Мария д’Орваль" (не была поставлена, считается утраченной), "Мироед" (по повести А. Потехина), "Илья Муромец" (пост. в Москве на частной сцене в 1899 с Шаляпиным в заглавной роли) и др. Элла Шульц (1846—1926) - русская пианистка, композитор и этномузыковед. Училась в Петербургской консерватории по классу фортепиано у Рубинштейна, по классу композиции у Зарембы и Фомина. Ею написаны: комическая опера “Непригодная, или Соломонида Сатурова” (“Дочь боярина”), опера “Заря свободы” (была запрещена цензурой из-за сцены крестьянского восстания), 24 прелюдии для голоса с фортепиано на стихи Бени Гейгера, изданные в Лейпциге Кантом, “Греческая соната” для кларнета и фортепиано. Последнее из упомянутых произведений было новаторским, оно было создано под влиянием музыки древней Греции и славянского фольклора с четвертитоновыми интервалами (система нетемперированной нотации, хроматическая гамма которой включает 24 ступени). Элла Шульц. 24 прелюдии для голоса и ф-но. Прелюдия № 24 Композиторы-романсовики, которые писали романсы на стихи Пушкина, Лермонтова, Фета и др.: Екатерина Романовна Дашкова, Ольга Васильевна Смитнитская, Софья Александровна Зыбина, Екатерина Кирилловна Зыбина, Анна Константиновна Черткова, Надежда Федоровна Самсонова, Ольга Христофоровна Агренева-Славянская, Эмилия Дельвиг, Софья Тернер, Ольга фон Радеки, Александра Андреевна Толстая, герцогиня Веймарская Мария Павловна... Следует отметить, что, несмотря на очевидные достижения в области музыкального творчества, женщины-композиторы не получили достойного признания у современников. Во многом, это было связано, с тем, что в XIX веке проблема признания и уважения фигуры музыканта-сочинителя в целом оставалась неразрешенной. Как известно, в то время помимо единичных композиторов – "звезд концертной эстрады", "национальных героев" – существовал слой популярных оперных композиторов, а также слой рядовых представителей профессии – мужчин, обслуживающих сферы салонной, церковной или придворной музыкальной жизни и лишенных возможности претендовать на какие-то особые привилегии, закрепленные за своим социальным статусом. Поэтому не удивительно, что в этой ситуации история культуры не зафиксировала заслуг творческой деятельности женщин – композиторов-дилетантов и обрекла их подавляющее большинство на полное забвение... *** НОВЕЙШЕЕ ВРЕМЯ ХХ - начало XXI века ХХ век — эпоха долгожданного полного допуска женщин в святая святых мужской жизнедеятельности - интеллектуальную, в том числе, музыкальную сферу... Иоганна Мюллер-Герман (1868—1941) - австрийский композитор и педагог первой половины ХХ века. Сперва она работала учительницей начальной школы, но оставила эту работу после свадьбы и начала писать музыку. Иоганна стала известна благодаря своей оркестровой и камерной музыке и песням, а среди профессионалов - мастерству использования хроматических интервалов. Мюллер-Герман училась у Александра Землинского и Йозефа Ферстера, а после того как Ферстер покинул свой пост в Новой консерватории Вены в 1918 году, стала преподавать там теорию и композицию музыки. Несмотря на то что она преподавала в консерватории более 20 лет, сейчас Мюллер-Герман практически неизвестна, сохранилось только несколько записей ее произведений. Музыковед Карола Дарвин, исследовавшая жизнь и творчество Иоганны, говорит: "Вклад женщин в культурную жизнь Вены этого периода был подзабыт в результате господства нацистской идеологии и разрушений, которые принесла Вторая мировая война. Произведения Иоганны Мюллер-Герман заслуживают более широкого распространения не только благодаря своему качеству, но и потому, что они были неотъемлемой частью необычайного творческого расцвета Вены". Иоганна Мюллер-Герман. Интермеццо ре минор, Op. 3 No. 3 Исп. Филипп Сир Дора Пеячевич (1885–1923) - представительница одного из самых знатных балканских дворянских родов, внучка одного из банов (губернаторов) Хорватии и дочка другого. На родине ее очень ценят: Симфония фа-диез минор, принадлежащая перу Доры Пеячевич, считается первой современной симфонией в хорватской музыке. Она написала достаточно много (пятьдесят восемь) произведений в различных жанрах, в том числе камерном. Дора еще подростком загорелась идеями социализма, стала постоянно конфликтовать с семьей и, как следствие, в двадцать с лишним лет оказалась до конца жизни оторвана от остальных Пеячевичей. Это, впрочем, только пошло на пользу другому ее увлечению: еще на заре Первой мировой мятежная дворянка утвердилась в качестве самой значительной фигуры хорватской музыки. Сочинения Доры, вдохновленные Брамсом, Шуманом и Штраусом, по меркам окружавшего ее мира звучали крайне наивно — скажем, на момент премьеры ее старомоднейшего фортепианного концерта в Берлине и Париже уже вовсю слушали "Лунного Пьеро" А. Шенберга и "Весну священную" И. Стравинского. Но если абстрагироваться от исторического контекста и слушать музыку Пеячевич как искреннее признание в любви к немецким романтикам, то легко можно будет заметить ее выразительный мелодизм, сделанные на высоком уровне оркестровки и тщательную структурную работу. Дора Пеячевич. Жизнь цветов, Op. 19: Роза Сесиль Шаминад (1857—1944) — французская композитор и пианистка. С раннего детства Сесиль проявила незаурядные музыкальные способности. Мать, сама прекрасная пианистка, была ее первой учительницей. Живший по соседству и частенько захаживающий к ним молодой Жорж Бизе был настолько восхищен талантом Сесиль, что называл ее не иначе, как "мой маленький Моцарт". Он же посоветовал матери показать девочку профессору парижской консерватории по фортепиано Ле Куппе. Тот, в свою очередь изумленный даром ребенка, тут же предложил зачислить Сесиль в его класс. Но тут прозвучал грозный окрик отца - управляющего парижским филиалом одного солидного английского страхового общества: предназначение девушки из семьи буржуа - быть супругой и матерью! И никакой консерватории! Но, все же, "для себя" ей разрешено было продолжать заниматься музыкой частным порядком на дому, для чего были приглашены ведущие педагоги все той же консерватории. К тому же, в доме Шаминад регулярно устраивались музыкальные салоны, на которые бывали приглашаемы лучшие музыканты того времени. Стареющий Лист на одном из таких вечеров, говорят, даже расчувствовался и изрек, что, слушая девочку, он вспоминает игру Шопена. Сесиль Шаминад в 20 лет решается на свое первое публичное выступление. В 1877 году в знаменитом парижском зале Плейель она принимает участие в исполнении бетховенского фортепианного трио. Публика и пресса этот дебют встретили вполне доброжелательно. И уже в следующем 1878 году Ле Куппе организует сольный концерт своей любимой ученицы, полностью состоящий из ее произведений... Плохо переносящая переезды и робкая по натуре Сесиль Шаминад стремилась, в общем-то, избегать концертных выступлений. Гораздо больше радости ей доставляло сочинение музыки. Одно за другим появляются в эти годы ее крупные произведения - фортепианное трио, оркестровая сюита, а 23 февраля 1882 года в домашнем салоне семьи Шаминад происходит премьерный показ комической оперы "Севильянка". Опера так никогда и не была поставлена на настоящей оперной сцене, но обратила на себя внимание и несколько раз еще исполнялась в залах с фортепианным сопровождением самой Сесиль. Все складывалось, казалось, более чем благополучно, но в 1887 году неожиданно умирает отец, и перед молодой женщиной встает проблема элементарного обеспечения жизни своей и матери. Видимо, особо богатого наследства глава семьи Шаминад после себя не оставил, так что большой дом в Париже пришлось продать, и дочь с матерью переехали в их пригородный дом в Везине, где когда-то их соседями была семья Бизе. Следующий 1888 год оказывается рекордным по числу премьер масштабных композиторских работ Шаминад. 16 марта в Марселе был поставлен балет "Каллироэ", выдержавший впоследствии более двухсот представлений на сцене Нью-Йоркской "Метрополитен опера". Один из номеров балета - "Танец шарфа" (Scarf Dance) - стал одной из самых популярных пьес Шаминад, суммарный тираж изданий этой пьесы превысил пять миллионов экземпляров. А 18 апреля в Антверпене состоялась премьера сразу двух ее крупных произведений - Концертштюка для ф-но с оркестром (также очень популярного впоследствии) и Лирической симфонии с хором "Амазонки". Но этот же год оказался и последним, когда Сесиль сочиняла и показывала вещи такого масштаба. Необходимость зарабатывать деньги заставила сделать выбор в пользу так нелюбимой ею концертной деятельности. И творчество было подчинено теперь сугубо практической цели - сочинению небольших эффектных пьес, составляющих основу ее концертного репертуара. Да и у нотоиздателей музыка такого "формата" пользовалась неизменным спросом, так как была очень популярна среди массы любителей домашнего музицирования. По контракту со своим издателем Сесиль Шаминад обязалась сочинять по 12 пьес в год. Единственным исключением стало написанное в 1902 году Концертино для флейты с оркестром op. 107, но и оно появилось лишь благодаря заказу Парижской консерватории. Надо сказать, что Шаминад была очень востребованной пианисткой и композитором в последнее десятилетие XIX века. В первые же свои гастроли по Англии она сумела стать любимицей не только английской публики, но и самой королевы Виктории, и с тех пор регулярно получала персональные приглашения в Виндзор. А когда в 1901 году королева скончалась, на ее похоронах исполняли музыку именно Шаминад. Она объездила с концертами всю Европу вплоть до Турции и Греции, а в сезоне 1907—1908 дала 25 концертов и за океаном - в США и Канаде. Успех был огромен, и за одно только выступление в Карнеги-холле она заработала почти рекордные для того времени $5000. Мало того, еще задолго до приезда Шаминад в Америку там приблизительно с 1900 года начали создаваться общества ее имени (!). К 1904 году таких фан-клубов насчитывалось в США уже порядка 200, и движение это продолжалось вплоть до 30-х годов ХХ века. Причиной такого необычного почитания Шаминад явились не только и, наверное, не столько музыкальные достоинства пианистки и композитора (хотя и без них, конечно, не обошлось), сколько то, что сама ее фигура как нельзя лучше отвечала актуальным требованиям времени, где на повестке дня предельно остро стоял вопрос о месте и роли женщины в обществе. Сесиль Шаминад, добившаяся столь многого в "мире мужчин", сама того не ведая, стала для многих живым воплощением идеалов феминистского движения, своего рода святой покровительницей его и образцом для подражания. "Моя любовь - это музыка, и я преданна ей, как весталка", - говорила Сесиль. Нет, она все же вышла замуж. Правда, произошло это уже в 1901 году, когда было ей 44. Да и муж ее, музыкальный издатель Луи-Мэтью Карбонель, был на 20 лет старше. Так что в обществе справедливо посчитали этот союз скорее за некое договорное содружество, чем за полноценный брак. Но и он продлился недолго - в 1907 году Карбонель скончался. А в 1911 умерла и мать, и Сесиль осталась одна. Ей суждено было прожить еще не один десяток лет. Ее еще помнили и уважали, - в 1913 году Шаминад первая из композиторов-женщин была удостоена высшей награды Франции - Ордена Почетного Легиона. Но времена и стили неотвратимо менялись, и мода на ее музыку постепенно отходила в тень. С началом Первой мировой войны Сесиль и вовсе отложила творческую деятельность и, живя в это время под Тулоном на вилле, купленной ее мужем, предпочла работать в близлежащем госпитале простой медсестрой. После войны она некоторое время еще продолжала изредка выступать, но ухудшающееся здоровье позволяло это делать все реже и реже. В 1938 году, почти в 80-летнем возрасте, Сесиль Шаминад перенесла операцию по ампутации ступни левой ноги. Умерла она в разгар Второй мировой войны и, конечно, в мире, обеспокоенном глобальными потрясениями, мало кто обратил внимание на смерть 87-летней старушки. Пожалуй, только в Америке ее еще помнили. 1 мая 1944 года в журнале Time был опубликован некролог. Вот что там, в частности, говорилось: "В Монте Карло на прошлой неделе пришла смерть к самой известной из когда-либо живших женщин-композиторов. Немощная, седая, 86-летняя Сесиль Луиз Стефани Шаминад более десяти последних лет была прикована к постели болезнью костей. Лишенная своих авторских гонораров в результате немецкой оккупации (ее еврейские издатели в Париже были уничтожены), она умерла в относительной неизвестности. Эра популярности ее хрупких небольших фортепианных пьес давно закончилась... Всегда легкий мелодист, Шаминад быстро составила список из более чем 550 композиций, которые стоят в таком же отношении к Фридерику Шопену, как земляничная содовая к коньяку. Многие из них получили международное признание..." Сесиль Шаминад. Арабеска No. 1, Op. 61 Надя Буланже (1887—1979) и Лили Буланже (1893—1918) - известные французские сестры-композиторы и пианистки. Путь, который выбрали для себя сестры, совсем не удивителен: отец — дирижер, мать — русская певица и княгиня. И Надя, и Лили родились в Париже, обе окончили Парижскую консерваторию и заметно преуспели на почве сочинения музыки. Однако жизнь Лили трагически оборвалась от туберкулеза в 1918. Она прожила совсем немного — двадцать четыре года. Музыкальная одаренность Лили обнаружилась очень рано: играть по нотам она научилась быстрее, чем читать. В 1913 году Лили присуждают Римскую премию за кантату "Фауст и Елена". Так Лили Буланже стала первой женщиной-композитором, получившей эту престижную награду (до нее обладателями премии были такие авторы, как Берлиоз, Гуно, Массне, Дебюсси). Лили была разносторонним композитором: писала инструментальную, вокальную, хоровую, духовную музыку. Когда ее не стало, Надя практически перестала писать и начала путешествовать по миру с гастролями в качестве пианистки. По признаниям современников, ее игра на фортепиано заменяла целый оркестр... Лили Буланже. Ноктюрн для скрипки и ф-но Жермен Тайфер (1892—1983) - французская пианистка и композитор, единственная женщина — член группы композиторов, известных как "Шестерка". "Мари Лоренсен для слуха" — так Жан Кокто говорил о Жермен Тайфер, единственной женщине знаменитой "шестерки", наряду с Жоржем Ориком, Луи Дюрей, Артюром Онеггером, Дариусом Мийо и Франсисом Пуленком. Долгое время считалось, что творчество Тайфер может быть сведено к серии очаровательных работ для фортепиано, написанных в межвоенный период, и что ее карьера композитора закончилась после Второй мировой войны. Кроме этих небольших пьес, она сочинила камерную музыку, два фортепианных концерта, три этюда для фортепиано с оркестром, скрипичный концерт, "Кончерто Гроссо" для двух фортепиано, восьми солистов, квартета саксофонистов и оркестра, а также сценические произведения: четыре балета, оперы, две оперетты. До недавнего времени огромная часть ее произведений оставалась неопубликованной. Например, Концерт для двух гитар и оркестра найден и записан только в 2004 году Крисом Билобрамом и Кристиной Альтман в Германии. Жермен Тайфер. Berceuse Ребекка Хелферих Кларк (1886—1979) — британский композитор и альтистка американско-немецкого происхождения, одна из крупнейших женщин-композиторов Англии. Также ее называют одной из самых значительных женщин-композиторов в истории музыки. Ребекка родилась в семье с богатыми культурными традициями. Ее отец, американец, был представителем фирмы Eastman Kodak в Европе, дед по матери — профессор экономики в Мюнхене, двоюродный дед Леопольд фон Ранке был знаменитым немецким историком. В 1903 году Ребекка начинает учебу в Королевской музыкальной академии по классу скрипки. В 1905 году, в связи со сделанным Ребекке доцентом Академии по классу гармонии Перси Хильдером Майлзом предложением выйти за него замуж, деспотичный отец вынуждает девушку прекратить обучение (скончавшийся в 1922 году Майлз завещал Ребекке принадлежавшую ему скрипку Антонио Страдивари). В 1907 Кларк возобновляет свои занятия в Академии, на этот раз по классу композиции, став одной из первых студентов-женщин у Чарльза Стэнфорда. По его совету Р. Кларк меняет свою музыкальную специализацию со скрипки на альт, только недавно ставший самостоятельным исполнительским соло-инструментом. Брала также частные уроки у альтиста Лайонела Тертиса. В 1910 году девушка вновь была вынуждена прервать свое образование, так как была изгнана отцом из родительского дома после того, как она разоблачила и раскритиковала отцовские внебрачные похождения. Чтобы заработать на жизнь, девушка начинает весьма успешную карьеру профессиональной альтистки, став также членом различных, составленных исключительно из женщин-музыкантов камерных коллективов, в том числе квартета Норы Кленч (Norah Clench Quartet). В 1912 году она, по приглашению Генри Вуда, становится членом оркестра Куинс-холла (Queen’s Hall Orchestra), став одной из первых женщин, профессионально играющих в музыкальных оркестрах. Сочиненные ею музыкальные произведения Кларк зачастую публикует под мужскими псевдонимами (например, ее "Морфей" для альта и фортепиано в 1917 году был подписан именем Энтони Трент). Это было действительно забавно: в то время как СМИ слабо хвалили композиции, подписанные женским именем автора, они во всю аплодировали творчеству несуществующего мистера Трента... В 1916 году Ребекка переезжает в США, где к тому времени уже живут два ее брата. В Америке она устраивает многочисленные концерты, часто выступая вместе с виолончелисткой Мэй Макле. В 1918—1919 проводит турне на Гавайях, а в 1923 — кругосветное турне с выступлениями в странах Дальнего Востока и в британских колониях. С 1917 года Ребекка пользовалась покровительством известной американской меценатки Элизабет Кулидж (была единственной женщиной, творчеству которой Кулидж оказывала поддержку). В 1919 и 1921 годах сочиненные Кларк Соната для альта и фортепиано и Фортепианное трио завоевали 2-е призы на организуемых Э. Кулидж Беркширских музыкальных фестивалях. В 1922 году, получив гонорар в 1.000 $, Кларк пишет для своей покровительницы Рапсодии для альта и фортепиано. В 1924 году композитор возвращается в Англию и селится в Лондоне. Здесь она выступает с соло-концертами, а также как партнер таких известных исполнителей, как Майра Хесс, Адила Факири, Андре Манжо, Гордон Брайан, Гильермина Суджа, Адольф Галлис и др. В 1927 Кларк становится соучредительницей фортепианного квартета "The English Ensemble". Выступает с концертами по радио в программах BBC. В конце 1920-х годов Ребекка все меньше и меньше занимается композиторской деятельностью. С началом Второй мировой войны Р. Кларк окончательно переезжает в США, где живет в семьях своих братьев. Отношения с родными у нее не складываются. В 1939—1942 годах происходит временный, последний подъем в ее творчестве как композитора. В 1942 году Кларк представляет на музыкальном конкурсе в Беркшире свою Прелюдию, аллегро и пастораль для кларнета и альта. В последующее время она практически прекращает сочинять музыку. В 1944 году Р. Кларк выходит замуж за Джеймса Фрискина, пианиста и преподавателя музыки, знакомого ей еще со времен совместного обучения в Королевской музыкальной академии. После замужества Кларк создала всего 3 произведения, в том числе написанную ею в 1954 году песню "God Made a Tree". В 1949 году она становится президентом нью-йоркского общества Чантанква, в котором выступала с концертами камерной музыки в 1945—1956 годах. В 1963 она получает почетный титул доцента Королевского музыкального колледжа. Ребекка продала доставшуюся ей по наследству от П. Майлза скрипку Страдивари и на вырученные средства учредила при Королевской музыкальной академии премию Мэй Макле, в честь своей старой подруги и партнера по выступлениям. Эта премия до сих пор ежегодно вручается наиболее выдающимся виолончелистам планеты. Ребекка Кларк. Пассакалия на старинную английскую мелодию Элизабет Мэконки (1907–1994) - британский композитор ирландского происхождения. С 16-летнего возраста обучалась в Королевском колледже музыки в Лондоне под руководством Чарльза Вуда и Ральфа Воан-Уильямса. С 1959 года возглавляла Союз композиторов Великобритании. В 1960 году посетила СССР. Среди музыкальных сочинений Э. Мэконки выделяются 5-й и 9-й струнные квартеты, пьеса для гобоя, кларнета, альта и арфы "Отражения" (1960), квинтет для кларнета и струнных (1963). Э. Мэконки — автор нескольких опер, кантаты "Голос города" (посвященная защитникам Сталинграда, 1943); симфонии (1953); пьес для оркестра и для различных инструментов; хоров; песен на слова английских поэтов и др. Ее музыка всегда оставалась нетронутой как глобальными трендами академавангарда, так и извечной английско-кельтской любовью к сельскому фольклору. Как раз в ученические годы открывшая для себя Белу Бартока (композитора, кстати, тоже творившего вне всяких очевидных тенденций), Мэконки в своих сочинениях естественным образом отталкивалась от зрелой музыки великого венгра, но при этом все же последовательно развивала собственный стиль, куда более интимный и интроспективный. Наглядные примеры самобытности и эволюции композиторской фантазии Мэконки — ее тринадцать струнных квартетов, написанных с 1933-го по 1984-й и вместе образующих цикл квартетной литературы, ничем не уступающий аналогичным Шостаковича или того же Бартока... Награды: Командор Ордена Британской империи (1977); Дама-командор Ордена Британской империи (1987); Медаль Коббета (1960). Элизабет Мэконки. Symphony for Double String Orchestra, First Movement: Allegro Molto Рут Джипс (1921—1999) - британский композитор и дирижер. Выступала с детства как пианистка. После исполнения своей первой композиции в возрасте 8 лет на одном из многочисленных музыкальных фестивалей, в которых она участвовала, произведение было куплено. После ее победы в конкурсе концертов с муниципальным оркестром Гастингса началась ее серьезная карьера. В 1937 году поступила в Королевский музыкальный колледж, где изучала фортепиано, гобой и композицию, затем в Даремском университете, где ее наставниками были Гордон Джейкоб и Ральф Воан-Уильямс — влияние последнего некоторые критики отмечали в дальнейшем в произведениях Джипс. Во время обучения в Даремском университете она встретила своего будущего мужа, кларнетиста Роберта Бейкера. По завершении образования Джипс выступала как пианистка и гобоистка, однако в 1954 году вынуждена была отказаться от исполнительской карьеры из-за травмы руки и сосредоточилась на сочинительстве и руководстве музыкальными коллективами, по большей части созданными ею самой. В 1953 году Джипс основала и возглавила камерный ансамбль духовых инструментов "Portia Wind Ensemble", состоявший исключительно из женщин-музыкантов, — этот жест, помимо прочего, был и ответом на дискриминацию женщин в существующих оркестрах. В 1955 году под руководством Джипс был создан Лондонский репертуарный оркестр (англ. London Repertoire Orchestra), состоявший преимущественно из молодых музыкантов, а в 1961 году — оркестр "Шантеклер", принципом которого было включение в программу каждого концерта произведений ныне живущих композиторов. Позже она займет должности преподавателя в Тринити-колледже в Лондоне (1959–1966), Королевском колледже музыки (1967–1977), а затем в Кингстонском университете. Из композиций Джипс ею самой наиболее важными признавались пять написанных ею симфоний — особенно Вторая (1946), после которой к Джипс начало приходить признание специалистов. Рут Джипс "Морской пейзаж" Витезслава Капралова (1915–1940) - чешский композитор и дирижер. Начальное музыкальное образование Витезслава получила у своего отца Вацлава Капрала — композитора и пианиста, владельца музыкальной школы в Брно. Мать — Виктория Капралова — профессиональная певица, преподаватель вокала. В 1930—1935 годах Капралова изучала композицию и дирижирование в Консерватории Брно у Вилема Петржелки и Зденека Халабалы. В 1935 году, сразу после окончания консерватории, Капралова представила ре-минорный концерт для фортепиано, который в значительной мере обеспечил ей успех и признание публики. В 1935—1937 годах продолжила обучение в Пражской консерватории, где ее главным наставником по композиции был профессор Витезслав Новак, по дирижированию — профессор Вацлав Талих. В октябре 1937 года, за месяц до премьеры "Военной Симфониетты", Капралова переезжает в Париж, чтобы учиться дирижированию у Шарля Мюнша. Изначально она планировала проходить обучение в Вене, но после встречи с Богуславом Мартину во время своего краткого визита в Прагу, она решила добиваться правительственной стипендии на обучение во Франции. Вскоре после этого Капралова приняла участие в фестивале Международного общества современной музыки, который состоялся в Лондоне, а 17 июня 1938 года выступила с "Военной Симфониеттой" — на этот раз это был Симфонический оркестр BBC. После столь успешных выступлений Капралова приезжает в Брно на летние каникулы. Это был ее последний визит домой. В 1939 году она вернулась в Париж, где познакомилась со своим будущим мужем Иржи Мухой, сыном чешского живописца Альфонса Мухи. Их свадьба состоялась 23 апреля 1940 года. Витезслава умерла от туберкулеза в возрасте 25 лет — но при этом количество написанных ею композиций превосходит каталоги многих авторов. Логично предположить, впрочем, что до своего окончательного композиторского триумфа эта феноменальная девушка не дожила. При всем их формальном качестве, сочинения Капраловой стилистически все-таки очень похожи на музыку ведущего чешского композитора тех лет Богуслава Мартину, по совместительству большого друга семьи Капрал, знавшего Витезславу с детства и даже успевшего без памяти влюбиться в нее незадолго до смерти девушки. Витезслава Капралова. Dubnová preludia (April preludes) op. 13 Эми Бич (1867—1944) — представительница североамериканского континента, первая американская женщина-композитор в нашем списке. Она родилась в сельской местности возле Нью-Гемпшира; композиции, гармонии и контрапункту училась в Бостоне. Большую часть своей жизни Эми провела в США, совершив, однако, четырехгодичную поездку по Европе, во время которой исполняла, в том числе, собственные произведения. В программу вошли сразу два сочинения Эми Бич — Романс для скрипки и фортепиано ля мажор, ор. 23 и Квинтет для фортепиано и струнного квартета фа-диез минор, ор. 67. Обе пьесы принадлежат к романтическому направлению, при этом в них несомненно ощущается и "пульс" XX века. Эми Бич. Романс для скрипки и ф-но ля мажор, Ор. 23 Флоренс Беатрис Прайс (1887—1953) - считается первой женщиной-композитором афро-американского происхождения, также пианистка и педагог. Флоренс Прайс родилась в богатой афро-американской семье. Полагают, что она - первый симфонист афро-американского происхождения в истории и уж точно первая афро-американка, чьи произведения исполнил ведущий симфонический оркестр. Ноты ее первого музыкального произведения были опубликованы, когда ей было 11 лет. В 1903 году ее приняли в музыкальную консерваторию Новой Англии, которую она закончила с отличием по двум дисциплинам и получила диплом преподавателя фортепиано. Но в месте в Ассоциации преподавателей музыки Флоренс отказали - из-за цвета кожи. В 1925 и 1927 годах Прайс получила престижную музыкальную награду, и ее Симфония No 1 ми минор была исполнена симфоническим оркестром Чикаго в 1932 году. Она достигла успеха в то время, когда на юге США действовали ограничительные законы для афро-американцев, а в Нью-Йорке набирало обороты движение "Гарлемский ренессанс", оказавшее огромное влияние на возрождение афро-американского искусства в Соединенных Штатах. Многое из того, что мы знаем о Флоренс Прайс сегодня, обнаружил доктор Ширли Томпсон, композитор из Вестминстерского университета, который занимается исследованием ее жизни и музыки. Флоренс Беатрис Прайс "The Glory of the Day Was In Her Face" Рут Кроуфорд Сигер (1901—1953) - американский композитор. С раннего детства занималась фортепьяно. Первой учительницей Рут была ее мать. Затем поступила в Американскую музыкальную консерваторию в Чикаго, где обучалась композиции у Адольфа Вейдига. Однако наибольшее влияние на становление ее творчества оказал бывший ученик Скрябина Джейн Херц. Во время обучения в Чикаго познакомилась со многими представителями творческой элиты, в частности с Карлом Сэндбергом, стихи которого впоследствии положила на музыку. В 1930 году она стала первой женщиной, получившей стипендию Гуггенхайма. В кругах серьезных поклонников, исследователей и просто любителей американской фолк-музыки Рут Кроуфорд Сигер куда более известна, чем в мире академической музыки. Почему? Есть две ключевые причины: во-первых, она была женой музыковеда Чарльза Сигера, а следовательно, и родоначальницей клана Сигеров, семьи музыкантов и певцов, сделавших для популяризации американского фолка больше, чем кто-либо еще. Во-вторых, она последние лет десять своей жизни плотно работала над каталогизацией и аранжировками песен, записанных в многочисленных поездках Джоном и Аланом Ломаксами, крупнейшими американскими фольклористами и собирателями народной музыки. Удивительно, но вплоть до начала совместной жизни и Рут, и Чарльз Сигер были композиторами крайне модернистского толка, применить по отношению к музыке которых слово "фольклор" можно было с великим трудом. В частности, сочинения Рут Кроуфорд начала 30-х можно сравнить разве что с произведениями Антона Веберна — да и то лишь в плане искусно выстроенной драматургии и лаконично сконцентрированного музыкального материала. Но если у Веберна сквозь каждую ноту просвечивают традиции — не важно, австрийской или ренессансной музыки, — то произведения Сигер существуют словно вне традиции, вне прошлого и вне будущего, вне Америки и вне всего остального мира. Почему композитор с настолько индивидуальной манерой до сих пор не входит в канонический модернистский репертуар? Загадка... Рут Кроуфорд Сигер. Струнный квартет. Моменты III и IV Консуэло Веласкес (1916–2005) - мексиканская пианистка и композитор. "Бэса мэ… Бэса мэ мучо", - эту песню знает и поет уже несколько десятков лет весь мир. О том, как она была создана, и что потом случилось с написавшей ее девушкой, было множество легенд. Многие без шуток считают, что песня была написана практически случайно, в подростковом возрасте, в порыве сердца, и Консуэло потом никогда не возвращалась к музыке. На самом деле, и Веласкес песню сочинила намеренно, под влиянием оперной арии – она изучала и слушала много академической музыки. И сочинительство никогда не бросала. Более того, она сделала успешную карьеру именно как композитор – написала множество саундтреков к мексиканским сериалам, а также некоторое количество песен просто для эстрадных исполнителей. Консуэло Веласкес на весь мир прославилась одной песней, а у себя в Мексике - десятками. В 1979—1982 годы она была депутатом Палаты депутатов Конгресса Мексики. Удостоена многочисленных национальных и международных премий, почетная гражданка своего родного города Сьюдад-Гусман (1981). С Консуэло был казус. Ей довелось быть приглашенной в жюри в Москву на конкурс Чайковского. Один из исполнителей объявил народную кубинскую песню и спел с хором то самое "Бэса мэ". Веласкес не стала конфузить конкурсанта и только после мероприятия сказала советскому министру культуры – песня-то совсем не народная. Автор-то вот он… Неловкая вышла сцена... Консуэло Веласкес "Besame mucho" Беатрис Оганесян (1927–2008) — ирако-армянская пианистка, известная тем, что была первой концертной пианисткой и первой женщиной-композитором Ирака. В течение трех десятилетий она выступала с Иракским национальным симфоническим оркестром. В этой ближневосточной стране ее называют первопроходцем западной культуры. Беатрис родилась в Багдаде. Ее отец, крупный финансист, был родом из Персии. В Багдад он переехал из Индии, где работал вместе с англичанами в большой фирме. Ее мать и дяди были беженцами из Турции. Родители Беатрис поощряли ее увлечение музыкой, несмотря на то, что многим соседям не очень нравилось это занятие — ведь девочка играла на сцене на глазах у большого количества людей. Родители отдали Беатрис учиться к лучшему в городе педагогу. В двенадцать лет она уже еженедельно выступала с сольными концертами на национальном радио. Позже Беатрис получила музыкальное образование в Багдадском институте изящных искусств, созданном в 1938 году, в период, когда в Ираке появилась тяга к западной культуре. Поступив одной из первых, она окончила его с отличием. Беатрис несколько лет работала ассистентом румынского профессора фортепиано Жюльена Герца. Правительственная стипендия Ирака позволила ей продолжить учебу в Королевской академии музыки в Лондоне у профессора Макса Пирани. Четыре года спустя она получила свою первую награду на конкурсе пианистов, а затем и в качестве вокалистки. За свои выдающиеся способности Беатрис Оганесян получила стипендию Фулбрайта на обучение в Джульярдской школе в Нью-Йорке. Как лучшей ученице школы, ей было предоставлено право выступить в Карнеги-холл. Импресарио, пораженные мастерством Беатрис, организовали ей серию концертов в разных городах США. Когда пришло время возвращаться домой в Ирак в 1958 году, началась так называемая Революция 14 июля. В связи с этими событиями ее возвращение посчитали опасным, и стипендия была продлена еще на год. Беатрис начала выступать с Симфоническим оркестром Миннесоты и там же преподавать. Жила она у брата, уже много лет проживавшего в Миннесоте и ставшего в Америке, как и отец, крупным бизнесменом. Все окружающие ее люди советовали остаться в Соединенных Штатах. Но Беатрис чувствовала потребность вернуться в Ирак и обучать своих земляков музыке. Она вернулась на родину. По возвращении в Багдад Беатрис Оганесян была назначена начальником отдела фортепиано Института изобразительных искусств. Во время летних каникул она активно участвовала в мастер-классах и музыкальных семинарах в Иордании, Ливане, Египте и Иране. В 1961 году Беатрис стала главным пианистом Иракского национального симфонического оркестра. Эту должность она занимала на протяжении более тридцати лет. С 1969-го по 1972 год она преподавала одновременно в университете Миннесоты и колледже Макалестер в США, преподавала в Швейцарии. Давала концерты в странах Западной и Восточной Европы, СССР, скандинавских странах и на Ближнем Востоке. Она была солисткой спонсируемых институтом Гете серий концертов в Германии и Австрии. Ее успешная творческая и патриотическая деятельность была отмечена и на правительственном уровне. Когда Саддаму Хусейну доложили о ее успехах во славу современной иракской культуры, он обещал сделать для нее все, что она попросит. Беатрис попросила для своего класса в институте новый инструмент. Через месяц роскошный новый концертный рояль фирмы "Стенвей" был подарен ей лично от имени Хусейна. В 1980 году, во время ирано-иракской войны, она написала первое за все время существования страны иракское музыкальное произведение, рассчитанное на западный состав инструментов и по западному образцу. Она видела войну, видела марширующих солдат, и многие ее работы в то время были посвящены героизму солдат и патриотизму. Позже из-под ее пера вышли многочисленные музыкальные композиции, вальсы и увертюры, которые в дальнейшем представлялись публике в сопровождении симфонических оркестров на ежегодных международных фестивалях в Вавилоне, у себя в Ираке. Беатрис Оганесян оказала большое влияние и сыграла важную роль в усилении влияния западной классической музыки в Ираке. Ее сотрудничество с западными культурными центрами было очень плодотворным и значительным для развития музыкальной культуры Ирака. Министерство культуры и информации Ирака неоднократно отмечало, что Беатрис — пионер и первый концертный артист в Ираке и считается видным представителем национальной культуры, первой женщиной-композитором, признанным в этой восточной стране. Беатрис Оганесян вела и большую общественную деятельность. Бывая в разных странах, она находила представителей армянской общины и организовывала там концерты для соотечественников. Она выступала в качестве органистки в армянских церквах Лондона, Женевы и Сент-Поле. И никогда не забывала о своих корнях... Беатрис Оганесян "Рассвет" Заключение Как и в любых других областях классического искусства западного мира, в истории академической музыки найдется бесчисленное множество забытых, но заслуживающих рассказа о себе женщин. В особенности — в истории композиторского искусства. Даже сейчас, когда число заметных женщин-композиторов растет с каждым годом, в сезонные расписания самых известных оркестров и концертные программы самых известных исполнителей редко попадают произведения, написанные женщинами. Всегда ли эпитет "женская музыка" подразумевает некую негативную оценку? В общем, нет. Однажды на концерте, где звучали сочинения С. Губайдулиной, композитор-мужчина сказал: "Слышно, что женщина написала", но не мог не признать, что очень хорошее сочинение. То есть он отметил качество женской композиции, отличающейся от мужской. Другое видение, другое слышание, другая организация материала... Есть музыка талантливая как мужская, так и женская. И есть музыка неталантливая как мужская, так и женская. Вот когда женская неталантливая, о ней с пренебрежением говорят: "Женская музыка". О мужчинах так не скажут... Классические музыкальные произведения женщин-композиторов за 1200 лет в 78-часовом плейлисте Сегодня никто не удивится тому факту, что женщины преуспевают в музыке. Среди наших любимых рокеров и поп-звезд достаточно много исполнителей и женщин, и мужчин. Но ценители классики, должно быть, замечали, насколько в плейлистах преобладают мужчины-композиторы. В силу ряда исторических и культурных причин область классической музыки производит впечатление мира исключительно мужского. Но это не совсем так. Сервис Spotify опубликовал плейлист "1200 лет женщин-композиторов: от Хильдегарды до Хигдон" (1200 Years of Women Composers: From Hildegard To Higdon). И этот сборник каждого убедит в том, что женщины начали формировать то, что мы сегодня называем классической музыкой, гораздо раньше, чем можно было подумать. Чтобы прослушать весь список с сотнями произведений, потребуется несколько дней. Композиции начинаются со времен Средневековья с византийского гимнографа, поэтессы, композитора и монахини Кассии Константинопольской. А завершают собрание произведения таких современных молодых знаменитостей, как Мисато Мотидзуки, Хелена Тульве и Лера Авербах. Плейлист классической музыки, созданный на сервисе Spotify, на сайте описывают не просто как собрание произведений женщин-композиторов, но как "краткую историю западной классической музыки. И это по-настоящему восхитительно – слушать музыку, которая постоянно раскрывается то монотонными и глубоко духовными средневековыми песнопениями Хильдегарды Бингенской, то буйным ультрасовременным ударным концертом Дженнифер Хигдон"... И пока вы не приступили к эпическому прослушиванию, вспомним цитату И.-В. Гете из "Фауста": "ВЕЧНАЯ ЖЕНСТВЕННОСТЬ ВЛЕЧЕТ НАС ВВЕРХ". «1200 лет женщин-композиторов: от Хильдегарды до Хигдон» Часть II Часть III Часть ІV

Если вы спрашиваете, что такое джаз, – то вам этого никогда не понять. Луи Армстронг «Музыка не для всех», «музыка для умных» – как только ни называют джаз. Его принято считать элитарной музыкой наравне с академической. У джаза много поклонников, но немало и тех, кто просто не понимает этот жанр, так как считает слишком непростым для восприятия. Что такое джаз? Это волнующие ритмы, приятная живая музыка, которая непрерывно развивается и движется. С этим направлением, пожалуй, не сравнится ни одно другое, и перепутать его с каким-либо иным жанром невозможно даже новичку. Изобретательность, а также страсть, которой наполнены джазовые композиции, не имеет границ. И вот в чем парадокс - услышать и узнать эту неординарную музыку, способную выразить всю гамму человеческих чувств, можно легко, а вот описать словами не так просто. Многоликая и многообразная, она непрерывно совершенствуется, а потому понятия и характеристики, применяемые сегодня, через год или два уже устаревают. Джаз – это направление в музыке, которое возникло в США в самом начале XX века. В нем тесно переплетаются ритмы, обрядовые песнопения и рабочие песни афроамериканцев, а также гармоническая составляющая, присущая музыке белых переселенцев. Другими словами, это импровизационный жанр, появившийся в результате смешивания западноевропейской и западноафриканской музыки. В чем особенности джазовой музыки? Первая и самая важная особенность – это импровизация. Музыканты должны уметь импровизировать как в оркестре, так и соло. Еще одна не менее значимая черта – полиритмия. Ритмическая свобода, пожалуй, это главнейший признак джазовой музыки. Именно такая независимость вызывает у музыкантов ощущение невесомости и непрерывного движения вперед. Вспомните любую джазовую композицию. Кажется, что исполнители непринужденно наигрывают какую-то чудесную и приятную на слух мелодию, никаких строгих рамок, как в классической музыке, только удивительная легкость и расслабленность. Конечно, в джазовых произведениях, как и в классических, есть свои правила, однако, благодаря синкопированному мелодизму и особому ритму, который называется свинг (от англ. «качание»), и возникает такое необычайное ощущение свободы. Что еще важно для этого направления? Конечно же бит, то есть регулярная пульсация. Популярные джазовые композиции «What’d I Say». Эта замечательная композиция американского исполнителя Рэя Чарльза, записанная в 1959 году, покорила миллионы людей. Песня появилась случайно во время концертного выступления как импровизация, которой нужно было заполнить неожиданно образовавшуюся паузу, а в результате стала родоначальницей нового стиля джазовой музыки, получившего название соул: Рэй Чарльз «What’d I Say» «Hello, Dolly!». Песня создана в 1963 году композитором Джерри Херманом для мюзикла с одноименным названием, а мировую известность получила после ее исполнения знаменитым джазменом Луи Армстронгом. Композиция была удостоена премии «Грэмми» и признана джазовым стандартом: «Hello, Dolly!» Исп. Луи Армстронг «New York, New York». Данная композиция является визитной карточкой выдающегося американского певца Фрэнка Синатры. Песня, написанная композитором Джоном Кандером и поэтом Фредом Эббом, впервые была исполнена Лайзой Миннелли в 1977 году в одноименном фильме. Через два года композиция с небольшими изменениями была записана Фрэнком Синатрой и стала по-настоящему культовой: «New York, New York» Исп. Фрэнк Синатра «Chattanooga Choo Choo». Песня, сочиненная поэтом Маком Гордоном и композитором Гарри Уорреном, впервые была записана джаз-оркестром Гленна Миллера в мае 1941 года. Прозвучавшая в том же году в фильме «Серенада Солнечной долины», она сразу заняла высшую строчку хит-парадов США, а вскоре пластинка с композицией стала первым «золотым диском» в истории грамзаписи, так как ее продажи значительно превысили миллион экземпляров: «Chattanooga Choo Choo» Исп. джаз-оркестр Гленна Миллера «Caravan». Одна из самых известных композиций, написанная Дюком Эллингтоном в творческом тандеме с Хуаном Тизолом в 1936 году, признана джазовым стандартом. Популярность пьесы среди музыкантов настолько велика, что в нынешнее время сложно перечислить все кавер-версии и аранжировки, сделанные неравнодушными к ней джазменами: «Caravan» Исп. Дюк Эллингтон История джаза Я считаю, что джаз - это один из величайших музыкальных языков. Возможно, это самое лучшее, что изобрела Америка. Вангелис, греческий композитор Хорошо известно, что зарождение джаза, как музыкального течения, произошло в Соединенных Штатах в конце XIX века, однако необходимо отметить, что его истоки следует искать далеко от Америки - на африканском континенте. А началось все с открытия Колумбом нового материка, на который в начале XVII века британцы стали завозить чернокожих невольников. Привезенные рабы, будучи выходцами из разных племенных сообществ, поначалу не понимали друг друга. Чтобы выжить в совершенно новых условиях, им приходилось не только находить пути общения, но и создавать единую культуру, в том числе и музыкальную, которая основывалась на ритмах и мотивах родной Африки. Изможденные тяжкой работой и терпящие жестокое обращение белых господ, невольники в часы отдыха изначально утешали себя этническими ритуальными песнями, с характерными для них сложными ритмами. Поскольку у афроамериканцев не было музыкальных инструментов, их пение всегда сопровождалось своеобразными танцевальными прихлопываниями и притоптываниями. Со временем подневольные переселенцы стали приспосабливаться к новым условиям. В их жизни появились другие напевы, которые формировались под влиянием культуры белых хозяев, например, такие, как спиричуэлс: наполненные импровизацией, весьма эмоциональные духовные песнопения, или филд-холлер: песни-переклички, напеваемые рабами во время работ на плантациях. После гражданской войны 1861–1865 годов в США отменили рабство, но такие перемены не облегчили жизнь темнокожего населения страны. Афроамериканцам в поисках заработка приходилось слоняться из города в город. По дорогам страны стали колесить минстрел-шоу с чернокожими музыкантами, которые веселили случайно собравшуюся публику песнями и танцами, например, такими, как кейкуок, впоследствии явившимся предшественником регтайма, одного из важнейших источников джаза. Примерно в то же время, как отражение горестной жизни темнокожих граждан Америки, зародился блюз – песни одиночества и отчаяния, явившиеся еще одной первостепенной составляющей джазовой музыки. Так длительное взаимодействие африканской музыкальной культуры, которая отличалась импровизационностью, пластикой и ритмичностью, а также американской народной музыки белых переселенцев с присущей ей гармонией и мелодичностью, привело к возникновению в самом конце XIX столетия совершенно нового музыкального направления, в дальнейшем получившего название «джаз». Колыбелью джазовой музыки принято считать Новый Орлеан. Именно в этом южноамериканском городе в самом начале двадцатого столетия диковинный околоэтнический стиль стал значительно преобразовываться. Основоположниками новоорлеанского джаза, который впоследствии получил название «традиционный», а также «диксиленд», были Джелли Ролл Мортон, Бадди Болден и Кид Ори. Благодаря творчеству этих музыкантов «синкопированная музыка» стала стремительно набирать популярность и активно распространяться по стране. Небольшие ансамбли темнокожих музыкантов - первые джаз-бэнды, поначалу выступавшие в ресторанах Нового Орлеана, в поисках лучшего заработка начали гастролировать по разным городам. Так 1917 год ознаменовался началом нового этапа развития джаза, но уже в Чикаго. Там стали деятельно создаваться джазовые оркестры, которые исполняли композиции, отличавшиеся не только усложненными аранжировками, но и особыми исполнительскими приемами. Яркими представителями «чикагского джаза» являются Джо Кинг Оливер, Кэррол Диккерсон и несравненный Луи Армстронг. «Есть два вида музыки: хорошая и плохая. Я играю хорошую». Луи Армстронг, американский джазовый трубач, вокалист и руководитель ансамбля В это же время, в 20-х годах XX века, с появлением блюзовых ансамблей завершилось формирование классического блюза. В этом виде музыки утвердились характерные особенности, унаследованные от музыкальной культуры афроамериканцев, и четко определилась 12-тактовая форма и гармоническое сопровождение. В этот период блюз постепенно выходит из африканских гетто и переходит в форму шоу-бизнеса. В 1920 году произошло знаковое событие - Мэми Смит записала на грампластинку свой «Crazy Blues» и, ко всеобщему удивлению, пластинка получила небывалый коммерческий успех. Фирмы грамзаписи, почуяв прибыль, набросились на новую музыку. Начался блюзовый бум: «Crazy Blues» Исп. Мэми Смит Развитие джаза Процесс развития и видоизменения джазовой музыки с каждым годом проходил все интенсивнее. Например, в Нью-Йорке джазовый скрипач Пол Уайтмен в 1920 году сформировал большой оркестр и к джазовой музыке подошел по-особенному. Он явился зачинателем нового стиля, который сам же назвал «симфоджазом». Именно Уайтмен заказал Джорджу Гершвину знаменитую «Рапсодию в стиле блюз» - произведение, совершившее революцию в музыкальном мире. Следующий этап развития джаза связан с появлением больших джаз-оркестров - биг-бэндов, которые могли исполнять различные танцевальные мелодии. Они практиковали совершенно новый стиль, в котором явно чувствовались отклонения от ритмического рисунка, а яркая сольная импровизация накладывалась на замысловатый аккомпанемент. Такая разновидность оркестровой джазовой музыки получила название «свинг». Наибольшей популярностью в середине двадцатых, а также в тридцатых годах пользовались джаз-оркестры под управлением Дюка Эллингтона, Флетчера Хендерсона, Гленна Миллера, Бенни Гудмена, Каунта Бэйси. Конечно же, такой отход свинга от черт, присущих раннему джазу, от национальных мелодий, вызвал недовольство у некоторых знатоков джазовой музыки. Именно поэтому биг-бэндам и исполнителям свинга начинает противопоставляться игра небольших ансамблей, в которые входили только чернокожие музыканты. Таким образом, в 1940-е возникает новый стиль бибоп, ярко выделяющийся среди других направлений джазовой музыки. Ему были присущи невероятно быстрые мелодии, долгая импровизация, сложнейшие ритмические рисунки. Среди исполнителей этого стиля выделяются фигуры Чарли Паркера и Диззи Гиллеспи: «Бибоп» Исп. Диззи Гиллеспи Начиная с 1950 года джаз развивается по двум разным направлениям. С одной стороны, приверженцы классического джаза решили вернуться к традиционной музыке и, отодвинув в сторону бибоп, создали кул-джаз, который отличался эмоциональной сдержанностью. С другой стороны, вторая линия продолжила развивать бибоп. На этой основе возник хард-боп, возвращающий традиционные фольклорные интонации, четкий ритмический рисунок и импровизацию. Этот стиль развивался совместно с такими направлениями, как соул-джаз и модальный джаз. Они плотнее всего приблизили музыку к блюзу. В 1960-е проводятся различные эксперименты и поиск новых форм. В результате появляется джаз-рок и джаз-поп, совмещающие два разных направления, а также фри-джаз, в котором исполнители вовсе отказываются от регуляции ритмического рисунка и тона. Среди музыкантов этого времени прославились Орнетт Коулман, Уэйн Шортер, Пат Метэни. В последующие годы джаз продолжал свое интенсивное развитие. Возникли новые стили, среди которых смуз-джаз, эйсид-джаз, джаз-фанк, ню-джаз, дарк-джаз. В результате на сегодняшний день в джазе насчитывается более сорока самых разнообразных стилевых ответвлений... Джаз в молодом Советском государстве Первое знакомство с джазовой музыкой в Советской России произошло 1 октября 1922 года, когда театральный деятель Валентин Парнах, вернувшись из Парижа, организовал выступление сформированного им «Первого в РСФСР эксцентрического джаз-банда». Этот день называют «днем рождения отечественного джаза». В. Парнах — это знаменитый российский поэт и переводчик, музыкант, танцор, хореограф. Основатель парижской литературной группы «Палата поэтов», которого заслуженно называют «пионером советского джаза». Его коллектив просуществовал недолго, но на смену ему пришли большие оркестры Александра Цфасмана и Леопольда Теплицкого. Исполняемые ими концертные программы в основном состояли из модных танцев, таких как фокстрот и чарльстон, а также джазовых переложений произведений композиторов-классиков и эстрадных композиций современных зарубежных авторов. Поскольку популярность таких коллективов в СССР быстро набирала обороты, то в следующие годы были созданы еще несколько больших джазовых оркестров, среди которых «ТЕА-джаз» Леонида Утесова, «Ленинградская джаз-капелла» Георгия Ландсберга и Бориса Крупышева. Немного позднее сформированы оркестры Якова Скоморовского, Александра Варламова, а в 1938 году Государственный джаз-оркестр СССР под руководством Матвея Блантера и Виктора Кнушевицкого. Начало украинского джаза также можно датировать довольно точно. Первый джазовый бэнд в Украине собрал харьковчанин Юлий Мейтус, в дальнейшем известный композитор, а первый его концерт состоялся в Харькове 29 октября 1925 года. В 30-х годах многие джазовые оркестры появляются почти во всех крупных городах Украины: Киеве, Львове, Одессе, Харькове, Днепропетровске. Они играли в кино и драматических театрах, домах культуры, гостиницах, ресторанах. История сохранила немало имен, но, к сожалению, немного записей. Счастливое исключение составляют «Ябцьо-джаз» - популярная джазовая капелла Леонида Яблонского, и «Теа-джаз» польского композитора Генрика Варса. Солисткой обоих этих львовских коллективов была блистательная джаз-дива Ирена Яросевич. Ирена Рената Андерс (урожденная Яросевич) - это известная украинская и польская эстрадная артистка, певица ревю, киноактриса. Ее сценический псевдоним — Рената Богданська. Певица была дочерью капеллана украинской галицкой армии Н. Яросевича и Елены Нижанковской, сестры известного украинского композитора Остапа Нижанковского. Ирена могла бы стать Первой леди украинского джаза, однако судьба распорядилась иначе и сделала ее одним из символов послевоенной Польши и королевой польского джаза. «Первый знак» (муз. Г. Варс) Исп. Львовский Теа-джаз и Рената Богданська Следует отметить, что также были родом из Украины выдающиеся джазовые музыканты Л. Утесов, А. Цфасман, Л. Теплицкий, Я. Скоморовский, переехавшие в Россию, где и сложилась их музыкальная карьера... Джаз-оркестр СССР В СССР джаз то запрещали, то разрешали. Максим Горький назвал его в 1928 году «музыкой толстых», «оркестром безумных, которые сошли с ума на сексуальной почве, а дирижирует ими какой-то человек-жеребец, размахивая огромным фаллосом». В конце сороковых годов, в эпоху борьбы с космополитизмом, джазовая музыка также подверглась гонениям: джазовые оркестры были переименованы в эстрадно-симфонические, а настоящие джазмены ушли «в подполье». В Советском Союзе восьмилетний период, начавшийся в 1948 году, вошел в отечественную историю под названием «эпоха разгибания саксофонов». В результате постановления ВКПб от 10 февраля саксофон и джаз как враждебные элементы попали в опалу. Весьма расхожими стали фразы: «От саксофона до ножа – один шаг», «Сегодня он играет джаз, а завтра Родину продаст!». Тех, кто слушал джаз, приравнивали к диверсантам, подрывающим культуру. Но все это не мешало появляться в стране джаз-оркестрам. К тому же в СССР нередко наведывались джаз-банды из дружественных стран - например, польский джаз-банд Владислава Даниловского. С наступлением «хрущевской оттепели» гонения на музыкантов были ослаблены, и лишь Московский фестиваль молодежи и студентов (1957) дал старт возрождению настоящей джазовой музыки в СССР, которая затем с успехом вышла на международную арену в лице таких выдающихся музыкантов, как Игорь Бриль, Леонид Чижик, Виктор Фридман, Алексей Козлов, Николай Левиновский, Геннадий Гольштейн, Давид Голощекин... В послевоенные годы, до начала 1960-х, в украинском джазе продолжается период свинга. В 1962 году был создан джаз-оркестр «Днепр» под управлением Игоря Петренко (позже - Гиви Гачечиладзе). В 1965 году он выпустил пластинку, на которой было записано три композиции: «Фантазия» на темы песен И. Шамо и два произведения американских джазменов Джулиана Эдерле и Куинси Джонса. Этот миньон фактически можно считать первой пластинкой украинских джазовых музыкантов: Джаз-оркестр «Днепр» под упр. Г. Гачечиладзе (1965) В том же 1962 году произошло еще одно важное событие - основание Киевского джазового клуба, первого в Украине. Главная заслуга в этом принадлежала композитору и музыковеду, джазовому пианисту Владимиру Симоненко, автору первой книги о джазе в Украине. В течение следующих десятилетий джазовые клубы появились во многих других городах. Знаменательным событием в истории украинского джаза стал первый джазовый фестиваль «Джем-сешн», который состоялся в Киеве в 1967 году. Фестивальную эстафету Киева также подхватили другие украинские города... Занимательная деталь. В 1983 году на экраны страны вышел советский комедийный музыкальный художественный фильм «Мы из джаза», поставленный на киностудии «Мосфильм» режиссером Кареном Шахназаровым. Действие происходит в 1926 году в Одессе. Фильм повествует о нелегком пути становления советского джаза: Фрагмент фильма «Мы из джаза» Интересные факты о джазе 🎷 Первая запись с джазовой музыкой была сделана в Нью-Йорке в 1917 году, однако не афроамериканскими, а белыми музыкантами. Пластинка «Original Dixieland Jazz Band» с композициями новоорлеанского джаза стремительно набрала большую популярность. 🎷 Происхождение термина «джаз» до сих пор не установлено, но вариантов очень много. По одной из версий, он происходит от французского слова, которое переводится как болтовня, по другой - от английского слова, обозначающего преследование. На одном из африканских наречий похожим словом называли звучание барабанов, однако существуют предположения, что чернокожие невольники применяли его, как одобрительный выкрик. Еще, согласно одной из версий, слово «jazz» имело самостоятельную природу и произошло от сленга белых американцев, которые имели в виду «духовный подъем» и «энергичность». 🎷 Джаз был настолько популярен в двадцатых годах прошлого столетия, что историки часто называют этот период эпохой джаза, а ее королем Пола Уайтмена. Пол Уайтмен - это американский бэнд-лидер, джазовый скрипач. Во время Первой мировой войны в 1917—18 годах руководил большим военно-морским оркестром. В 1918 году Уайтмен, всегда интересовавшийся популярной музыкой, собрал в Калифорнии свой первый танцевальный оркестр. 🎷 Типичными джазовыми инструментами являются барабаны, гитара, фортепиано, саксофон, труба, кларнет, тромбон и контрабас: Почему слушатели называют джаз сложным для восприятия? Говоря о «сложном» джазе, люди чаще всего имеют в виду виртуозные импровизации, где звуки словно наслаиваются друг на друга и звучат хаотично. Такая музыка может вызвать непонимание у неподготовленного человека. Поклонники джаза говорят, что его нужно учиться слушать, как нужно учиться понимать картины Кандинского или Пикассо. Джаз – это не набор звуков, он имеет собственную мелодику и ритм. Но они не похожи на то, что мы привыкли слышать. Мозг человека устроен так, что лучше воспринимает привычную, шаблонную информацию. Поэтому ему сложно приспособиться к незнакомому и непонятному звучанию джазовой импровизации. Большинство современной музыки создается по одному и тому же стандарту. Например: · четыре основные ноты, используемые в различных комбинациях; · ритм 120 bpm, соответствующий биению человеческого сердца под легкой нагрузкой; · четкий ритм (звук ударных на каждую долю); · продолжительность 3–4 минуты; · отсутствие долгих проигрышей или импровизаций. Джазовая музыка нарушает эти неписаные правила. Импровизации на первых джазовых концертах могли длиться часами, при этом музыкант использовал все богатство доступного ему звучания. Кроме того, не все джазовые стили сложны. Например, свинг, популярный в середине XX века, – это танцевальная музыка. Ее не нужно осмысливать, под нее нужно двигаться: Каунт Бэйси «One O'clock Jump» Современный контемпорари-джаз тоже ближе к танцевальной и поп-музыке. Это сочетание мягкого smooth jazz, изысканного jazz-funk, ритмичного R&B и привычной нам попсы. Он становится ближе к популярным жанрам, подчиняется стандартам и рассчитан на широкий круг слушателей. Контемпорари-джаз часто используется в магазинах, торговых центрах, ресторанах как музыкальный фон: Однако и «сложный» джаз не теряет своей популярности. Возможно, в первый раз он покажется непонятным, однако немного терпения – и он станет простым и близким. Джаз – это чистая экспрессия, чувства, выраженные музыкой, которые найдут отклик в душе каждого... «Если джаз открыл тебе свою душу - ты король; если нет, то будь добр, закрой дверь с другой стороны». Автор неизвестен Джазовая импровизация Исп. Паскаль Винц ________________________ При подготовке статьи использованы следующие работы: 1. Что такое джаз, история джаза [Электронный ресурс] //Soundtimes.ru. - Режим доступа: https://soundtimes.ru/o-dzhaze/chto-takoe-dzhaz 2. О. Юдін. Джазові виконавці України: історія ХХ століття [Электронный ресурс] //«OFR.FM». - 2018. - 19 октября. - Режим доступа: https://ofr.fm/dzhazovi-vikonavtsi-ukrayini-istoriya-hh-stolittya/ 3. Почему люди не любят джаз [Электронный ресурс] //StP: звук и тишина. - 2019. - 10 сентября. - Режим доступа: https://zen.yandex.ru/media/id/5d3ed3f944742600aeefd918/pochemu-liudi-ne-liubiat-djaz-5d778d3297b5d400ae75d7d6

Звуки умертвив, музыку я разъял, как труп. Поверил я алгеброй гармонию… А. Пушкин. Моцарт и Сальери В этой статье мы поговорим о современных технологиях, которые, возможно, уже в ближайшем будущем перевернут все принятые правила написания текстов и музыки и откроют новую эру в искусстве. Все, наверное, слышали музыку, сочиненную с помощью компьютерного алгоритма. За последние десятилетия исследователи искусственного интеллекта (ИИ) добились огромных успехов в вычислительном - или алгоритмическом - творчестве, и эти достижения теперь проникают в реальный мир. Разнообразные программы выпустили альбомы во многих жанрах. Они записали музыку для фильмов, презентаций и рекламы. И они также создают музыкальное настроение в играх и приложениях для смартфонов. Но как звучит музыка, созданная на компьютере? И зачем это делать?.. Музыка как вид искусства не может не обновляться. И этот процесс развития, зародившись одновременно с появлением человечества, происходит вот уже на протяжении многих тысяч лет. Мы даже не задумываемся о том, что музыка неотделима от нашей жизни. По дороге на работу, дома или на улице - она окружает нас везде. Возможно, мы впервые слышим музыку, находясь еще в утробе матери. Она способна поднять настроение и вызвать меланхолию, все яркие и незабываемые события в жизни неотъемлемы от музыки. Сегодня это целая индустрия - сотни музыкальных направлений и течений, тысячи исполнителей и миллионы поклонников… С каждым годом искусственный интеллект занимает все более уверенные позиции в искусстве - в самой человеческой из жизненных сфер. И мир музыки тому не исключение. Известно, что создание новой композиции – это зачастую работа, в которой принимают участие несколько человек, и музыка рождается в результате тесного сотрудничества и слияния идей. С развитием компьютерных технологий люди все чаще обращаются к машинам за помощью в генерировании мелодий и текстов. Примеров ИИ-творчества сотни. Эксперты уверены, что подобные тенденции являются отправной точкой революционных преобразований в музыкальной среде... Для начала определим, что такое искусственный интеллект. Это свойство интеллектуальных систем выполнять творческие функции, которые традиционно считаются прерогативой человека; а также наука и технология создания интеллектуальных машин, особенно интеллектуальных компьютерных программ, построенных по принципу организации и функционирования биологических нейронных сетей. Такие сложные компьютерные программы функционируют не по жестко заданным алгоритмам, а по принципу живых клеток мозга. Сигналы передаются от нейрона к нейрону и, наконец, выводятся — получается числовой, категориальный или генеративный результат. В разработке ИИ существует машинное обучение, которое изучает методы построения алгоритмов, способных самостоятельно обучаться. Это необходимо, если не существует четкого решения какой-либо задачи. В этом случае проще не искать правильное решение, а создать механизм, который сам придумает путь для его поиска. Это один из многочисленных методов, которые используются для написания компьютерной музыки. Как же работает искусственный интеллект при создании музыкальных произведений? Общий принцип заключается в том, что нейросеть, один из способов реализации искусственного интеллекта, "смотрит" на огромное количество примеров и учится генерировать что-то похожее. С незапамятных времен музыка и математика постоянно переплетались. В связи с этим в наше время появилось новое понятие – алгоритмическая музыка. То есть музыка, созданная с помощью математических моделей, правил и алгоритмов. Если мысль о компьютерной музыке вас слегка напрягает, упомяну, что эксперименты по "автоматизации" композиции были хорошо известны еще в Древнем мире, когда музыка создавалась при помощи игральных костей. Так, по сообщению китайского историка музыки Су Ма Шьена, уже в Древнем Китае подобным образом создавались музыкальные композиции; при этом такой способ сочинения практиковался на экзаменах, и подобные задачи ставились перед учащимися. В античности музыка вообще считалась ответвлением математики. Аврелий Кассиодор, римский политик и ученый, живший в VI веке, описывал математику как союз четырех дисциплин: арифметики, музыки, геометрии и астрономии. Первый опыт по формализации музыкальных звуков с помощью математических методов принадлежит Пифагору. В области гармоники Пифагором были произведены важные акустические исследования, приведшие к открытию закона, согласно которому первые (то есть самые главные, самые значимые) консонансы определяются простейшими числовыми отношениями 2/1, 3/2, 4/3. Так, половина струны звучит в октаву, 2/3 — в квинту, 3/4 — в кварту с целой струной. "Самая совершенная гармония" задается четверкой простых чисел 6, 8, 9, 12, где крайние числа образуют между собой октаву, числа, взятые через одно, — две квинты, а края с соседями — две кварты. В западноевропейской музыке самым ранним образцом такого способа композиции считается 17-я глава трактата "Микролог" (Micrologus, между 1025 и 1030) знаменитого итальянского теоретика музыки, педагога, монаха-бенедиктинца Гвидо д’Ареццо (ок. 990 — ок. 1050). В ней описывается способ создания "силлабической мелодии на основе текста, заключающийся в произвольной перестановке тонов, закрепленных за латинскими гласными". Это первый известный пример применения алгоритмического подхода к сочинению музыки. Другими словами, Гвидо Аретинский разработал соответствующий метод привязки текста к нотам: каждая нота была назначена определенной гласной, и мелодия варьировалась, исходя из положения гласных в тексте. Октава была размечена следующим образом: Г A B C D E F G a b c d e f g Затем под этой строкой размещались три цикла гласных: Г A B C D E F G a b c d e f g a e i o u a e i o u a e i o u После этого композитору оставалось составить мелодию, пользуясь такой таблицей, опираясь на извлеченные текстовые гласные. В рамках "музыкальных игр" появился ряд систем, основанных на различных принципах построения музыкальных пьес: Атанасиуса Кирхера ("композиционная машина"; 1660), Уильяма Хейса (разбрызгивание чернил над нотным станом; 1751). В 1719 году пражский монах Маурициус Фогт предложил в своем сочинении Conclave thesauri magnae artis musicae способ создания музыки посредством подбрасывания сапожных гвоздей. В XVIII веке некоторые композиторы развлекались так называемыми "Musikalisches Würfelspiel" ("играми в музыкальные кости"): в этой интеллектуальной игре броски игральных костей определяли порядок, в котором будут собраны предварительно составленные музыкальные фрагменты. Это был следующий этап попытки применения алгоритмических процедур в докомпьютерную эпоху. Одна из этих игр была опубликована в 1792 году издателем Моцарта Николаусом Симроком в Берлине; автор остался неизвестным, но произведение было приписано самому Моцарту. Можно сказать, что Вольфганг Амадей одним из первых в истории человечества создал арт-генератор — с его помощью композитор сочинял менуэты. Дело в том, что музыка сама по себе алгоритмична. Все в ней подчиняется каким-то законам: размер, темп, обязательные части, такт и прочее. И все менуэты во времена Моцарта создавались в рамках менуэтного канона, в котором присутствовали строгие ограничения. А если присутствуют ограничения, то разнообразие достигается за счет вариативности. Видимо, автор увидел, что разные фрагменты менуэтов можно менять друг с другом. Участники кидали игральные кости. Выпавшее число определяло номер музыкального фрагмента — уже сочиненного и отложенного впрок — который должен стать частью пьесы. Таким же образом была создана в 1790 году "Филармоническая шутка" Гайдна. И Моцарт, и Гайдн – оба композитора любили игры и веселье, поэтому сложно сказать, задумывались ли эти пьесы как нечто большее, чем забавы. Сегодня данная игра целиком перекочевала в электронную сферу и доступна как в виде приложений для мобильных устройств, так и в виде программок для ПК и браузеров. Играть, конечно, в нее уже не так захватывающе, как пару веков назад, однако в отличие от многих других настольных игр той эпохи к ней можно прикоснуться при первом же желании. На австрийском телеканале показали, как играть в игру, придуманную Моцартом Исследователи отмечают историческую преемственность между "музыкальными играми" и алеаторикой (лат. alea — игральная кость; жребий, случайность), возникшей в ХХ веке. Эта авангардная техника заключается в неполной фиксации музыкального текста в нотах, и, как следствие, в свободе реализации или даже совместного создания в процессе исполнения. Это направление современной академической музыки провозглашает случайность, неопределенность первоисточником творчества и исполнительства. Она достигается различными средствами: жребием, шахматными ходами, цифровыми комбинациями, тасованием нотных листов, бросанием игральных костей, разбрызгиванием чернил на нотном листе и другими. Еще одна математическая модель, использовавшаяся в искусстве на протяжении веков, – золотое сечение. Под золотым сечением подразумевается точка, делящая любой сегмент на такие две части, что соотношение размера более большой части по отношению к меньшей равно соотношению всего сегмента по отношению к большей части. Золотое сечение неразрывно связано с последовательностью чисел Фибоначчи, открытой итальянским математиком Леонардо Пизанским в XIII веке: 1, 1, 2, 3, 5, 8, 13, 21, 34, 55, 89, 144…., где каждое последующее число является суммой двух предыдущих. Данная последовательность всегда привлекала различных композиторов, которые использовали ее в качестве структурной схемы. По отношению ко всей длине произведения точка золотого сечения приходится примерно на 61,8 % хронометража. Обычно композиторы оставляют на данный отрезок кульминацию отрывка или драматический момент. Самым ранним примером использования такого подхода можно назвать мотет английского композитора эпохи Возрождения Томаса Таллиса (1505—1585) "Spem In Alium" (лат. "Надежда в любом другом") — в золотой середине этого произведения расположен такт полной тишины, за которым следует вступление хора из 40 голосов. Также использование золотого сечения можно встретить в произведениях таких композиторов, как Ф. Шуберт, И.-С. Бах, К. Дебюсси. Т. Таллис. Мотет "Spem In Alium" Перевод с лат.: Я никогда не надеялся ни на кого другого как только на Тебя, Боже Израилев, кто может проявить и гнев, и милосердие, и кто отпускает все грехи страдающего человека, Господь Бог, Создатель Неба и Земли, помни о нашем смирении. История музыки компьютерных технологий Работа над синтезированной музыкой ведется уже давно. Ранние известные эксперименты в этой области проводились еще в 50-х годах XIX века. Первой, кто заговорил о попытках написания машиной музыки, была английская математик, изобретательница двоичного кода Ада Лавлейс (1815—1852). В 1843 году она написала, что "аналитическая машина Чарльза Бэббиджа может сочинять осмысленные отрывки музыки любой сложности и длины". Бурное развитие науки и, в частности, математики, начавшееся с середины XIX века, позволило композиторам и ученым воплощать в своих трудах такие идеи, которые ранее казались невозможными. В 20—30-х годах ХХ века украинский композитор и музыкальный теоретик Иосиф Шиллингер (1895—1943), иммигрировавший в США, развил свою "систему музыкальной композиции Шиллингера" — объемное произведение размером в две тысячи страниц. Данная система покрывала все фундаментальные аспекты музыкальной композиции – контрапункты, ритмы, гармонии и так далее. Основной принцип работы этой системы заключался в использовании результирующего вектора (система была по сути геометрической) взаимовлияющих периодических колебаний на квадратную область ритмических и структурных пропорций, с последующей проекцией на области нот и аккордов, контрапунктов, гармонических прогрессий, эмоциональных и семантических аспектов. Свой способ генерации произведений с помощью математических алгоритмов Шиллингер преподавал таким известным композиторам, как Глен Миллер и Джордж Гершвин. Есть мнение, что впоследствии Гершвин использовал эти методы в своем творчестве и сгенерировал отдельные части своих произведений. Система Шиллингера была встречена резкой критикой за псевдонаучность, отсутствие внятных математических обоснований и слишком сложный, непостоянный и сбивчивый стиль изложения. Однако именно эта работа определила направления многих будущих научных исследований в области алгоритмического сочинения музыки и вернула интерес к сфере, забытой на несколько веков. В 1951 году, через столетие после того, как английский математик Чарльз Бэббидж создал первую аналитическую вычислительную машину, его знаменитый соотечественник, математик и криптограф Алан Тьюринг (1912—1954) на компьютере Mark II, построенном его группой в лаборатории Манчестера, воспроизвел три мелодии (песни "God Save the King", "Ba Baa Black Sheep" и "In the Mood"). Именно они стали первой в истории человечества музыкой, созданной при помощи машины. Для записи песен Тьюринг и его коллеги использовали односторонний ацетатный диск диаметром 12 дюймов. Сегодня запись 1951 года звучит просто и даже смешно. Тем не менее в те времена написать программу, которая воспроизведет на компьютере музыку, да и еще с максимальной точностью, было невероятно сложно. Самой большой трудностью было отнюдь не нотное содержание, а точность строя и высоты каждой ноты, поэтому через много лет музыку пришлось восстанавливать. Только в 2016 году профессор Джек Коупленд и композитор Джейсон Лонг, специалисты из университета Кентербери (Новая Зеландия), смогли воссоздать эту уникальную запись. Новаторская работа Тьюринга по превращению компьютера в музыкальный инструмент в основном осталась без внимания. Известно, что знаменитый физик "озвучил" свой компьютер не ради музыки. Изначально ученый решил, что написанные им инструкции помогут пользователям быстрее освоиться с работой гигантской вычислительной машины. По задумке, компьютер и его программа будут озвучивать все действия и этапы работы, что станет прекрасной индикацией состояния выполнения задач: одна нота сообщала об окончании работы, другая — о нехватке памяти, третья говорила об ошибке при выполнении инструкций. Возможность музицирования ученый решил оставить другим — тем, кто более ловко сможет программировать музыкальные паттерны. Нужно отметить, что, записывая первую компьютерную музыку, Алан Тьюринг и не подозревал, что тем самым он положил начало эре цифровой музыки, которая окружает нас сегодня. Эта новаторская для того времени работа не только подготовила почву для появления цифровых музыкальных инструментов, она еще и обеспечила зарождение новых музыкальных видов и жанров. Уникальную запись в восстановленном виде можно услышать здесь: Как известно, наука не стоит на месте, и в 1957 году два заокеанских ученых продолжили дело Кавалера Ордена Британской империи А. Тьюринга. Макс Мэтьюз, инженер американской лаборатории Bell Labs, попросил программиста Ньюмана Гутмана сочинить мелодию для воспроизведения на компьютере. Он сочиняет The Silver Scale, первую компьютерную музыку, реализованную в Bell Labs, и одно из самых ранних музыкальных произведений, написанных с помощью машины. Этот несложный трек длился всего 17 секунд. Разумеется, это произведение нельзя было назвать полноценным: запись больше напоминала пищание принтера. Но эта простенькая мелодия положила начало новому большому направлению в программировании: The Silver Scale В том же году два авангардных композитора, профессора Иллинойского университета (США) Леджарен Хиллер и Леонард Айзексон создали The Illiac Suite - первую партитуру, написанную компьютером. Она была названа в честь компьютера ILLIAC I, одной из первых ЭОМ, созданных в мире. Это ранний пример алгоритмической композиции, основанной на вероятностном моделировании (цепях Маркова). "Электрический мозг" просто сгенерировал статистическим методом ряд случайных чисел, которые соответствовали определенным музыкальным элементам. Последовательности чисел отвечали и за создание ведущей мелодии, ее ритма и динамики, и за генерирование вариаций для каждого из участников квартета. Сюита даже была исполнена музыкальным коллективом, однако такое нововведение вызвало праведный гнев в профессиональном сообществе. Музыкальные круги оставались по большей мере пуританскими и не принимали мысль, что творить может кто-то кроме человека. Один из посетителей первого "концерта" сравнил услышанное со звуками скотного двора. Illiac Suite "Сюита Иллиака" стала самым ранним опытом композиции, удовлетворительно звучащей для человеческого восприятия. В это же самое время, но на другом конце света, советский математик и программист Рудольф Зарипов (1929—1991) создал первый в СССР автомат-композитор. Он одним из первых в мире, еще на рубеже 50—60-х годов, начал исследовать проблему компьютерного моделирования художественного творчества, прежде всего музыкального. И занимался этим всю свою жизнь, будучи практически единственным серьезным специалистом по этой проблеме в Советском Союзе. Впервые об автоматизированном способе сочинения музыки он задумался еще во время учебы в музыкальном училище, но к созданию его приступил уже в аспирантуре, работая на ЭВМ "Урал". Машинное конструирование мелодий долго не шло на лад — Зарипов видел бесконечное многообразие мелодических оборотов, но никак не мог найти одну изящную формулу, всех их объединяющую. И только в 1959 году алгоритм наконец был написан, и машина "сочинила" три вальса и несколько маршей. Сам Р. Зарипов называл эти музыкальные произведения "Уральскими напевами" — в честь композитора, то есть машины. Про Зарипова есть один интересный момент. Когда он начал создавать компьютерную музыку, его страшно клеймили советские искусствоведы. Говорили, что в этой музыке нет человека, что машины не могут делать искусство. И тогда он на большом симпозиуме, где были и композиторы, и музыканты, и ученые, устроил слепое прослушивание: взял несколько произведений, написанных машиной, и несколько произведений современных советских композиторов. Не объявляя, человек это написал или машина, он ставил одно произведение за другим, а аудитория оценивала их по разным критериям. В итоге средняя оценка машинного искусства оказалась выше, чем оценка искусства человеческого. То есть людям больше понравилось то, что написала машина. В начале 1960-х годов французский архитектор и композитор греческого происхождения Яннис Ксенакис (1922—2001) начал использовать звучания, сгенерированные с помощью ЭВМ и специальных программ на языке Fortran. Он использовал компьютеры для создания своей стохастической (случайной) музыки и был первым человеком, использовавшим математический подход в музыке не в качестве инструмента, а в качестве принципа ее сочинения. По его словам, "с появлением электронных компьютеров композитор станет чем-то вроде пилота: ему останется нажимать кнопки, вводя координаты, и осуществлять контроль над путешествием корабля в пространстве музыки". В 1965 году на американское шоу I’ve Got a Secret, где звездное жюри угадывало секреты гостей, пришел семнадцатилетний Рэймонд Курцвейл, будущий изобретатель и футуролог. Он сыграл композицию на фортепиано — секрет был в том, что сочинил ее компьютер. В 1980-х годах музыкант и ИТ-исследователь Кемаль Эбчиоглу предложил в своей докторской диссертации алгоритмическую систему для гармонизации хоралов в стиле Баха: он создал программу CHORAL. Разумеется, выполняемое программой действие отличается от "написания" музыки: базовая мелодия заимствовалась из существующих хоралов Баха; затем было проведено сравнение результатов работы программы и творчества самого композитора. В программе использовались принципы "теории музыки" (например, правила голосоведения); Бах, вероятно, также принимал во внимание, как гармонизация отражает слова, или насколько легко можно исполнить партии. Тем не менее результаты были достаточно убедительными, во всяком случае, внешне – они не выглядели бессмысленными. По мере того как искусственный интеллект и машинное обучение становились все более изощренными, рос потенциал компьютерной музыки. Вскоре алгоритмы смогли анализировать принципы составления музыкальных произведений на основании реальных примеров. Действительный результат в плане написания музыки машиной появился в 1987 году в Университете Калифорнии благодаря усилиям профессора музыки Дэвида Коупа (род. в 1941). Его основная область исследований - искусственный интеллект и музыка; он пишет программы и алгоритмы, которые могут анализировать существующую музыку и создавать новые композиции в стиле исходной входящей музыки. Профессор разработал систему, которая научилась копировать стиль его и других композиторов, и создавать на его основе собственные произведения. Систему назвали EMI (Experiments in Musical Intelligence, или “Эмми”). Она произвела фурор в научном сообществе и, как обычно, негодование в музыкальном. Работа над программой была начата Коупом в 1980 году, когда один из его знакомых заказал ему оперу, когда находился в творческом кризисе. Программу удалось сделать только через семь лет. Первоначально EMI была разработана для анализа собственного музыкального стиля Коупа. Загружая в программу свои прошлые композиции, ученый надеялся найти уникальные фрагменты, которые делает только он, а потом воспроизвести их по-новому. Однако автор обнаружил, что программа может проанализировать музыкальные произведения любого композитора, чтобы выдать в результате новую пьесу, звучащую точно так же, как этот композитор написал бы ее сам. В 1997 году Коуп представил слушателям три композиции. Одна была написана Бахом, другая — EMI, третья — преподавателем музыкальной теории Стивом Ларсоном. Зрители должны были угадать, кому принадлежит каждое из этих произведений. Композицию, сочиненную Ларсоном, публика приняла за музыку искусственного интеллекта. Музыку EMI — за Баха. Фуга в стиле Баха, написанная EMI Таким образом появился еще один способ написания компьютерной музыки — с помощью грамматики. Проще говоря, ИИ пытался проанализировать систему строения музыки и создать по ней собственную мелодию. Благодаря идее "рекомбинаторики" Коупа появился искусственный интеллект, который мог анализировать существующие музыкальные отрывки и на их базе создавать собственные. Всего EMI написала более тысячи произведений на основе творчества 39 композиторов, которые представляли разные музыкальные стили. Коуп рассказал, что поначалу эта музыка вызывала у слушателей шок и даже страх от осознания того, что она была порождена машиной, но постепенно реакция стала более позитивной. С помощью этой программы Коуп написал цикл "Зодиак" - двенадцать коротких произведений для струнного оркестра в стиле А. Вивальди. Ниже можно послушать композицию "Телец". Видео также создается алгоритмически. Но Коуп не остановился на достигнутом. В 2003 году программа была усовершенствована и получила название Emily Howell. Хауэлл (Howell) — это имя отца Дэвида Коупа. Коуп использовал произведения, созданные EMI на основе работ других композиторов, и передавал их Emily, а та создавала свои собственные произведения. Это была наиболее известная попытка обучить компьютер творческой самостоятельности. Ученый предполагал, что любое творчество вдохновлено плагиатом, а великие композиторы впитывали музыкальные гармонии, которые были созданы ранее, и их мозг "перекомпоновал" мелодии и фразы характерными для них, узнаваемыми методами. Эти взгляды легли в основу его разработки. Одна из особенностей процесса создания музыкальной композиции программой — способность ее реагировать на отзывы пользователя о своих композициях, после чего она изменяет композиции в соответствии с решениями "да" или "нет". Это, конечно, влияет на ее композиции, а также ставит под сомнение оригинальность ее работы. Программа Emily Howell моделирует музыкальное творчество, основанное на типах творчества, описанных британской ученой, профессором когнитивной науки Маргарет Боден в ее книге "Творческий разум: мифы и механизмы" (1991). По мнению Коупа, одним из основных преимуществ композиции искусственного интеллекта является то, что он позволяет композиторам гораздо более эффективно экспериментировать. По его словам, у композиторов, живших до появления персональных компьютеров, были определенные практические возможности, которые ограничивали их, а именно то, что для превращения идеи в композицию могли потребоваться месяцы работы. Если произведение не соответствует обычному стилю композитора, возрастает риск того, что эта композиция может оказаться ужасной, потому что она не будет построена на тех приемах, которые использовались раньше и которые, как известно, обычно работают. "С помощью алгоритмов мы можем экспериментировать, создавая произведение за 15 минут, и мы можем сразу узнать, сработает оно или нет", - объясняет Коуп. В 90-е интерес к алгоритмизации процесса создания музыки добрался и до большой сцены. Одним из первых, кто начал думать в этом направлении, стал знаменитый британский рок-певец Дэвид Боуи. Совместно с Тайем Робертсом он разработал The Verbasizer – программу, в которую можно было загружать слова и фразы, а она переставляла их местами, создавая новые формы, то есть генерировала случайные предложения – они служили вдохновением для написания текстов. Певец называл эту технику "техникой нарезки". Результаты этой работы можно услышать на треках “Берлинской трилогии”. Боуи продолжил использовать ее и в будущем. Она помогла ему написать, к примеру, текст песни Outside... Д. Боуи. Outside Генеративная музыка: что это такое, и когда она появилась В 1995 году британский музыкант Брайан Ино (род. в 1948), один из основателей жанра эмбиент, придумал определение "генеративная музыка". Ино нравилась идея, что такая музыка предоставляет слушателю постоянно меняющееся произведение, но также избавляет от обязанности постоянно выпускать альбомы. Генеративная музыка строится на трех принципах: композиция генерируется на основе заранее созданных или запрограммированных правил здесь и сейчас, и при этом должна постоянно меняться; она не должна повторяться, или хотя бы повторяться так, чтобы слушатель этого не заметил; она должна длиться вечно, ну или длиться столько времени, чтобы наблюдатель просто перестал слушать и ушел. Настоящая генеративная музыка на данный момент выглядит так: это набор алгоритмов и сетей глубокого обучения, которые когда‑то получили большое количество коротких и связанных звуков в каком‑то жанре. Во время такого машинного обучения система на базе полученных представлений пыталась предположить, какой звук должен идти дальше. Если она угадывала, то между этими звуками формировалась связь. На основе этих связей между отдельными элементами мелодии система позже собирает свой трек. Брайан Ино познакомился с новой программой Koan, выпущенной компанией SSEYO, и заинтересовался не только радикальным на тот момент способом создания музыки без нот, при помощи одной только графики, но и теми возможностями, которые открывались перед композитором благодаря машинной алгоритмической генерации. Вдохновленный Ино провозгласил скорую революцию в музыке и выпустил в 1996 году альбом Generative Music 1, записанный с помощью программы Koan. Однажды Ино подсчитал, что потребуется почти 10 000 лет, чтобы услышать все возможные варианты отдельного произведения генеративной музыки. 6 мест, где можно послушать генеративную музыку сейчас: Endel. Holon. Generative.fm. Mubert. Ossia. Brain.fm. В настоящее время генеративная музыка почти никак не применяется в коммерческих проектах. Но перспективы огромные: от озвучивания общественных пространств (кафе, ресторанов, магазинов) и рекламных роликов до озвучивания объектов жилой недвижимости. Генеративная музыка в будущем может быть полезной, "функциональной" и служить каким-то определенным целям — личным или коммерческим, как музыкальный фон: для расслабления, снижения стресса; для фокуса внимания (офисы, рабочие пространства); для бодрости (спортивные центры); для развлечения (индустрия огромна); для вовлечения (фильмы, игры, ролики, любой медиа-контент); как возможность задуматься (арт-объекты). Да и для персонального прослушивания это подойдет. С течением времени нас будет вечно окружать музыка, которую написали специально для нас. Когда‑нибудь генеративный поток подключится к мозгу и через нейроинтерфейс научится менять музыку в зависимости от уровня дофамина и других нейромедиаторов. Также он, возможно, научится подбирать музыку под погоду, время суток, поведение, настроение и местоположение слушателя - создаст уникальный трек, которого больше ни у кого не будет.... На протяжении второй половины XX века родилось множество алгоритмов, создающих музыку. Самыми используемыми в последние несколько десятилетий подходами к решению задачи алгоритмической композиции можно назвать несколько техник – Л-система (или система Линденмайера), клеточные автоматы (дискретные модели), генетические алгоритмы, нейронные сети. В 1975 году американский ученый Джон Холланд (1929—2015) впервые предложил в Мичиганском университете так называемый генетический алгоритм (ГА). Генетический алгоритм — это эвристический алгоритм поиска, используемый для решения задач оптимизации и моделирования путем случайного подбора, комбинирования и вариации искомых параметров с использованием механизмов, аналогичных естественному отбору в природе. Целесообразность применения ГА для моделирования музыкального творчества обосновали профессор кафедры компьютерных наук Гонг–Конгского университета Эндрю Хорнер и профессор кафедры индустриальной инженерии Университета Иллинойса Дэвид Голдберг в 1991 году. Первыми успешными практическими исследованиями в области применения генетических алгоритмов в генеративной музыке можно считать изыскания ученого и музыканта Джона Байлса — профессора Рочестерского института технологий (Нью–Йорк, США). В 2012 году он использовал ГА для имитации джазовой импровизации в собственном ПО GenJam (Genetic Jammer — Генетический Джэммер). Алгоритм подстраивается под игру музыканта и становится полноценным музыкальным партнером. Данная программа читает заранее подготовленные с помощью программы Band–In–A–Box MIDI файлы, включающие партию аккордов пианино, баса, ритм–секции, и генерирует соло. Оценка происходит посредством человеческого восприятия. Посредством команд "g" или “b” ("good" or "bad") слушатель оценивает сгенерированные куски как удачные или нет. Новаторская сущность GJ заключается в двух особенностях — во–первых, GJ оперирует двумя популяциями — тактов и фраз, а также использует целую популяцию тактов и фраз для построения соло, а не один "лучший" отрывок. Аналогичный алгоритм GenBebop был разработан американскими учеными-когнитивистами Ли Спектором и Адамом Алперном для соло импровизаций в стиле американского джазового саксофониста Чарли Паркера. В 2010 году исследователями из Университета Малаги (Испания) был создан ИИ, ориентированный на музыку, под названием Iamus. Это была первая программа, создавшая симфоническую композицию в своем собственном стиле (вместо того чтобы подражать стилю существующих композиторов). Первый музыкальный фрагмент ее "сочинения" Opus One был написан 15 октября 2010 года, а ровно через год появилась первая полная композиция Hello World! Произведения Iamus были записаны Лондонским симфоническим оркестром и составили альбом Iamus, который британский журнал New Scientist отметил как первый полный альбом, созданный исключительно компьютером и записанный музыкантами-людьми. Музыканты исполняют композицию "Hello World", полностью сочиненную компьютером Iamus Iamus - это компьютерный кластер. Приведенный в действие технологией Melomics, модуль создания Iamus занимает 8 минут, чтобы создать полную композицию в различных музыкальных форматах, хотя собственное представление может быть получено всей системой менее чем за секунду. "До Iamus большинство попыток создания музыки было ориентировано на подражание предыдущим композиторам, предоставляя компьютеру набор партитур / MIDI-файлов", - говорит ведущий исследователь и основатель Melomics Франсиско Хавьер Вико. "Iamus был новинкой в ​​том, что он разработал свой собственный оригинальный стиль, создавая свои работы с нуля, не подражая никакому автору". Вико отмечает, что это стало настоящим шоком. Iamus поочередно провозглашали то ответом XXI века Моцарту, то создателем поверхностного, сухого материала, лишенного души. Однако многими это было воспринято как знак того, что компьютеры быстро догоняют людей в их способности писать музыку. Вы можете решить для себя, посмотрев, как Филармонический оркестр Малаги исполняет Adsum Ямуса: Adsum Исп. Филармонический оркестр Малаги Дирижер Хосе Луис Эстельес Вскоре после этого был создан Melomics109, написавший альбом 0music. Композиции, написанные компьютерами, не обязательно нуждаются в редактировании людьми. Некоторые из них, например, те, что находятся в альбоме 0music, подходят для самостоятельной работы: 0music 11 Те, кто пишет музыку, говорят, что нет причин опасаться такого прогресса со стороны машин. Музыка, созданная искусственным интеллектом, не оставит без работы профессиональных композиторов, авторов песен или музыкантов. Профессор Коуп просто излагает ситуацию. "У нас есть композиторы, которые являются людьми, и у нас есть композиторы, которые не являются людьми", - объясняет он, отмечая, что есть человеческий элемент в нечеловеческих композиторах - данные, которые обрабатываются, чтобы сделать композицию возможной, выбираются людьми, и, помимо глубокого обучения, алгоритмы также написаны людьми. Коуп считает опасения вычислительной креативности необоснованными, поскольку они опровергают высокомерие человечества. "Мы могли бы делать удивительные вещи, если бы просто немного отказались от нашего эго и попытались бы не противопоставлять себя нашим собственным творениям - нашим собственным компьютерам, - а принять нас двоих вместе и тем или иным образом продолжать расти", - отмечает он. И это действительно так. Например, в мире видеоигр музыка, генерируемая компьютером в реальном времени, является благом, потому что ее адаптируемость соответствует непредсказуемому характеру игры. Многие игры динамически изменяют последовательность звуковых дорожек или регулируют темп и добавляют или удаляют слои инструментов, когда игроки сталкиваются с врагами или перемещаются в разные части истории или окружающей среды. Некоторые из них, в том числе, в первую очередь, Spore от SimCity и разработчик The Sims Maxis, используют алгоритмические музыкальные техники для организации приключений игроков. Композитор Дэниел Браун пошел еще дальше с этой идеей в 2012 году, создав Mezzo AI, который создает саундтреки в реальном времени в неоромантическом стиле на основе того, что персонажи в игре делают и переживают. Другие программные приложения также могут извлечь выгоду из такого подхода. Появляются новые приложения, такие как сервис потоковой передачи музыки @life от Melomics, которые могут создавать персонализированную музыку настроения на лету. Они учатся на нашем поведении, реагируют на наше местоположение или физиологическое состояние. Такой себе непрерывный пожизненный плейлист, который автоматически адаптируется к индивидуальным музыкальным потребностям. Выбрав сценарий, пользователь указывает, в какой ситуации он находится (например, за рулем автомобиля, бежит трусцой или помогает своему ребенку заснуть), смартфон будет отслеживать активность своего хозяина и, соответственно, воспроизводить музыку. Музыка, настроенная на конкретную ситуацию, может уменьшить боль или вероятность ее ощущения, отвлекая пациентов. В настоящее время проходят тестирование приложения, которые используют музыку, созданную на компьютере, чтобы помочь при расстройствах сна и тревоге. Над алгоритмами создания музыки при помощи искусственного интеллекта работают как гиганты технологической индустрии, так и относительно мелкие стартапы. Все они преследуют разные цели и задействуют разные методики, но конечный результат хотят получить один – музыку, которая будет генерироваться без помощи человека. Весной 2016 года поисковый гигант Google анонсировал проект Magenta, в рамках которого компания попыталась развить креативные возможности машин в сфере музыки и визуального искусства. В основу проекта легли богатые наработки подразделения Google Brain team, которое занимается вопросами машинного интеллекта. Команда продемонстрировала первые простейшие мелодии, сгенерированные ИИ. Это проект с открытым исходным кодом, посредством которого программисты и разработчики ПО могут создавать свои собственные уникальные продукты. Одним из таких продуктов является предиктор нот – устройство, модулирующее звуковые ряды, то есть способное сочинять музыку. Получив несколько нот от человека в качестве входящих данных, алгоритм экстраполирует их, опираясь на базу музыкальных файлов в своей памяти. Первый проект, который был выпущен Magenta, — это достаточно простая мелодия, основанная на первых четырех нотах детской песни “Twinkle Twinkle Little Star”. Работа была выполнена исследователем Google Элиотом Уайтом. Созданная компьютером мелодия начинается простыми нотами, сочиненными на электронном пианино. Но вскоре она становится все более сложной и утонченной. Песня даже содержит несколько действительно хороших музыкальных фраз (ударные были добавлены позже, человеком): Twinkle Twinkle Little Star Компьютеры VS Бах Математики давно пытаются разобраться в логической структуре музыки великого немца. В качестве эксперимента Гаетан Хаджерес и Франсуа Паше, инженеры парижского филиала Sony Computer Science Laboratories, научили нейросеть стилизовать сочиненные хоралы под Баха. Система была создана на базе программной библиотеки TensorFlow (Google) и получила название DeepBach. Эта модель, основанная на методе LSTM (нейронная сеть с долгой краткосрочной памятью), далеко не первая, но самая успешная попытка научить машины создавать полифоническую музыку в стиле Позднего Средневековья и барокко. Задачей искусственного интеллекта в данном случае было не создание уникального произведения, а предсказание, как мог бы его написать Бах. Для машинной композиции это, конечно же, очень непростая задача: для этого нужно скомбинировать четыре гармонических линии с характерным ритмическим и мелодическим рисунком, который начинается, развивается и заканчивается в определенном ключе. Для обучающей выборки инженеры взяли 389 хоралов Баха. Каждый хорал примерно минутной длительности, написан для четырех голосов (сопрано, альт, тенор и бас) на базе общих композиционных принципов: композитор использует хорошо известную для своего времени мелодию лютеранского гимна и гармонизирует ее, то есть пишет три нижних голоса (альт, тенор и бас), в то время как линия сопрано исполняет основную мелодию гимна. Всего в программе DeepBach четыре нейронных сети — две строят "прогнозы" на базе предыдущих и будущих нот соответственно, одна делает предсказание в зависимости от нот, которые звучат одновременно с предсказываемой, и еще одна сеть суммирует идеи предыдущих. Инженеры отмечают быстродействие алгоритма — новые образцы можно получать за считанные секунды. Чтобы проверить, насколько эффективно работает модель, исследователи провели опрос 1600 человек, среди которых были 400 профессиональных музыкантов. Им прокрутили отрывки, созданные нейросетью, а также оригинальные хоралы Баха. Около половины респондентов приняли результат работы алгоритмов за настоящую музыку великого композитора. Попытки алгоритмической стилизации Баха предпринимались и раньше: первая подобная работа 1988 года описывала алгоритм сочинения музыки на базе экспертных правил звучания "в стиле Баха", который включал порядка 300 ограничений, в сумме обеспечивающих "бахоподобное" звучание. Алгоритм требовал исключительного знания особенностей композиции, а результаты в целом не были похожи на музыку Баха, за исключением некоторых каденций и мелодических рисунков. Новые опыты по автоматической композиции на основе нейронных сетей были проведены в 1992 году: в работе использовалось несколько нейронных сетей, каждая была нацелена на решение отдельной задачи: составление общего гармонического скелета, детализация и финальная аранжировка. Наконец, агностический подход, не требующий экспертных правил, был применен в 2012 году: работа основана на использовании рекуррентных нейронных сетей (форма обучения ИИ, которая позволяет программе предсказывать входящие последовательности данных на основе уже обработанных); и самый свежий пример 2016 года — Bachbot на базе LSTM — показал хорошие результаты, однако, позволял сочинение в одном музыкальном ключе и не давал возможностей пользователю задать ритм или начальные ноты: В дальнейшем инженеры планируют разработать графический редактор поверх созданного алгоритма для интерактивного использования машины DeepBach. Они отмечают, что их метод применим не только к хоралам Баха, но и любой другой полифонической хоральной музыке от Палестрины до американского вокального секстета Take 6: DeepBach. Гармонизация в стиле Баха Одной из наиболее убедительных попыток компьютерного музыкального творчества стал алгоритм Continuator, разработанный уже упомянутым французским ученым и композитором Франсуа Паше в Sony Computer Science Laboratory. Это система интерактивной музыкальной импровизации в реальном времени. В ее основе — цепь Маркова. Это принцип, по которому состояние текущего фрагмента зависит от предыдущего. Данный алгоритм может продолжать сочинять музыкальное произведение с того места, где остановился живой композитор. В тесте Тьюринга, в котором Continuator джемил с профессиональным пианистом, большинство слушателей не смогли угадать искусственное происхождение его мелодий: Continuator джемит с профессиональным пианистом для теста Тьюринга Для справки: что такое музыкальный тест Тьюринга Как понять, что музыкальное произведение, созданное машиной, действительно достойно нашего внимания? Для проверки работы систем искусственного интеллекта в 1950 году А. Тьюринг предложил идею эмпирического теста. Принцип его заключается в том, что человек взаимодействует с компьютерной программой и с другим человеком. Мы задаем вопросы программе и человеку и пытаемся определить, с кем же мы разговариваем. Тест считается пройден программой, если по его итогу человек не осознает, что коммуницировал с машиной. Кстати, таким же образом был протестирован и описанный выше алгоритм DeepBach. Продолжая тему, упомянем британский стартап Jukedeck, который также разработал искусственный интеллект, пишущий музыку с помощью нейронных сетей. Основатель стартапа Эд Ньютон-Рекс по образованию композитор. Он работал над проектом Jukedeck с 2014 года — со временем его команда выросла до 20 человек и смогла привлечь $3,1 миллиона инвестиций. Один из сервисов компании позволяет интерпретировать видео и автоматически создавать под него музыку практически в любом стиле. Еще один метод, которым пользовались для создания музыки с помощью ИИ, это эволюционные алгоритмы. Именно их использует проект британских ученых DarwinTunes. Согласно его основному принципу, любой желающий может прослушать различные отрывки музыки и выбрать из них те, что понравились больше всего. Прошедшие такой "естественный отбор" фрагменты эволюционируют, то есть воспроизводятся в новых вариациях. С помощью этих методов действительно можно сочинять неплохую музыку, однако у них всегда есть ограничения. Либо они слишком зависят от теории музыки, либо все сводится к индивидуальным предпочтениям человека, который отбирает лучшие образцы... Другой рекордсмен в области машинной музыки — созданная в Люксембурге в феврале 2016 года AIVA — специализируется на сочинении симфонической музыки для кино. Кстати, AIVA считается первым в мире виртуальным артистом, которого удалось зарегистрировать как композитора. Следовательно, все плоды труда этого ИИ защищены авторским правом. Глава проекта Пьер Баррю рассказал, что в основе работы AIVA поистине гигантская база классической музыки, которая переведена в формат MIDI и загружена. Он назвал главным умением "электронного композитора" создавать собственные паттерны. Кроме того, AIVA умеет "предсказывать", каким будет развитие музыкальной темы в случайно выбранном паттерне. Также ИИ умеет с вероятностью 100% находить у самого себя плагиат и удалять его. В 2018 году данная нейросеть за 72 часа завершила пьесу чешского композитора Антонина Дворжака "Из мира будущего", которая оставалась неоконченной 115 лет: В 2016 году лаборатория компьютерных наук Sony представила первую полноценную песню Daddy’s Car в рамках проекта Flow Machines. Для написания песни программа искусственного интеллекта FlowComposer предложила варианты мелодий и текст, которые она сгенерировала на основе оригинальных произведений The Beatles, но дальнейшая аранжировка была выполнена человеком. Получились убедительные шестидесятые, без намека на постиронию: Daddy’s Car Со времен первых исследований Дэвида Коупа наука сделала широкий шаг вперед. Новые компьютерные алгоритмы, которые в какой-то степени отображают алгоритмы деятельности нейронов в человеческом мозге, позволили машинам запоминать информацию и учиться. Искусственный интеллект научился обрабатывать неструктурированные данные и частично понимать даже достаточно сложную музыку. Исследователи Королевского Технического Института в Стокгольме и Кингстонского университета в Лондоне разработали так называемую "фолк-машину", которая за 14 часов выдала более 100 тысяч новых вариаций фолк-музыки. Таким количеством "произведений" не может похвастаться даже самый плодовитый композитор всех времен и народов – немец Георг Телеман, в арсенале которого более трех тысяч разнообразных композиций. Специалисты использовали традиционный метод распознавания информации, известный как уже упомянутая РНС – рекуррентная нейронная сеть. Для "тренировки" программы исследователи загрузили в нее 25 тысяч традиционных кельтских и английских песен. Компьютер создавал произведения не с помощью запрограммированных правил - он использовал предоставленные ему шаблоны, видоизменял их и совмещал таким образом, чтобы конечный результат соответствовал характеристикам оригинальных произведений. Современные ученые считают, что в будущем целые ансамбли роботов смогут исполнять сочиненные ими произведения. Возможно, это будущее куда ближе, чем нам кажется. Говорить человеческим голосом компьютеры научились еще несколько лет назад, а вот с пением было сложнее, так как генерировать реалистичный человеческий голос - задача не из простых. Не так много примеров, которые бы показали удачные результаты. В 2016 году лондонская команда дочерней компании Google DeepMind решила развивать подобный концепт в рамках нового проекта WaveNet. WaveNet - это глубокая нейронная сеть для генерации необработанного звука. Специалисты создали ряд аудио моделей, на основе которых ИИ сможет подражать человеческому голосу. Таким образом, ИИ сможет не просто сочинять музыку, но и исполнять собственные произведения. Результат впечатляет. Прослушать то, что получилось, можно здесь. В апреле 2020 года в ByteDance AI Lab (лаборатории китайской компании, создавшей знаменитый TikTok) создали алгоритм ByteSing. Эта система на основе нейросетевых автокодировщиков позволяет генерировать очень реалистичное пение на китайском языке. Изобретатели также работают над созданием машин, способных генерировать полноценные осмысленные тексты. В 2015 году финскими учеными был разработан Deepbeat – алгоритм машинного обучения, который генерирует рэп-тексты на основе уже существующих песен в этом жанре. Исследователи из Антверпенского университета и Амстердамского Института загрузили в программу Deepbeat коллекцию рэп и хип-хоп композиций, а алгоритм по обработке языка выдал им готовую песню. Текст этого "произведения" хоть и был богат на всевозможные ругательства, но выглядел вполне реалистично. Настолько реалистично, что ученые разработали онлайн игру, в которой участники должны выбрать, какие из предложенных текстов действительно существуют, а какие были сгенерированы программой... С появлением современных компьютеров и технологий к процессу создания систем написания музыки стало подключаться все большее количество людей и компаний. Например, Тарин Саузерн, американская певица, художница, писательница, режиссер и автор песен, в 2017 году выпустила альбом, написанный ИИ. В официальном анонсе было указано, что весь альбом I AM AI ("Я – искусственный интеллект") создается в соавторстве с неизвестным публике музыкантом Amper. Однако не вызывающий на первый взгляд никаких подозрений творческий дуэт оказался вовсе не тем, что можно было ожидать. В качестве инструмента американка выбрала стартап Amper Music. Это программа, которая при помощи внутренних алгоритмов способна выдавать наборы мелодий в соответствии с заданным жанром и настроением. Инструментарий был составлен с использованием искусственного интеллекта, тексты песен и вокальные мелодии написала Тарин. Проект Ампер – первый в истории искусственный интеллект, выпустивший собственный музыкальный альбом. В чем его уникальность? ИИ, генерирующие музыку, существовали и до него, однако ранние модели работали по определенному алгоритму, и итоговый продукт требовал серьезной переделки человеком, вплоть до изменения аккордов и целых частей мелодии, прежде чем мог считаться полноценным музыкальным произведением. Ампер же не нуждается в помощи, когда создает собственные треки, – он самостоятельно подбирает необходимые звуки и выстраивает структуры аккордов. Обрабатывающему полученную в итоге мелодию человеку остается только подкорректировать ритм и стилистику – все остальное Ампер делает сам всего за несколько секунд: Тарин Саузерн. Break Free На другой стороне музыкального спектра группа Dadabots в лице музыкантов и программистов из Бостона Си Джея Карра и Зака Зуковски использует ИИ, чтобы создавать новые композиции в стиле Technical Death Metal (экстремальный поджанр метала). Этот самообучающийся искусственный интеллект работает на основе уже знакомого нам метода: анализируя существующие записи композиций, он генерирует новые гибридные комбинации, а Си Джей и Зак сочетают полученные звуки на свой вкус. То есть DADABOTS с помощью системы предсказаний учится писать музыку. В 2017 году Зуковски и Карр опубликовали статью о генерации тяжелой музыки нейросетью. За основу была взята нейронная сеть GPT-2, которую используют для генерации связных текстов. GPT-2 обучили на 40 Гб постов с социальной сети Reddit, а затем провели настройку на треках Cannibal Corpse - американской группы, песни которой посвящены в основном насилию, смерти, перверсиям, людоедству и зомби, и которая считается эталоном брутального дэт-метала. В результате им удалось сымитировать музыку этой группы. По словам создателей нейросети, сначала она постоянно пела о политике. "Нам пришлось все это немного отфильтровать. Теперь нейросеть просто убивает людей", - полушутя говорит один из создателей Карр. Ранние эксперименты включали множество других жанров, прежде чем дуэт открыл для себя метал и панк-музыку, которые, как оказалось, лучше всего даются искусственному интеллекту: "Мы заметили, что электронная и хип-хоп музыка поддаются нейронной сети для обучения не так же хорошо, как органические и электроакустические композиции", — пишут музыканты в своей последней статье. "Музыкальные жанры, такие как метал и панк, кажется, работают намного лучше, возможно, потому, что странные артефакты нейронного синтеза (шум, хаос, гротескные мутации голоса) эстетически соответствуют этим стилям. Кроме того, их быстрый темп и применение свободных техник исполнения хорошо согласуются с ритмическими искажениями SampleRNN (инструмент для обучения нейронных сетей генерации звука)". На данный момент нейронная сеть уже выпустила несколько альбомов, вдохновленных такими музыкальными группами, как Dillinger Escape Plan, Meshuggah и NOFX. Также, помимо создания музыки, были созданы алгоритмы для генерации оформления обложки альбомов и названий треков. Новый интересный проект Dadabots - это прямая трансляция на YouTube под названием "Relentless Doppleganger". С дэт-металом выходные данные были настолько хороши, что музыканты запустили прямой эфир, который бесконечно воспроизводит все, что генерирует нейронная сеть, в режиме реального времени. Результатом является душераздирающе интенсивный поток непрерывного дэт-метала. Подобные технологии находятся только на ранней стадии развития, но Карр и Зуковски уверены, что следующие поколения программ ИИ будут гораздо проще в применении, а их работа будет больше соответствовать пожеланиям слушателей. Музыканты хотят и дальше развивать свой проект. В будущем команда планирует сделать Dadabots интерактивной системой, но как именно это будет работать, пока не сообщается... В 2017 году российская компания "Яндекс" представила нейросеть, пишущую музыку в стиле композитора Александра Скрябина. Авторы нейросети - сотрудники Яндекса Алексей Тихонов и Иван Ямщиков. На конференции YaC-2017 увертюру нейросети исполнил камерный ансамбль струнных и терменвокса... Такое тесное сотрудничество людей и машин в скором будущем сотрет границы между авторами и потребителями продукта. Человечество уже находится на пороге эры гипер-персонализации, когда клиенты ожидают от услуг полного соответствия их предпочтениям. Алгоритмы, которые производят творческую работу, имеют значительную выгоду с точки зрения времени, энергии и денег, поскольку они сокращают потраченные впустую усилия на неудачные идеи. Например, условно-бесплатное приложение для Windows Easy Music Composer - один из десятков доступных сейчас инструментов, которые могут помочь композиторам, создавая частичные или полные композиции из заданных переменных. Такие инструменты, как Liquid Notes, Quartet Generator, Easy Music Composer и Maestro Genesis, берут на себя рутинную часть работы композиторов, выступая ценными помощниками. Они освобождают композиторов и генерируют музыкальный эквивалент предложений и абзацев с непревзойденной легкостью, их преимущество в том, что они выполняют сложную часть перевода абстрактной идеи или намерения в ноты, мелодии и гармонии. В 2019 году в сети появился сайт с музыкой, которую пишет искусственный интеллект. Пользователь Reddit представил онлайн-библиотеку Evoke Music, где собрана большая коллекция музыки, которую написала нейросеть Amadeus Code. Ее можно бесплатно качать и использовать как угодно. Пользователь может выбирать жанр, настроение, музыкальный инструмент или другие ключевые слова, по которым и осуществляется поиск треков. В том же году американский концерн Warner Music заключил первый в истории контракт с исполнителем — алгоритмом Endel. По условиям контракта, нейросеть Endel должна выпустить 20 уникальных альбомов с генеративной музыкой, которая поможет сосредоточиться, расслабиться или уснуть. Apple Music, Deezer и Spotify уже используют технологии ИИ, чтобы предлагать слушателям новую музыку, которая бы им наверняка понравилась. Разработчики Google Play пошли еще дальше: приложение анализирует информацию вроде местоположения пользователя, его увлечений и даже погоды, чтобы в нужный момент предложить подходящую песню. Некоторые устройства, например, смарт-колонка Echo от Amazon оснащена функцией DeepMusic, которая позволяет пользователям генерировать собственные треки и сразу же проигрывать их. От рока до хип-хопа: искусственный интеллект OpenAI научился создавать музыку с вокалом В 2020 году американская исследовательская компания OpenAI, одним из основателей которой является предприниматель Илон Маск, представила Jukebox — искусственный интеллект, сочиняющий музыку в различных жанрах с осмысленными текстами и вокалом. Она может сгенерировать даже элементарный голос, а также различные музыкальные инструменты. Система Jukebox обучалась на основе множества отрывков из песен самых разных жанров, от классического рока до хип-хопа. Подобно тому, как другие нейронные сети способны имитировать стили рисования знаменитых художников, новый проект OpenAI может создавать музыкальные композиции как у исполнителей, на треках которых он обучался. "Мы представляем Jukebox, нейронную сеть, которая генерирует музыку, в том числе примитивное пение, в виде необработанного звука в различных жанрах и стилях исполнителей... Мы показываем, что наши модели искусственного интеллекта могут создавать песни на основе самых разных музыкальных жанров, таких как рок, хип-хоп и джаз. Они могут создать мелодию, ритм и тембры для самых разных инструментов, а также стили и голоса певцов, которые будут звучать вместе с музыкой", — объяснили представители OpenAI. Основная идея состоит в том, что они берут необработанный звук и кодируют его с помощью сверточных нейронных сетей (CNN). Представьте это, как способ сжать большое количество переменных до меньшего. Такая мера необходима, поскольку в звуке 44 100 переменных только в одной секунде, а в песне их много. Затем они производят процесс генерации этого уменьшенного набора переменных и распаковывают обратно до 44 100. Компания обучает искусственный интеллект сочинению музыки далеко не первый год. Ранее она уже демонстрировала возможности системы Musenet, которая самостоятельно сочиняла полноценные MIDI-композиции. Но искусственный интеллект, способный создавать песни разных жанров с вокальными партиями, это для нее нечто новое. Разработчики опубликовали результаты работы Jukebox на специальном сайте. В этом же году разработчики приложения Endel, генерирующего музыку, которая подстраивается под окружающую среду, выпустили коллаборацию с канадской певицей Grimes — бесконечную колыбельную, основанную на ИИ. Певица предложила стартапу сотрудничество, когда искала альтернативу белому шуму для ее с Илоном Маском сына. Для приложения Граймс написала музыкальную основу, которую ИИ разбирает на части и на ходу составляет из них бесконечный музыкальный поток. Эта колыбельная, как и основная мелодия Endel, будет меняться в зависимости от времени суток, погоды за окном слушателя, его занятий и даже пульса: Евровидение для нейросетей В 2020 году в Нидерландах прошло "Евровидение" для нейросетей. Все дело в том, что голландцы, экспериментируя с написанием песен при помощи искусственного интеллекта, непреднамеренно создали новый музыкальный жанр: Eurovision Technofear. И было принято решение провести полноценный конкурс песен, написанных с помощью ИИ. Так появился Artificial Intelligence Song Contest, неофициальный аналог "Евровидения". В конкурсе участвовали 13 команд из Австралии, Швеции, Бельгии, Великобритании, Франции, Германии, Швейцарии и Нидерландов. Они должны были обучить нейронные сети на существующей музыке и текстах, чтобы те смогли полностью сгенерировать новые произведения. Оценивали творчество команд слушатели и эксперты по машинному обучению. Первое место отдали песне, созданной на основе звуков коал, кукабар и тасманских дьяволов. В песне говорится о пожарах в Австралии. Но, как это часто бывает, всеобщее внимание приковал к себе не победитель, а исполнитель, занявший третье место. Команда голландских ученых Can AI Kick It представила песню Abbus, буквально пронизанную анархистскими, революционными идеями, чем вызвала гораздо больший резонанс: Abbus Участники команды хотели создать песню с глубоким смыслом, отражающую национальные мотивы, но в то же время хорошо воспринимаемую слушателями из разных стран. Для этого они загрузили в облако: 250 наиболее известных произведений Евровидения. Среди них "Ватерлоо" Аббы (победитель Швеции в 1974 году) и "Эйфория" Лорин (2012, также Швеция); 5000 поп-песен разного времени; Народный фольклор, включая государственный гимн Королевства Нидерланды от 1833 года (взяли из базы Meertens Liederenbank); Базу данных с текстами с платформы Reddit (для "обогащения" языка). Трек описывают как "дуэт" между ИИ и артистом Вилли Вартаалом, текст трека был в значительной степени написан машиной и заканчивается противоречивой строкой: "мы хотим революции, убьем правительство, убьем систему!": Посмотри на меня, революция, Это будет хорошо. Это будет хорошо, хорошо, хорошо, Мы хотим революции! Сказать, что голландская команда была удивлена результатом — это значит слукавить. Они были ошарашены и стали искать причину революционного настроя искусственного интеллекта. Ответ нашелся быстро... Как и в случае со знаменитым чат-ботом Tay от Microsoft, который начал генерировать расистские и сексистские мысли после обучения в Твиттере, да и вообще быстро пошел вразнос, после чего был отключен (запущенный 23 марта 2016 года, за сутки он фактически возненавидел человечество), проблема заключалась в человеческих источниках данных, а не в алгоритмах ИИ. Реддиторы – весьма своеобразная публика, свободно обсуждающая на форуме самые разные вопросы. И не всегда обсуждения эти миролюбивые и объективные. Поэтому да, обучение на базе Reddit значительно обогатило язык машины. Но заодно подарило некоторые особенности дискуссий на этой онлайн-платформе. Как результат – песня с анархистским уклоном, в чем-то похожая по смыслу с "Хочу перемен" группы "Кино". Несмотря ни на что, команда все же решила использовать именно эту песню для участия в конкурсе. Хотя бы для того, чтобы показать опасности применения ИИ даже в относительно безвредной попсовой среде. Конкурс оказался настолько интересным, что создатели решили проводить его на регулярной основе. В 2021 году регламенты проведения мероприятия уже не ограничивались рамками "Евровидения" – песни можно было писать в любых жанрах и стилях. В этом году конкурс собрал уже 83 команды, а победила песня Listen To Your Body ("Слушай свое тело") американского коллектива M.O.G.I.I.7.E.D... Группа энтузиастов из Израиля также решила проверить, способен ли компьютер написать песню, которая достойна выиграть Евровидение? Команда проекта загрузила сотни песен Евровидения — мелодии и тексты — в нейронную сеть. Алгоритмы выдали множество новых мелодий и рифмованных строк. Наиболее интересные из них были "сведены" в песню под названием Blue Jeans & Bloody Tears ("Голубые джинсы и кровавые слезы"). Голоса в треке принадлежат компьютеру и первому победителю Евровидения от Израиля — Изхару Коэну (1978). Эта песня, по мнению участников проекта, полностью отражает дух Евровидения, поскольку в ней есть элементы китча, юмора и драмы: Blue Jeans & Bloody Tears Юристы тоже в теме Пока в Европе наслаждаются созданием музыки, в США уже думают, кому должны принадлежать авторские права на творчество. После того как один программист выложил в сеть несколько произведений, в которых использовался голос американского рэпера Jay Z, его представители отправили сразу несколько жалоб, требуя немедленно удалить эти произведения с YouTube. В том числе и зарифмованный текст Шекспира. Суть претензий в том, что "этот контент незаконно использует ИИ для олицетворения голоса нашего клиента". С другой стороны, творчество Шекспира – народное достояние. И удалять его из-за проблем с авторскими правами как-то странно: Возникают вопросы о том, что именно здесь нарушается, если синтезированный на базе знаменитости голос просто начитывает оригинальный контент. Заметим, что после первоначального удаления видео YouTube восстановил их. Именно по причине недостаточно убедительных аргументов со стороны правообладателей о нарушении прав... Искусственный интеллект создает музыку буквально с неба Microsoft и неординарная исландская певица и продюсер Бьорк научили искусственный интеллект реагировать на изменения погоды и создавать на этой основе музыку. В начале января 2020 года в вестибюле нью-йоркской гостиницы Sisters City состоялась презентация необычной музыкальной инсталляции с использованием искусственного интеллекта от Microsoft. Проект получил название "Kórsafn", что на исландском языке означает "хоровой архив". Это нескончаемый, живой и динамичный звуковой пейзаж из хоровых композиций. Его изюминка состоит в том, что для получения неповторимой музыкальной композиции искусственный интеллект в реальном времени получает детальные изображения внешнего мира вокруг отеля. Для этого на крыше Sisters City были расположены видеокамеры. ИИ распознает разные типы облаков и их плотность, наличие в кадре птиц или самолетов, разные атмосферные явления, восход и закат, и превращает это в музыку. Известно, что для генерации новых аранжировок были использованы вокальные произведения из музыкального наследия Бьорк за последние 17 лет. Кроме голоса самой певицы, инсталляция содержит записи исландского хора Hamrahlid Choir. Ранее он вместе с Бьорк участвовал в экспериментальном театральном шоу "Cornucopia". Microsoft позволил системе совершенствоваться в процессе реализации проекта, таким образом постоянно усложняя мелодию. К примеру, он может по-разному реагировать на гром и молнию, анализировать интенсивность дождя и самостоятельно изучать разные погодные явления для постоянной генерации новых хоровых сплетений. Результатом стал магический ряд музыкальных вариаций, создающих незабываемое настроение для посетителей и жителей нью-йоркской гостиницы: Kórsafn Система генерирует слова песни по музыке в реальном времени В 2021 году исследователи из канадского Университета Ватерлоо разработали LyricJam, вычислительную систему, которая генерирует тексты для музыки в реальном времени. Эта система поможет артистам сочинять новые тексты, хорошо сочетающиеся с музыкой, которую они создают. Ольга Вечтомова, автор исследования, и ее коллеги уже несколько лет разрабатывают генераторы текстов. Ранее они создали технологию, которая изучает определенные особенности лирического стиля артиста, анализируя аудиозаписи песен и тексты, и использует собранную информацию для создания лирики, соответствующей стилю конкретного исполнителя. Совсем недавно исследователи начали разрабатывать генератор текстов для заранее записанных музыкальных отрывков. В своей новой работе они попытались сделать шаг вперед, создав систему, которая может генерировать подходящие тексты для музыки, исполняемой вживую. Система работает, преобразуя аудио в спектрограммы, после чего модель глубокого обучения генерирует тексты, соответствующие музыке. Архитектура модели состоит из двух автокодировщиков, один из которых предназначен для изучения музыки, а другой — для изучения текстов. Они помогают системе определить, какие типы текстов подходят для конкретной музыки. Основная характеристика, которая отличает LyricJam от других генераторов текстов, заключается в том, что он может создавать лирику в реальном времени, пока исполнитель играет живую музыку. Система генерирует тексты, "отражающие настроение и эмоции, которые передаются через различные аспекты музыки, такие как аккорды, инструменты, темп", поясняет Вечтомова. Затем артисты смогут просматривать сгенерированные тексты и черпать из них вдохновение или адаптировать их, находя новые темы и лирические идеи, которые они раньше не рассматривали. Демонстрация работы LyricJam Искусственный интеллект сочиняет музыку Бетховена Машину научили думать как Бетховен, и она завершила незаконченное произведение гениального немецкого композитора. После того как компьютеры завершили незаконченные сочинения Густава Малера, Антонина Дворжака и Франца Шуберта, настала очередь Десятой симфонии Людвига ван Бетховена. Мировая премьера произведения, сохранившегося лишь в отдельных набросках и реконструированного с помощью искусственного интеллекта, состоялась спустя почти 195 лет после смерти Бетховена в Бонне, городе, где он родился в 1770 году. Бетховен не успел закончить Десятую симфонию до своей смерти в Вене и оставил лишь несколько коротких набросков и заметок в своих черновиках. На их основе группа экспертов, в которую входили музыковеды и программисты, разработали программу c использованием технологии искусственного интеллекта, чтобы заполнить пробелы в имеющемся фрагментарном музыкальном материале и сделать его доступным для исполнения. "Надо полагать, что Бетховен делал заметки в тот момент, когда у него появлялись новые идеи. Иногда он их записывал словами, а иногда нотами", - говорит Маттиас Рёдер, директор Института Караяна в Зальцбурге и руководитель международного проекта по реконструкции Десятой симфонии с применением искусственного интеллекта. Отталкиваясь от этого фрагментарного материала, машина и эксперты вместе думали, как бы Бетховен продолжил уже записанные им такты музыки. Машина, которую научили сочинять как Бетховен, вложив в ее "интеллект" другие произведения композитора и музыку его современников, делала предложения. Эксперты рассматривали варианты возможного дальнейшего звучания фрагментов, выбирали наиболее оптимальный и закладывали его обратно в систему. На концерте в Бонне 9 октября 2021 года была представлена лучшая реконструированная версия предполагаемой незавершенной симфонии № 10 ми-бемоль мажор в исполнении боннского городского Бетховенского оркестра под управлением дирижера Дирка Кафтана. Гости музыкального вечера встретили музыку продолжительными восторженными аплодисментами. Эксперты проекта, между тем, подчеркивают, что они никоим образом не пытались посеять сомнения в уникальности музыкального гения Бетховена. Реконструкция Десятой симфонии с помощью технологии искусственного интеллекта была в первую очередь экспериментом, призванным показать возможности творческого сотрудничества человека и компьютера. Дирижер Д. Кафтан самолично погасил ожидания, заявив: "Если в двух словах, то это не Бетховен". Тем не менее, эксперты и компьютеры создали произведение, которое вполне могло бы по своему звучанию родиться под пером самого великого композитора. "Да, компьютер использует алгоритмы. Но и человек тоже опирается на свой жизненный опыт и приобретенные знания и навыки. Машина и человек не так уж и далеки друг от друга", - отмечает американский музыковед Роберт Левин. Как показал этот эксперимент, они прекрасно дополняют друг друга. Потенциал технологии огромен, а "спектр ее возможностей экспоненциально расширяем". Не осталась в стороне и популярная музыка. В 2021 году для печально известного проекта "Утерянные записи Клуба 27" (Lost Tapes Of The 27 Club) нейросеть написала ряд песен в стиле Джими Хендрикса, Курта Кобейна, Эми Вайнхауc, Джима Моррисона и других звезд, покинувших мир в молодости. Феномен Клуба 27 стал одним из самых трагических и мистических совпадений в истории музыки и получил широкую известность после смерти легендарного основателя группы Nirvana Курта Кобейна в 1994 году. Канадская психиатрическая организация Over The Bridge подготовила эту музыкальную подборку для своего проекта, привлекающего внимание общества к теме психического здоровья и употребления наркотиков, чтобы показать, как из-за кризиса умирают музыкальные исполнители. Таким образом Over The Bridge призывает людей из музыкальной индустрии вовремя получать необходимую психологическую поддержку, чтобы они могли продолжать создавать музыку еще долгие годы. "Как все могло бы сложиться, если бы все эти любимые музыканты в свое время получили психологическую поддержку? Почему-то в музыкальной индустрии депрессия нормализуется и романтизируется", - говорит Шон О'Коннор, член совета директоров Over The Bridge. Для создания песен использовалась программа Magenta, разработанная Google. Она проанализировала предыдущее творчество артистов — вокальные мелодии, смены аккордов, гитарные рифы, соло, и создала музыку с подобным звучанием. Текст песен также написал искусственный интеллект. Но вот вокал ему пока оказался не под силу, так что поют за покинувших этот свет легенд ныне здравствующие люди. Для создания трека AI Nirvana "Drowned In The Sun" программа обработала порядка трех десятков песен группы. Трек исполнил Эрик Хоган - солист трибьют-группы Nevermind из Атланты. Он уверен, что эта песня имеет тип вибрации, свойственный последним записям коллектива Курта Кобейна. "В песне поется: "Я чудак, но мне это нравится. Это настоящий Курт Кобейн", - добавляет Хоган. AI Nirvana. Drowned In The Sun Новости с Украины Музыкальная рок-группа "The Streechers" из Чернигова в 2020 году выпустила первый в Украине видеоклип, который был создан исключительно искусственным интеллектом: Paintress Музыканты отмечают, что идея создания видеоклипа по такой технологии появилась у одного из участников группы – Игоря Мелихова. Он увлекается программированием, поэтому самостоятельно сумел настроить нейросеть так, чтобы она выводила созданные ею живые рисунки на экран во время звучания песни. Видеоработу на песню "Paintress" исполнители считают уникальной. Они отмечают, что ранее не встречали ни одного клипа, изначально созданного с помощью искусственного интеллекта. "Мы искали и не нашли никакой работы, полностью сгенерированной нейронной сетью. Искусственный интеллект используют для обработки уже отснятых кадров, но не для создания с нуля. За пределами Украины несколько исполнителей использовали подобные алгоритмы, но я не нашел ни одного, который использовал бы текст песни для этого", – отметил Мелихов. Лидер группы "Океан Эльзы" Святослав Вакарчук заявил, что песню "Без тебя меня нет" написал искусственный интеллект. "Программа послушала все песни ОЭ и написала свою... ну местами похоже вышло", – говорит Вакарчук. Клип на этот сингл вышел в феврале 2021 года. Океан Эльзы. Без тебя меня нет Искусственный интеллект и рекомендательные сервисы Для эффективной деятельности и поиска талантов звукозаписывающим гигантам ежегодно приходится прослушивать и анализировать миллиарды композиций. По оценкам Международной федерации фонографической индустрии (IFPI), звукозаписывающие компании ежегодно инвестируют 4,5 млрд дол. в маркетинг, ориентированный на сферу A&R (Artists and Repertoire). Эта цифра составляет 26% от совокупного дохода отрасли. Для того чтобы сделать талантливого музыканта известным, лейблы вкладывают в него от 500 тыс. до 2 млн долларов. Вот почему технологии искусственного интеллекта столь важны для музыкальной индустрии. При этом важно отметить, что с музыкальным контентом ИИ работать сложнее, чем с текстом, уже являющимся закодированной в символы информацией, или изображением, являющимся малым объемом данных. Звук же по-прежнему остается сложным для анализа алгоритмом материалом за счет многослойности, отсутствия четких временных интервалов и большого веса. Но процессы постоянно совершенствуются. И в начале 2000-х появились первые рекомендательные музыкальные сервисы. Кроме того, в связи с увеличением пользователей потокового вещания потребность в технологии обработки этого потока данных продолжает оставаться актуальной. Интернет-платформа потокового аудио Spotify вложила большие средства в машинное обучение и такие фирменные продукты, как Discovery Weekly – плейлист, который формируется еженедельно с учетом пожеланий пользователя. В целом сервис Spotify делает ставку на то, чтобы стать еще более "умным" и более комфортным для пользователя. Новые технологии способны значительно упростить жизнь начинающих музыкантов и режиссеров, программы искусственного интеллекта могут сэкономить их время и деньги, ускоряя процесс обнаружения новых звезд сцены. Например, британская компания Instrumental разработала собственную программу, которая обрабатывает новые видео- и аудиозаписи исполнителей-аматоров на нескольких социальных платформах (Spotify, YouTube, Instagram и т. п.) и определяет, кто из них имеет наибольший потенциал. Впоследствии компания предлагает некоторым из них контракты и поддерживает в дальнейшем развитии. В массовом применении искусственный интеллект стал незаменимым, в первую очередь, в вопросах систематизации и персонализации всего огромного объема музыкальных произведений, хранящихся на стриминговых платформах и в интернет-проигрывателях. Например, в Apple Music доступно более 75 миллионов композиций, в Deezer можно найти 73 миллиона песен, а в Spotify хранится более 50 миллионов треков. В частности, Apple Music ИИ, за счет алгоритмов нейронных сетей и процессоров, определяет качество музыкальной композиции, анализируя аудиофайлы продолжительностью от 15 секунд до 10 минут, и сравнивает их с песнями из ТОП-100, уже звучащими в эфире радиостанций. Таким образом, искусственный интеллект на сегодняшний день можно использовать для прогнозирования соответствия музыки вкусу целевой аудитории, что позволяет каждой композиции найти своего слушателя. Искусственный интеллект выходит на сцену Шоу-бизнес начал эксплуатировать технологию искусственного интеллекта и цифрового Альтер-эго звезд не только для создания и анализа аудио, но и для создания невиданного доселе "видеоряда". Технологии дополненной и виртуальной реальности нашли свое применение уже в конце 2010-х. Например, в рамках первого фестиваля VR (с англ. "виртуальная реальность") в 2018 году на платформе High Fidelity состоялось выступление аватара диджея Томаса Долби. Год спустя американская скрипачка Линдси Стирлинг превратила зрителей – обладателей VR-шлемов – в светлячков, а сама сыграла для них концерт в сказочном лесу. Еще несколько успешных VR-концертов прошли на базе культовой игры Fortnite. Одним из первых музыкантов, представивших публике свой аватар, стал диджей Marshmello. Его примеру последовали Travis Scott и Ariana Grande. Но одна из самых громких новостей, связанная с 3D-реальностью и музыкальной индустрией, прозвучала совсем недавно. И, конечно же, это воссоединение легендарного шведского квартета ABBA и анонсированный ими концерт, который состоялся в Лондоне в 2022 году. Всем вокалистам коллектива сегодня перевалило за седьмой десяток, но голоса их, как прежде, звонкие и притягательные. Группа записывает новые песни, но на сцену перед многотысячной аудиторией вышли не сами артисты, а их голограммы (аватары) – такие, какими были члены культовой четверки в 70-е годы. То, что технологии AR сегодня – один из главных трендов во всей медиа и ивент-индустрии, подтверждает и недавняя презентация ребрендинга популярной социальной платформы Facebook. Провел ее аватар Марка Цукерберга, почти ничем не отличимый от реального человека: чем не свидетельство того, что будущее настало?! Искусственный интеллект озвучивает видео До недавнего времени интерес исследователей в области нейронных сетей к звуковым эффектам ограничивался только системами распознавания речи. В 2021 году американские исследователи из Университета Карнеги-Меллон (штат Пенсильвания, США) и компании Runway обучили нейросеть самостоятельно подбирать звуковое сопровождение к немому видео: в зависимости от картинки в кадре алгоритм самостоятельно подыскивает необходимые звуки. Разработка получила название Soundify. Ее работа разделена на три этапа: сначала алгоритм обнаруживает источники звука и классифицирует их — это могут быть конкретные объекты или места с характерным фоновым звуком (дорога, кафе и так далее). Затем алгоритм использует базу данных Epidemic Sound, в которой содержатся около 90 тыс. звуков, для поиска необходимого звучания. Для каждой сцены Soundify подбирает по пять самых вероятных звуковых эффектов: один из них устанавливается по умолчанию, однако пользователь может включить дополнительные. На втором этапе алгоритм устанавливает временные интервалы звучания каждого эффекта в зависимости от того, на протяжении какого времени объект находится в кадре. На последней стадии нейросеть разбивает каждую сцену по секундам и подбирает необходимые параметры громкости для обеспечения реалистичности звучания. Предполагается, что Soundify облегчит кропотливую и затратную по времени работу монтажеров с видео без звука — в первую очередь, это относится к съемкам с дронов, поскольку последние, как правило, лишены микрофона. Пример видео, озвученного нейросетью Сможет ли искусственный интеллект научить музыке? ИИ-учитель музыки – цель нового стартапа из Сан-Франциско (США) под названием Kena·ai. Компания разрабатывает "личного учителя музыки на базе искусственного интеллекта", способного "давать обратную связь в режиме реального времени на практических занятиях, создавать динамические персонализированные схемы обучения, обеспечивать поиск на основе композиционной архитектуры музыки" и "генерировать музыкальные композиции с помощью ИИ". Так говорит сообщение в блоге генерального директора Вишваната. На своем веб-сайте компания предполагает, что ИИ будет "похож на сочетание учителя-человека/Siri/Google/Spotify", а ученики будут задавать вопросы вроде "Эй, Кена, чем мне заняться сегодня?" и "Эй, Кена, научи меня музыкальному произведению из арпеджио-свипа в ми миноре". Также утверждается, что Кена будет работать с любым музыкальным инструментом без необходимости использовать шаблоны или применять живое курирование для каждого музыкального произведения. Стартап появился в 2019 году, и интересно будет посмотреть, отвечает ли его технология провозглашенным амбициям. Ученые создали искусственный интеллект для автоматической классификации движений смычка скрипки по жестам исполнителя. При воспроизведении музыки жесты чрезвычайно важны, отчасти потому, что они напрямую связаны со звуком и выразительностью музыкантов. Сегодня существует технология, которая фиксирует движение и способна очень точно определять даже мелкие жесты. В исследовании сотрудники Лаборатории машинного обучения и музыки Группы музыкальных технологий Департамента информационных и коммуникационных технологий испанского Университета Помпеу Фабра использовали искусственный интеллект для автоматической классификации движений смычка скрипки по движениям исполнителя. "Мы записали движение и аудиоданные, соответствующие семи репрезентативным техникам ведения смычка (Détaché, Martelé, Spiccato, Ricochet, Sautillé, Staccato и Bariolage) в исполнении профессионального скрипача. Мы получили информацию об инерционном движении правого предплечья и синхронизировали его с аудиозаписью", - объясняют авторы исследования Дэвид Далмаццо и Рафаэль Рамирес. Система идентифицировала движения скрипача с точностью до 94%. Данные, использованные в этом исследовании, общедоступны в онлайн-хранилище. Полученные результаты позволяют применять этот метод в практическом обучении, когда учащиеся игре на скрипке могут извлечь пользу из обратной связи, предоставленной системой в режиме реального времени. Это исследование было проведено в рамках проекта TELMI (Технология повышения эффективности обучения музыкальным инструментам). Его цель состоит в том, чтобы исследовать, как технологии (датчики, мультимодальные данные, искусственный интеллект и компьютерные системы) могут улучшить практику изучения музыки, помогая в овладении новыми музыкальными навыками. С использованием скрипки в качестве примера одной из основных целей проекта является предоставление учащимся обратной связи в реальном времени, а также сравнение их выступлений с результатами ведущих экспертов. "Наши результаты уже обобщены для других музыкальных инструментов и применяются в музыкальной образовательной среде", - добавляет Рафаэль Рамирес. Заключение Если это искусство, то не для всех, а если это для всех, то это не искусство. А. Шенберг Осталось ли еще что-то, неподвластное машинам? И сможет ли компьютер в будущем заменить живых музыкантов? Согласно отчету международной консалтинговой компании McKinsey, 70% фирм, независимо от направления их деятельности, будут использовать хотя бы одну интеллектуальную технологию до 2030 года. В том же отчете утверждается, что искусственный интеллект обеспечит США рост экономической активности, которая к 2030 году приведет к приросту национальной прибыли в размере 13 трлн долларов (этот показатель эквивалентен росту ВВП страны на 16%). В музыкальном бизнесе потенциал ИИ огромен. Уже сегодня применение интеллектуальных технологий художниками, звукорежиссерами, специалистами цифрового маркетинга известных мировых лейблов – это скорее необходимость, чем инновация. Потребитель музыки привыкает к качественному звуку, поэтому использование современных методов обработки неизбежно. Несмотря на то что человечество проводит эксперименты в плане написания музыки с помощью ИИ вот уже более полувека, считается, что эта технология еще находится на ранней стадии развития. Компьютеры действительно научились самостоятельно создавать новые ценности, представляющие интерес для человека. То есть можно утверждать, что они освоили творческий процесс. С одной стороны, он во многом далек от возможностей одаренных людей и часто напоминает незатейливый креатив ребенка, но с другой — у машин еще долгая дорога впереди. Уже сейчас ИИ помогает музыкантам тестировать новые идеи, находить оптимальный эмоциональный контекст, интегрировать музыку в современные медиа и просто развлекаться. Наиболее вероятное будущее для музыкальных нейросетей – генерировать фоновую музыку там, где сама музыка не так важна: лаунж-зоны, рестораны, спортзалы, фон для работы, учебы, медитаций, спорта и практик. Еще один вариант применения, очень интересный в коммерческом плане – помощь музыкантам и немузыкантам в поиске идей. Например, если у нейросети будут какие-то ручки управления, человекопонятный интерфейс, с помощью которого даже абсолютно не разбирающийся в нотной грамоте и композиторстве клиент сможет сгенерировать продукт и накрутить нужный темп, стиль и переходы, то получится нечто вроде "конструктора музыки". Таким образом написание музыки станет занятием, доступным более широкой аудитории, – так открываются двери к самовыражению для миллиардов людей. Или, как сказал бы в таком случае А. Эйнштейн: "Секрет креативности в умении прятать свои источники"... Все это, конечно, удивительно, однако же имеющиеся технологии далеки от того, чтобы искусственный интеллект обладал способностью создавать что-то принципиально новое: машина может пропустить через себя огромный объем данных и "понять" как можно сделать и как уже было сделано, но она не может загореться внезапным приступом вдохновения и воплотить свою творческую задумку. ИИ хорошо себя показывает как генератор идей, коротких музыкальных фраз и даже мелодий. Но музыка, сочиненная компьютером, все еще нуждается в том, чтобы человек приложил к ней руку в отношении теории, музыкального производства и оркестровки. Иначе же такой "опус" может звучать довольно непривычно и сумбурно для человеческого уха. То есть без работы композитора и музыкантов не обойтись - они берут сгенерированные ИИ кирпичики и строят из них произведение, по пути добавляя свое собственное творчество. Музыку, созданную ИИ, можно назвать "фастфудным решением" для тех, кому срочно нужна дешевая музыкальная композиция. Мы отдаем себе отчет в том, что только образованные люди могут создать произведение искусства, которое будет нести в себе какую-то глубокую мысль. Вряд ли искусственный интеллект сможет когда-нибудь написать саундтрек к фильму, вызывающий мурашки. Машина на такое неспособна. Музыка, которая генерируется без участия человека, получается безэмоциональной и не может работать в качестве триггера настроения. Эмоциональную окраску этим произведениям способен дать только живой исполнитель. Каждый из нас может быть каким угодно чудаком или сумасбродом, но мы никогда не вставим в уши то, что нам не нравится. Суть музыки в том, что она является самой глубокой и сокровенной гранью человека - только тогда она сможет выполнить главную задачу: создавать настроение и переживания. Способность мыслить творчески, фантазировать, отступать от шаблонов и вызывать эмоции – вот главные умения, отличающие реального музыканта от искусственного. Машина, каких бы уровней развития она не достигла, просто не сможет понять такие тонкие вещи, как человеческий разум, душа и отношения между людьми, которые, как правило, и вдохновляют нас на творчество. Мы знаем, что в центре искусства обязательно должны быть чувства, идеи и порывы — а все это, к сожалению или счастью, нельзя воплотить в алгоритмах. По крайней мере, пока. Именно поэтому одно из самых последних направлений в сфере алгоритмической композиции – это моделирование эмоциональной нагрузки произведений для устранения проблемы сухого математического расчета и привнесения в машинную музыку элементов настроений и смысла, вкладываемых человеком в сочиняемые композиции. В целом, эксперты согласны, что ИИ никогда не сможет заменить творческую личность на поприще полноценного сочинительства, но, как упоминалось выше, сможет значительно изменить и дополнить весь процесс. Музыка была спутником человечества на протяжении десятков тысяч лет, и оценить ее силу может только человек. Пол Маккартни, вспоминая то, как дружеские отношения с Джоном Ленноном содействовали их взаимопониманию при написании новых песен, говорил, что никакие технологии не смогут повторить успех произведений, созданных под влиянием искренних человеческих эмоций... Сможет ли полностью компьютер вытеснить музыкантов из музыкального процесса - вопрос скорее философский. Нам же остается только ждать и наблюдать, как сложится путь эволюции музыки в будущем... А напоследок вспомним знаменитое высказывание великого грека Аристотеля, которое сегодня звучит как никогда актуально: "ИСКУССТВО ЕСТЬ НЕ ЧТО ИНОЕ, КАК ТВОРЧЕСКАЯ СПОСОБНОСТЬ, РУКОВОДИМАЯ ПОДЛИННЫМ РАЗУМОМ". P. S. Весной 2024 года более 200 артистов подписали открытое письмо, в котором призвали прекратить "хищническое" использование искусственного интеллекта в музыкальной индустрии. В этом письме, организованном кампанией Artist Rights Alliance, музыканты заявили, что ИИ "нарушит наши права и обесценит права артистов", если его использовать безответственно. Они призывают технологические компании взять на себя обязательство не разрабатывать инструменты для создания музыки с ИИ, "подрывающие авторитет или заменяющие авторов песен и исполнителей, или отказывающие нам в справедливой компенсации за нашу работу". Также в письме говорится, что то, как творчество артистов используется для обучения некоторым моделям и системам искусственного интеллекта, является "наступлением на человеческое творчество", а также предупредили, что ИИ используется для "разрушения музыкальной экосистемы". Письмо подписали: певицы Билли Айлиш, Ники Минаж, Кэти Перри, Камила Кабельо; певцы Джон Бон Джови, Сэм Смит, Джон Батист, Зейн Малик; группы Jonas Brothers и Imagine Dragons; наследники Фрэнка Синатры и Боба Марли. Но не все музыканты выступают против использования ИИ в музыкальной индустрии, в частности Граймс и диджей Дэвид Гетта являются одними из тех, кто поддерживает использование таких инструментов ИИ. Граймс даже призвала поклонников и начинающих музыкантов использовать ее голос "без штрафных санкций" и заявила, что будет делиться роялти за успешные треки, сгенерированные с помощью ИИ. ________________________ При подготовке статьи использованы следующие работы: 1. Будущее музыки за искусственным интеллектом [Электронный ресурс] //KnowHow. - 2018. – 18 декабря. – Режим доступа: https://knowhow.pp.ua/ai_music/ 2. В. Елкина. Искусственный интеллект научился сочинять музыку, совсем как человек [Электронный ресурс] //RB.RU. - 2017. – 22 февраля. – Режим доступа: https://rb.ru/story/ai-composer/ З. З. Кунаковская. Искусственная музыка: зачем нам The Beatles, если есть ИИ [Электронный ресурс] //RB.RU. - 2019. – 06 августа. – Режим доступа: https://rb.ru/longread/ai-in-music/ 4. Искусственный интеллект в музыкальной индустрии: аватары артистов и робот в жюри музыкального конкурса [Электронный ресурс] //vc.ru. - 2021. – 16 ноября. – Режим доступа: https://vc.ru/russianmediagroup/319952-iskusstvennyy-intellekt-v-muzykalnoy-industrii-avatary-artistov-i-robot-v-zhyuri-muzykalnogo-konkursa 5. Искусственный интеллект запишет движения скрипача [Электронный ресурс] //Научная Россия. - 2019. – 03 апреля. – Режим доступа: https://scientificrussia.ru/articles/iskusstvennyj-intellekt-zapishet-dvizheniya-skripacha 6. Искусственный интеллект поёт о революции [Электронный ресурс] //Habr. - 2020. – 03 июня. – Режим доступа: https://habr.com/ru/company/cloud4y/blog/505000/ 7. Краткая история алгоритмической композиции [Электронный ресурс] //AlgorithmicComposition. – Режим доступа: https://algorithmiccomposition.ru/blog.html 8. К. Янушкевич. В США нейросеть обучили подбирать звуки для беззвучного видео [Электронный ресурс] //РБК. – 2021. – 14 декабря. - Режим доступа: https://trends.rbc.ru/trends/industry/61b733a09a7947402ef0e71c 9. Masha Gurova. И джаз, и электроника: проекты, которые используют искусственный интеллект для создания музыки [Электронный ресурс] //vc.ru. - 2019. – 06 апреля. – Режим доступа: https://vc.ru/future/63431-i-dzhaz-i-elektronika-proekty-kotorye-ispolzuyut-iskusstvennyy-intellekt-dlya-sozdaniya-muzyki 10. Н. Бессонова. Нейросеть научилась писать хоралы за Баха [Электронный ресурс] //N + 1. - 2016. – 16 декабря. - Режим доступа: https://nplus1.ru/news/2016/12/16/deeplearningbachstyle 11. Н. Кострова. Что такое алгоритмическое искусство: от Моцарта и Райха до "Нейронной обороны" [Электронный ресурс] //Афиша Daily. - 2017. – 22 февраля. Режим доступа: https://daily.afisha.ru/brain/4653-chto-takoe-algoritmicheskoe-iskusstvo-ot-mocarta-i-rayha-do-neyronnoy-oborony/ 12. О. Перепелкина. Нейронная соната: как искусственный интеллект генерирует музыку [Электронный ресурс] //РБК. - 2021. - 23 июля. - Режим доступа: https://trends.rbc.ru/trends/industry/5f84b49e9a794729fefb4c88 13. С. Ольце, Э. Володина. Искусственный интеллект сочиняет музыку Бетховена [Электронный ресурс] //DW AKADEMIE. - 2021. – 11 октября. – Режим доступа: https://www.dw.com/ru/iskusstvennyj-intellekt-dopisal-simfinoju-za-bethovena/a-59469957 14. Ф. Болл. Музыкальный инстинкт. Почему мы любим музыку. – М.: Эксмо, 2021. – 720 с.

С наступлением постиндустриальной эпохи современного человека все больше окружают различные источники шума. Шумовое, или акустическое загрязнение — это раздражающий шум антропогенного происхождения, нарушающий жизнедеятельность живых организмов и человека. В основном, это дорожное движение, то есть транспортные средства — автомобили, железнодорожные поезда, корабли и самолеты. В городах уровень шумового загрязнения в жилых районах может быть сильно увеличен за счет неправильного городского планирования (например, расположение аэропорта в черте города); другими важными источниками шумового загрязнения в городах являются промышленные предприятия, строительные и ремонтные работы, автомобильная сигнализация, системы вентиляции, собачий лай, шумные люди и так далее. Источником шума в помещениях обычно является бытовая и офисная техника. Ранее считалось, что причиной ухудшения состояния здоровья человека является химическое загрязнение окружающей среды, связанное с изменением состава вдыхаемого воздуха. Однако загрязнения физических полей окружающей среды также немаловажны для здоровья людей. Модификация электромагнитных и акустических полей в современном мире даже встает на первое место. Нужно заметить, что более половины населения Западной Европы проживает в районах, где уровень шума составляет 60—65 дБ. Экосистема звука активно влияет на самочувствие и продуктивность человека. Эксперты подсчитали, сколько денег европейцы теряют из-за шума. В исследовании учитывали количество потерянных рабочих дней, затраты на здравоохранение, неэффективное обучение и пониженную продуктивность, вызванные шумовым загрязнением. Затем эти факторы перевели в денежный эквивалент и получили более 40 миллиардов евро в год. Из-за необходимости перекрикивать учеников в классах 50% американских учителей сталкиваются с проблемами с голосовыми связками. Вместе с тем, восприимчивость к речи тех учеников, которые сидят на четвертом ряду обычного класса, также снижается на 50% — им приходится прилагать больше усилий, чтобы не упустить, что говорит учитель. Другое исследование влияния звука на образовательный процесс показывает, что дети из «шумных» школ, расположенных рядом с аэропортами и дорогами, дольше учатся читать. Известно, что посторонние звуки влияют на продуктивность человека. Максимальный уровень шума для комфортной работы — 45 дБ. Но шум может быть разным. Например, человеческая речь — это около 40 дБ. При этом, работать, когда кто-то рядом чрезвычайно эмоционально разговаривает, вы навряд ли сможете. Исследователи выяснили, что в этом случае у самых восприимчивых людей продуктивность при чтении и письме снижается на 66%. Специалисты провели эксперимент, замаскировав звуки офиса белым шумом. В результате, работники на 46% лучше концентрировались и на 10% лучше запоминали информацию. Шум в определенных условиях может оказывать значительное влияние на здоровье и поведение человека. Он может вызывать головную боль, раздражение и агрессию, артериальную гипертензию (повышение артериального давления), тиннитус (шум в ушах), потерю слуха. При чрезмерном уровне шум влияет на вегетативную и центральную нервную систему, сердечно-сосудистую систему, на обмен веществ, угнетает окислительные процессы. Независимо от состояния человека (спит он или бодрствует), выделяются гормоны стресса – адреналин и кортизол. В ходе проведенных экспериментов ученым удалось показать, что увеличение уровня шума пропорционально замедляет реакцию человека и может достигать нескольких десятков миллисекунд. Кажется, что это не имеет значения, ведь эти параметры такие ничтожные. Но вдумайтесь: при скорости движения автомобиля 60 километров в час (разрешенная скорость движения в городе) за 20 миллисекунд автомобиль проедет около четырех метров, а ценой нескольких метров тормозного пути может стать человеческая жизнь! Поэтому очень важно как можно более подробно изучать влияние шума на человека, ведь окружающая среда становится все более агрессивной. Наибольшее раздражение вызывает шум в диапазоне частот 3000÷5000 Гц. Хроническая подверженность шуму на уровне более 90 дБ может привести к потере слуха. При шуме на уровне более 110 дБ у человека возникает звуковое опьянение, по субъективным ощущениям аналогичное алкогольному или наркотическому. При шуме на уровне 145 дБ у человека происходит разрыв барабанных перепонок. Женщины менее устойчивы к сильному шуму, чем мужчины. Кроме того, восприимчивость к шуму зависит также от возраста, темперамента, состояния здоровья, окружающих условий и так далее. Вредное воздействие шума известно издревле. Например, в ХVI веке в России, во времена правления Ивана Грозного, существовала казнь «под колоколом». Она являлась способом медленного убийства приговоренного с помощью колокольного звона. Гул этого звона мучил и медленно убивал осужденного. Известно, что звук в 180–190 дБ вызывает болезненные ощущения и смерть человека от кровоизлияния в мозг. Поэтому именно колокол, а точнее его звон являлись в таком случае палачом. В наши дни шумовое загрязнение отрицательно влияет на окружающую среду и быстро вызывает нарушение естественного баланса в экосистемах. Шумовое загрязнение может приводить к нарушению ориентирования в пространстве, общения, поиска пищи у животных. Одними из самых известных случаев ущерба, наносимого шумовым загрязнением природе, являются многочисленные случаи, когда дельфины и киты выбрасывались на берег, теряя ориентацию из-за громких звуков военных гидролокаторов (сонаров). Какие есть средства защиты от шума? Ничего принципиально нового пока человеком не придумано: это озеленение, ограничение транспортных потоков, шумоизоляционные ограждения вдоль транспортных магистралей. Можно, например, заменить асфальтовое покрытие на резиновое, расставить звуковые скульптуры, фонтаны и так далее. И самое главное, продуманное планирование архитектурной среды. Современный город должен учитывать все эти моменты, а не развиваться по принципу средневековых городов, где на узких улочках дома тесно «лепятся» друг к другу. В настоящее время разработано много методик, позволяющих уменьшить или устранить некоторые шумы. Шумовое загрязнение от какого-либо объекта можно до некоторой степени уменьшить, если при проектировке этого объекта, учитывая различные внешние условия (например топологию и погодные условия местности), просчитать характер шумов, которые будут возникать и затем отыскать пути их устранения или хотя бы уменьшения. В настоящее время этот способ стал гораздо проще и доступнее за счет развития электронно-вычислительной техники. Это наиболее дешевый и рациональный способ снижения шумов, использующийся, например, при строительстве железных дорог в городских районах. В некоторых случаях рациональнее на данный момент бороться не с причиной, а со следствием. Например, проблему шумового загрязнения жилых помещений можно значительно уменьшить за счет их звукоизоляции (установка специальных окон). Дискомфорт вызывает не только шумовое загрязнение, но и полное отсутствие шума. В Орфилдской лаборатории (штат Миннесота, США) находится безэховая камера, самое тихое место на Земле, где вы сможете услышать, как течет ваша кровь. Эта комната настолько тихая, что шум здесь измеряется в децибелах со знаком «минус» (−9,4 дБ). Спустя несколько минут пребывания в камере вы начинаете слышать стук вашего сердца, движение легких и течение крови по венам. Посетить лабораторию и зайти в камеру может любой желающий, но мало кто выдерживает там дольше 5 минут. Известно, что звуки определенной силы повышают работоспособность и стимулируют процесс мышления (в особенности процесс счета) и, наоборот, при полном отсутствии шумов человек теряет работоспособность и испытывает стресс. Так работает наш мозг. Наиболее оптимальными для человеческого уха являются естественные шумы: шелест листьев, журчание воды, пение птиц. Индустриальные шумы любой мощности не способствуют улучшению самочувствия. Термины «звуковой ландшафт», «акустическое загрязнение» и «акустическая экология» сравнительно новые. Они были введены в обиход известным канадским исследователем Рэймондом Шейфером (род. в 1933 г.). Рэймонд Мюррей Шейфер — композитор, писатель, педагог и защитник окружающей среды, лауреат многочисленных канадских и американских премий в области музыки. В конце 1960-х гг. он вместе с командой единомышленников основывает World Soundscape Project, посвященный исследованию взаимоотношений человека и звуковой среды. Звуковой ландшафт, как система звуковых элементов, возникающих в окружающей среде, может сочетать в себе как природные звуки, так и воспроизводимые людьми и технологиями, являясь частью культурного ландшафта, выраженного в звуке. Восприятие звукового ландшафта зависит от слушателя, субъективно. Один и тот же звуковой ландшафт может восприниматься по-разному, но формально будет включать в себя одинаковые элементы, которые, в том числе, могут быть обнаружены звукозаписывающими технологиями. Первое исследование, опубликованное в рамках проекта, называется Звуковой ландшафт Ванкувера. Позже интерес к этой области стал нарастать, и вскоре исследования в рамках акустической экологии стали важной частью научных достижений всего мира. В 1993 году был проведен интернациональный форум и образовано Мировое сообщество исследователей акустической экологии (WFAE). Как «отец акустической экологии», Шейфер опубликовал брошюры, призывающие к принятию законов против шума. В 1977 году в рамках проекта World Soundscape вышла его работа «Настройка мира» (англ. The Tuning of the World). Его исследовательская работа в рамках проекта по формированию культуры слуха нашла отражение и в его музыке: в одном из произведений он использует интервалы океанского прибоя, а в другом графическую запись уличного шума в Ванкувере. После переезда на ферму он создает серию «произведений естественной среды», первое из которых, «Музыка для озера в глуши», предназначено для исполнения 12 тромбонами на берегу небольшого озера в сельской местности (запись этого произведения была сделана в 1979 году CBC возле фермы самого композитора). Главная беда любого городского пространства, как показало исследование Шейфера и его последователей, — это «акустическое загрязнение». Из-за большого количества громких и монотонных шумов возникает эффект «психоакустической маскировки» — именно он ответственен за то, что звуковой ландшафт становится максимально скудным и дискомфортным, а вычленить из него отдельные элементы практически невозможно. Из-за того что мы привыкли к такому перманентному шумовому фону, мы перестали обращать внимание на то, какие звуки нас окружают, как они влияют на наше настроение и состояние. Чтобы сохранить «культуру слуха», он основал новую дисциплину «акустическая экология» или «экоакустика», которая занимается изучением взаимоотношений звуков и живых существ (в частности людей) в их среде обитания. Со временем это направление разрослось, и теперь можно обратиться ко множеству данных, собранных в течение десятилетий. Особую ценность представляют полностью восстановленные звуковые ландшафты мест из различных стран в электронном виде. Акустическая экология помогает разобраться с качеством звуков и тем, как они влияют на человека. Реакции на них могут быть самыми разными. Некоторые у нас вызывают тревогу, что в ряде случаев даже может спасти нам жизнь. Некоторые помогают успокоиться – звуки дождя, шелест листвы, шум моря. Таким образом, акустическая экология как научное направление возникла сравнительно недавно, хотя проблема защиты от шума стояла еще в средние века: уже тогда, например, состоятельные люди устилали дорогу перед своим домом соломой, чтобы им не мешали проезжающие мимо повозки. Во времена активного экономического роста, в XIX и ХХ веках, при строительстве крупных заводов или гидроэлектростанций, эти объекты по возможности выносились за городскую черту, а при строительстве учитывался естественный ландшафт, для снижения шума вокруг промышленных объектов возводились насыпи и высаживались кустарники и деревья. В конце ХХ века вопрос уязвимости человека перед достижениями прогресса встал особенно остро. В связи с развитием сотовой связи появился термин «электромагнитная экология», и начался бум исследований в области влияния электромагнитного излучения на человека и окружающую среду. Одновременно с этим получила развитие и акустическая экология: в современных условиях, когда стираются границы между жилыми и промышленными районами, кратно увеличивается транспортный поток, стало принципиальным знать и изучать, как акустический шум влияет на здоровье человека. В русле общественного движения, основанного М. Шейфером, возникло также новое направление в искусстве – «sound art». Саунд-арт, или звуковое искусство — это вид междисциплинарного искусства (медиаискусства), материалом которого является звук. Наиболее распространенными видами звукового искусства являются звуковая скульптура, звуковая инсталляция, саундскейп (звуковой ландшафт). Звуковая инсталляция Проект, основанный Шейфером, продолжает существовать и сейчас — в виде глобального коммьюнити энтузиастов акустической экологии. Например, каждый год 18 июля они проводят Международный день слушания. Сейчас многие последователи Шейфера ведут собственные ютуб-каналы со звуковыми турами и выступают с лекциями. Звукоэкологи разных стран предлагают свои методики моделирования звукового окружения любого объекта, делая звуки максимально гармоничными и привлекательными для слуха человека. Исследования Шейфера и его последователей показали, насколько важно учитывать звуковой ландшафт в вопросах городского планирования, архитектуры и урбанистики. Вся проблема в том, что мы не можем просто взять и отключить наш слух — и поэтому вынуждены сталкиваться со всеми негативными последствиями акустического загрязнения, которые отрицательно влияют на нашу психику. При этом, для того чтобы сделать городскую среду более акустически комфортной, есть множество решений. Сам Шейфер утверждал, что в будущем дизайнеры звукового ландшафта станут так же необходимы, как архитекторы, — ведь от их работы будет зависеть благополучие всех городских жителей. Нет плохих или хороших звуков, они все несут какую-то информацию. Без умения слышать мы не сможем сформировать полную картину мира вокруг нас. Поэтому многие недооценивают нашу способность слышать. Ведь звук имеет и положительный эффект. Ученые выявили, что плодотворное влияние на продуктивность оказывают белый шум и звуки природы. А любимая музыка поможет нам настроиться на работу, — ученые рекомендуют слушать ее в пути. Берегите свой слух, чаще отдыхайте на природе вдали от городского гомона, слушайте приятную музыку и будьте здоровы! Бесконечная грусть. Умиротворенность (медитативный дроун-эмбиент) ________________________ При подготовке статьи использованы работы: 1. Е. Шевырева. Что такое звуковой ландшафт, акустическая экология, и зачем «коллекционировать звуки» [Электронный ресурс] //ИТМО.News. – 2020. – 02 ноября. – Режим доступа: https://news.itmo.ru/ru/news/9858/ 2. О. Булгакова. Шум разрушает здоровье [Электронный ресурс] //Академгородок. - 2019. – 12 февраля. - Режим доступа: https://academcity.org/content/shum-razrushaet-zdorove

Во второй половине ХХ века технический прогресс позволил качественно изучить воздействие рекламы на потенциального клиента. Психологи и маркетологи обнаружили, что именно звук оказывается одним из самых эффективных инструментов для манипулирования нашим покупательским настроением: на слух мы запоминаем 70% информации, и человека гораздо легче убедить в преимуществах товара, рассказав о них устно. Создатели рекламы, зная о субъективности восприятия, разделили общество на целевые группы, подбирая звуковой фон для каждой из них. Например, по законам аудиорекламы, мелодии, звучащие в торговых центрах в разное время суток, отличаются по характеру: в первой половине дня магазин чаще посещают пенсионеры и домохозяйки, на которых лучше воздействует спокойная музыка, ближе к вечеру залы наполняют рабочий класс, студенты и офисные работники, для которых современная и ритмичная музыка оказывается более эффективной. Наша эмоциональная память является наиболее долгосрочной, и поэтому маркетологи манипулируют нашим настроением. Например, в начале телевизионных роликов могут звучать тревожные и угнетающие звуки, постепенно переходящие в радостные и легкие. Такой прием часто используют при рекламе лекарств, создавая в нашем подсознании ассоциативный ряд «данный товар - спасение от мучений». Иногда создатели рекламы используют инфразвуки (колебательные процессы с частотами ниже 20 Гц). Несмотря на то что мы не способны их услышать, они оказывают существенное влияние на психологическое состояние человека: вызывают чувство тревоги, паники, ужаса и подсознательно ассоциируются с трагедиями, так как все природные катастрофы сопровождаются инфразвуковыми волнами... Безусловно, сферы, эксплуатирующие музыку, не ограничиваются рекламой. В древности различными мелодиями лечили психические заболевания, а сегодня их нередко используют для достижения гипнотического эффекта. Маркетологи, работающие с транзитной рекламой, способны контролировать контингент и поведение пользователей общественного транспорта. Так, было замечено, что в Лондонском метро использование музыки Баха помогло избавиться от всевозможных асоциальных личностей (хулиганов и наркоманов), которые до этого частенько портили оборудование и делали метро опасным местом для нормальных пассажиров. Также интересный психологический эксперимент был проведен в 2018 году учеными из Швеции и США в одном из кафе Стокгольма. Они выяснили, что громкая музыка заставляет посетителей выбирать более вредную пищу. Чем громче было звуковое сопровождение, тем больше людей выбирали высококалорийные и относительно вредные блюда — сладости и красное мясо. Работа была опубликована в журнале Journal of the Academy of Marketing Science. Ученые опросили работников кафе о том, какой уровень громкости фоновой музыки они считают наиболее приемлемым. Выяснилось, что комфортный диапазон находится между громкостью в 50 и 75 дБ: первый показатель примерно равен громкости разговорной речи, второй — максимальному шуму стиральной машины. В течение недели ученые провели два опыта: в среду в кафе проигрывали фоновую музыку на громкости в 55 дБ, в пятницу — 70 дБ. При этом работники кафе включали один и тот же плейлист из поп-песен, джаза и блюза. Все блюда меню ученые разделили на полезные (салаты и сэндвичи с курицей), вредные (сэндвичи с красным мясом и пирожные) и нейтральные (чай и кофе без добавок). В «тихий» день полезные блюда выбрали 32% посетителей, а вредные — 42%, нейтральные напитки заказали 26%. На протяжении «громкого» дня полезную еду заказывали 25% людей, вредную выбрали 52%, а напитками ограничились 23%. Затем ученые провели лабораторный психологический эксперимент, перед которым двум группам участников включали классическую музыку на громкости 50 и 70 дБ, а третья (контрольная) группа ожидала начала опыта в тишине. Добровольцы прошли «отвлекающий» опрос о своей учебе, затем их спросили, какое блюдо они бы хотели съесть прямо сейчас — фруктовый салат или кусок шоколадного торта. В группе, которая слушала тихую музыку, фрукты выбрали 86%, а в «громкой» группе — лишь 56%. Интересно, что люди, которые ждали эксперимента в тишине, разделились примерно поровну. Авторы работы считают, что тихая фоновая музыка воздействует расслабляюще, помогая выбирать более здоровую пищу... Таким образом, зная о намеренной эксплуатации звуков и музыки, мы можем повысить осознанность и сопротивляемость маркетинговым уловкам, защитив себя от импульсивного потребления. Bossa Nova. Легкий джаз для кафе и ресторанов ___________________ При подготовке статьи использованы следующие работы: Бернадская Ю. С. Звук в рекламе. Учебное пособие для студентов вузов, обучающихся по специальности 032401 (350700) «Реклама». - М.: Юнити-Дана, 2007. - 135 с. - (Азбука рекламы).

Немного об архаичной модели музыкального восприятия. Итак, что же это такое? В ходе научных исследований выяснилось, что для слушателей музыки переход в дальнюю тональность чувствуется как более холодный и темный по сравнению с путешествиями в близкие тональности. Самое же главное, мимолетные ощущения тепла и света оказались неразделимыми с ощущением напряжения - главного признака тонального силового поля. Результаты опыта свидетельствуют о том, что, слушая музыку, мы подсознательно подчиняемся диктату тональной гравитации, и чем дальше конечный тональный центр от начального, тем больше воспринимаемое напряжение и тем темнее и холоднее наши ощущения от перехода в далекую тональность. Чтобы понимать иностранную речь или восхищаться изящным доказательством математической теоремы, необходимо обладать специальными знаниями. Для понимания музыки дело обстоит по-другому. Ее щедрая доступность определяется самой природой тональной материи, в интуитивном характере ее восприятия. На сегодняшний день научные знания о том, что же делает музыку языком эмоций, довольно ограничены. Но одно совершенно ясно - игра с музыкальными звуками создает особого рода послания, использующие древние, примитивные дорожки передачи информации, и эти послания способны пробуждать сложные чувства. Найденная опытным путем чуткость "немузыкантов" к тонким деталям тональных отношений и к музыкальным стилям говорит о высоком уровне врожденной, "природной", музыкальной экспертизы у слушателей без музыкального образования. Признание важности интуиции в восприятии музыки и результаты теоретических и эмпирических исследований стали основанием для архаичной модели эмоционального восприятия музыки. Архаичная модель предполагает, что воспринимаемое напряжение имитирует самые простые и обычные реакции живых организмов на окружающую среду: эти простейшие реакции являют собой напряжение (диссонанс) и расслабление (консонанс). Ощущение воспринимаемого напряжения в музыке воздействует напрямую на "древние" слои нашей нейробиологии, а именно на "прото-сам", расположенный в среднем мозге, где происходит интеграция наших первичных реакций на внешнюю и внутреннюю среду. Художественная игра с этими простейшими ощущениями посредством музыкальных звуков, расположенных вдоль стрелы времени, ведет к изменению психологического состояния. Музыка сплетается из мелодического и гармонического движения по разным участкам тонального поля, из мимолетных ощущений напряжения и спада, тепла и холода, яркости и сумрачности. Исследователям предстоит долгий путь, чтобы понять, каким образом музыка способна дать слушателям богатство эстетического и эмоционального переживания. Вполне вероятно, что изучение музыкального восприятия поможет понять процессы человеческого сознания...

Звуковые волны могут делать невероятные вещи, имеющие практическое применение в науке, искусстве и медицине. В этой подборке вы найдете список из десяти таких вещей. 1. Уничтожить звук Компания «Орфилд Лэбс» в Миннеаполисе построила самую тихую комнату в мире, ее используют для тестирования низких шумов (гула лампочки, например). Стены полностью звукопоглощающие, а уровень звука составляет 9 децибел - это настолько тихо, что вы можете услышать звуки работы собственных внутренних органов. Такая сенсорная депривация обостряет все чувства, вызывая тем самым странные ощущения в теле и мозгу. Пробыв долгое время в такой комнате вы рискуете обзавестись шизофренией или такими странными способностями, как возможность ощутить цвет на вкус. Человек сможет выдержать там не более 45-ти минут, после этого начинаются галлюцинации. 2. Спрятаться от звука Вы замечали, что гуляя по лесу в разное время, например, днем и вечером, вы слышите звук немного по-разному? Если днем все шумы словно сливаются воедино, то посреди ночи каждый шорох звучит будто выстрел. Это явление имеет место, когда звуковые волны меняют направление (преломляются) из-за колебаний температуры во время суточного цикла. В течение дня они уходят вверх, где температура воздуха ниже и, в основном, распространяются над вашей головой, что создает зону «акустической тени». Эффект активно используются моряками в океане - чтобы скрыться от звуковых колебаний, они прячутся в зоне акустической тени от сонаров врага. 3. Вооружиться звуком Люди способны превратить в оружие практически все, даже звук. «The Long Range Acoustic Device» - устройство, которое используется именно для этих целей. Оно выглядит, как затемненный прожектор, который выстреливает «лучом» звука громкостью около 150 децибел на расстояние в десятки метров. Звуковое оружие можно использовать для подавления бунтов и беспорядков: устройство может вызывать сильную боль и наносить ущерб здоровью. Звуковые пушки уже используются на европейских суднах для отпугивания сомалийских пиратов. 4. Звук как искусство Звуковые волны можно сделать видимыми, это явление носит название «киматика». Допустим, если бы вы увидели воздействие звука на емкость с песком, песок бы шевелился и создавал различные фигуры. Первым, кто обнаружил это, стал Галилей в 1632-м году. Он заметил, что если провести по тарелке с частичками мелкого вещества резаком, они приобретут форму параллельных линий из-за скрежета. 5. Звук-убийца Теоретически, человека можно убить звуковым давлением, но выглядит это не так, как вы себе представляете. То, что обычно следует за сильным взрывом, называется сверхдавление - это громадное повышение атмосферного давления. Некоторые взрывы могут вызывать невероятно сильный шум, который, однако, нельзя услышать, потому что барабанные перепонки лопнут на отметке в 160 децибел. А вот 200 децибел будет достаточно, чтобы разорвать легкие и вызвать внутренние повреждения. Во времена Первой мировой войны такая смерть вызывала множество вопросов: из-за отсутствия на теле человека видимых повреждений никто не мог понять, от чего он погиб. Поэтому, когда вы видите в фильме сцену того, как герой, отброшенный взрывом, легко поднимается и идет по своим делам - это полная ерунда. В реальной жизни он был бы мертв и глух. 6. Звук помогает бороться с преступностью Бизнесмены и представители властей некоторых городов США решили включать классическую музыку в метро в районах с высоким уровнем преступности. Оказывается, классикой можно разогнать агрессивных тинейджеров и хулиганов из общественных мест - ее звуки кажутся им неприятными, вызывают дискомфорт и заставляют уйти в поисках места потише. Например, в Лондоне с 2003-го года в течение полутора лет в метро включали классическую музыку. За это время случаи вандализма и грабежей снизились на треть. 7. Превратить звук в лазер Лазер выпускает очень узкий луч света, способный перемещаться даже в вакууме, в отличие от звуковых волн, требующих среду-посредника. Использование такой методики на первый взгляд может показаться неэффективным. Тем не менее, японцы в 2010-м году создали звуковое устройство, способное излучать звуковой луч, под названием «фазер». Его частота составила 170 килогерц, а это в восемь раз превосходит порог человеческого восприятия. Лазер применяется в медицинских целях. 8. Звук лечит Устройство «HIFU Transducer» сосредоточивает акустическую энергию и выделяет огромное количество тепла, это явление можно сравнить с увеличительным стеклом, пропускающим солнечный свет. Профессор хирургии университета Вашингтон заявил: «С помощью этого устройства вы можете делать все то же самое, что и с помощью ультразвука». Например, устройство способно «запечатать» проколотое свиное легкое за две минуты. Это огромный шаг в неинвазивной хирургии. 9. Возвратить в звуковое прошлое Одной из самых интересных областей науки является археоакустика - использование звука в археологии. Например, каждая комната вашего дома имеет собственное звучание, зависящее от наличия аксессуаров, мебели и других предметов. Ученые университета Салфолд из Великобритании решили узнать, как звучит Стоунхэндж. Записав отраженные от Стоунхенджа звуковые волны, а потом построив компьютерную модель, исследователи выяснили, что каменные статуи являются отражающим пространством, похожим на лекционный зал. 10. Звук как компас Известно, что летучие мыши и птицы ориентируются в пространстве посредством звуковых волн, но до недавнего прошлого ученые не могли выяснить, как именно птицы на огромном расстоянии находят путь домой. В 1997-м году геофизик Джонатан Хастрам обнаружил, что около 60-ти тысяч голубей заблудились во время миграции в Англию из Франции - путь им пересек низкочастотный звук от самолета. Неслышимый для человеческого уха, он сильно нарушил работу внутреннего компаса птиц. Хастрам понял, что птицы создают своеобразные «звуковые карты» для навигации, однако, объекты, возведенные человеком, или изменение им ландшафта могут сильно запутать птиц. Источник